Nota: en esta categoría estaremos publicando noticias sobre el acontecer del jazz nacional, las cuales son obtenidas del grupo de google Jazz En México, administrado por Luis Moreno. Gracias.
Chocolate Smoke Gang,
ensamble de Avant Garde fundado y dirigido por el compositor e
improvisador Carlos Maldonado, se presentó en el Centro Cultural Roberto
Cantoral en donde prelanzó su álbum debut.
Texto y fotografías Efraín Alavez
Nuestro primer
acercamiento con Chocolate Smoke Gang fue en el concierto que ofercieron
en el 2011 en el restaurante Peces del Centro Histórico de la Ciudad de
México en donde se presentaron a cuarteto. Desde entonces tanto su
dotación como su concepto se ha ido incrementando para enriquecer su
propuesta de vanguardia.
En su concierto del
pasado 14 de febrero en el Centro Cultural Roberto Cantoral de la Ciudad
de México dentro del ciclo Alterna Jazz, Chocolate Smoke Gang se formó
por Carlos Maldonado (contrabajo); Arturo Báez Velázquez (contrabajo);
Gustavo Nandayapa (batería); Gabriel Puentes (batería); Nicolás Santella
(piano); Blair Latham, (clarinete bajo); Remi Álvarez (sax tenor) y
Alexander Bruck (viola) como invitado especial.
Su repertorio también
se ha ido incrementado gracias a las composiciones de Carlos Maldonado.
Su primer álbum fue grabado en la sala Xochipilli de la Escuela Nacional
de Música el cual prelanzaron el jueves interpretando entre otros los
temas “Cometas”, “Fantasmas”, “Big Bang” y “Black Panther”. Este material ya se encuentra disponible en iTunes y podrá adquirirse en tiendas a partir de marzo el cual incluirá un CD+DVD.
La música clásica de Eugenio Toussaint
El viernes 8 de
febrero se presentó en la Fonoteca Nacional la publicación "Eugenio
Toussaint (1954-2011) Catálogo de obra de concierto" dentro del marco de
su segundo aniversario luctuoso.
“A Eugenio Toussaint hay que recordarlo, vivirlo y escucharlo como un compositor sin adjetivos” Juan Arturo Brennan
Texto y fotografías Efraín Alavez
Hace dos años la música en México sufrió la perdida de un importante
intérprete, compositor y promotor de la música nacional que navegó entre
las aguas de las formas del jazz y la música clásica. Para conocer y
fomentar la interepretación de su música de concierto se presentó
"Eugenio Toussaint (1954-2011) Catálogo de obra de concierto", en
conferencia realizada por la doctora Lidia Camacho, Fundadora y
Directora General de la Fonoteca Nacional y por los maestros Mario
Lavista y Juan Arturo Brennan.
Lidia Camacho destacó que El Catálogo de Obras de Concierto de
Eugenio Toussaint es iniciativa y esfuerzo de Alicia Ayala y su equipo
por rescatar las composiciones y partituras de obras de concierto que
Eugenio Toussaint legó a la música mexicana. “El resultado incluye
setenta fichas que dan referencia exclusiva de la música de concierto
compuesta por Toussaint. Esta iniciativa significa por supuesto el
primer paso para facilitar el orden, la consulta y el uso de un
repertorio que seguramente tendrá un gran impacto en la música
contemporánea de nuestro país”.
Este Catálogo, continuó, permitirá el estudio y conocimiento de una
faceta quizá no por menos conocida es menos valiosa en la obra del
músico. “Eugenio Toussaint 1954-2011 Catálogo de Obra de Concierto”
cuenta con un tiraje de 500 ejemplares que serán donados a bibliotecas,
escuelas y centros culturales. La Sala de lectura Salvador Novo de la
Fonoteca Nacional también contará con diversos ejemplares para su
consulta.
Mario Lavista manifestó que es de suma importancia la existencia de
un catálogo de un autor mexicano y que deberá ser el ejemplo para que
existan en México catálogos de cada uno de los compositores nacionales
vivos o de generaciones pasadas ya que esta es una de las maneras que se
tienen para que sobre todo los intérpretes, investigadores y
musicólogos puedan acceder a la información de determinado autor.
Por su parte Juan Arturo Brennan expresó que cuando conoció el
catálogo se dio cuenta que de las setenta obras por lo menos había una
treintena que apenas conocía de referencia y muchísimas de las cuales ni
siquiera sabía. “El catálogo tiene una cantidad de riqueza inexplorada
de la música de Eugenio. Lo interesante de este catálogo es que permite
que la información esté a disposición de intérpretes para que la toquen y
de alguna manera tengamos un perfil más completo de Eugenio como
compositor de música de concierto”.
Este catálogo se suma al acervo sonoro que resguarda por la Fonoteca
Nacional y que abarca la producción jazzística, de concierto y de música
para cine, teatro y comerciales que realizara Eugenio Toussaint. La
colección se conforma de 105 discos compactos, 22 casetes, 77 DATs, 31
discos de 33 1/3 rpm y 16 DVD’s. Dentro de este universo sonoro se
cuentan con 35 composiciones de música de concierto así como 78
composiciones de jazz y música popular de Eugenio Toussaint. Se tienen
también 2 arreglos de música de concierto para interpretación sinfónica
así como una gran cantidad de arreglos para jazz y música popular.
Lidia Camacho aseguró para finalizar la conferencia que la memoria es
un hecho individual pero también colectivo y que mejor si ésta es
compartida y creciente. “Estoy convencida que la mejor forma de rendir
un verdadero tributo a nuestros artistas y creadores es preservando su
obra para que las actuales y futuras generaciones puedan conocerla y
sobre todo escucharla. Una obra musical está hecha fundamentalmente para
ser oida y es en el escucha donde habita y se despliega su más íntima
esencia”.
Después de una larga ovación, el pianista Alberto Cruzprieto subió al
escenario para interpretar el Estudio Bop Núm. 3 Knomonk quien al
concluirlo explicó que el nombre de este estudio es un palíndromo
jugando de la palabra Gnomo y Thelonious Monk. Y para cerrar se proyectó
el corto “Tres miniaturas de Eugenio” de Carlos Hagerman.
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"Eugenio Toussaint (1954-2011) Catálogo de obra de concierto"
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Lidia Camacho y Mario Lavista
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Mario Lavista y Juan Arturo Brennan
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Lidia Camacho, Mario Lavista y Juan Arturo Brennan
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Lidia Camacho, Mario Lavista y Juan Arturo Brennan
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Jazz
Horizonte, Cupich y los etcéteras
Antonio Malacara
Henry
West fue el primero en hablarme del número 13, del poder de la unidad
actuando sobre la unidad. El recuerdo empezó a saltar en la memoria
apenas supimos de los conciertos que se preparaban para festejar los 13
años de Horizonte, la estación del Instituto Mexicano de la Radio (IMER)
dedicada al jazz, y en la que ya en alguna ocasión se programó la
excelencia freejazzera que nos dejara Henry West poco antes de su autoexilio (¿Cuándo regresas, maestro?).
El
pasado 2 de febrero se iniciaron los festejos con la transmisión en
vivo de un concierto de Fanfare Ciocarlia, banda de metales de los
Balcanes rumanos que ha cobrado gran popularidad gracias a un festivo
eclecticismo musical, en el que convergen no sólo las músicas étnicas de
Rumania, pues los cuates se han despachado también con las folk-dances
de Serbia, Turquía, Bulgaria, Albania y algún otro territorio de la
península balcánica; todo esto, por supuesto, aderezado con una buena
pizca de pop occidental (en la mejor de sus acepciones), la suficiente
al menos como para colarse (o dejarse colar) en el terminajo éste de world music.
Los
siete conciertos subsecuentes serán transmitidos desde el Estudio A del
Imer (localizado en la calle de Mayorazgo 83) y esparcidos a en todo
febrero: Alex Mercado Trío (martes 5), Israel Cupich Trío (jueves 7),
Los Músicos de José (jueves 14), Agustín Bernal Cuarteto (viernes 15),
la big band de
Joe d’Etienne (lunes 18), Pablo Prieto Quartet (jueves 21) y el grupo
de Pepe Hernández (jueves 28). Todos estos actos son de entrada
gratuita, sólo hay que estar pendientes de los espacios en vivo de
Horizonte (107.9 de FM) para conseguir boletos.
Cada
uno de los grupos invitados tiene sus propias pistas de aterrizaje y
mantiene sus propios puntos de vista alrededor del jazz; pero todos, los
siete, coinciden en una misma afortunada orientación: que la música
vaya más allá de aquellos estímulos sonoros que cosquillean en el
ombligo, y para ir más allá, nada mejor que abrir de par en par las tres
compuertas del respetable; a saber, el cerebro, el corazón y el
triperío, para que intelecto, sentimiento y visceralidad logren entrar
juntos (que es la única manera de entrar) a las regiones de la plenitud.
Y el jazz es un vehículo idóneo para todo ello… pero el jazz de verdad,
y no las músicas menopáusicas, las tonadas de elevador que luego nos
andan recetando Sadao Watanabe o Kenny G o especímenes por el estilo.
Pero
ya estoy en otro viaje, ya estoy jazzeando. Lo que quería decir es que
entre los invitados al 13 aniversario de Horizonte me llama
particularmente la atención el trío de Israel Cupich, pues acaba de
sacar un álbum de enorme fuerza expresiva, impregnado de esos venturosos
segmentos de improvisación que apenas rozan el nivel de la conciencia,
tan sólidos como vaporosos, y que los maestros –los jóvenes maestros de
este trío– arrojan, expulsan, proyectan desde las profundidades de su
ánima, de su ánimo, de su sustancia.
Es
el jazz contemporáneo en plenitud (otra vez), el decir y el hacer que
se desprenden de los diferentes acentos bop que flotaban en el siglo XX,
pero que ahora se articulan con otros giros, otros modos, con nuevas
inflexiones y renovada intensidad. Son Israel Cupich al contrabajo,
Roberto Blanco en el piano y Gustavo Nandayapa en la batería. Tres
jóvenes con mucho camino andado, tres chavos a los que seguramente les
sobran retos y desafíos en las alforjas, pero que a cada paso nos dejan
un estupendo sabor de boca.
En
el futuro inmediato aparecerá un álbum grabado en diciembre pasado por
Abraham Barrera, Antonio Sánchez y Aarón Cruz. Las composiciones son de
Abraham, la vastedad musical es de ellos tres y la impaciencia es de
todos nosotros. Por primera vez, desde que emigrara hace veintitantos
años, Antonio viene a México para grabar con músicos mexicanos.
Alberto
Zuckermann se presentará con su trío, el próximo viernes 8 de febrero,
en el Jazz Base (Calle 21 número 133, en la colonia San Pedro de los
Pinos), uno de los nuevos lugares de jazz en la ciudad de México. Si
algún chaval no ha escuchado todavía al maestro Zuckermann, ésta es una
buena oportunidad de conocer a uno de los mejores pianistas del país.
Y,
hablando de nuevos lugares y estupendos pianistas, les informamos
también que el Centro Cultural Canacintra (localizado en avenida San
Antonio 256, esquina Patriotismo; muy cerca del Jazz Base) acaba de
abrir el ciclo Miércoles de Jazz. Por lo pronto, el miércoles se presentará Carlos Tercero acompañado por dos grandes: Fernando Caballero, El Cabezón, en la batería y Manuel Fernández, El Camarón en el bajo eléctrico. Salud.
Jazz
Víctor Ruiz Pasos, Vitillo
Antonio Malacara
El pulso y la personalidad de Víctor Ruiz Pazos, Vitillo
(Veracruz, 1930), son parte de nuestro imaginario colectivo desde hace
mucho tiempo, cuando apenas cumplidos los 20 años llegó a la ciudad de
México para integrarse a la orquesta de Larry Sonn y después, en 1953, a
la big band de Luis Arcaraz, donde su contrabajo, junto al sax y los
arreglos de Héctor Hallal, resultó fundamental en la consagración de
esta gran agrupación, sin olvidar nunca, por supuesto, los talentos de Chilo
Morán, Cuco Valtierra, Juan Ravelo, César Molina, Roberto Nery, Tino
Contreras, Mario Patrón, Pablito Jaimes, Freddy Manzo y otros tantos.
Además
de su evidente papel protagónico en la introducción del contrabajo al
jazz moderno en México (junto con Enrique Almazán y Leo Carrillo), la
manifiesta musicalidad de Vitillo
lo llevó a tocar y grabar con todo mundo y en casi todas las vertientes
de la música (su trabajo y su matrimonio con Toña la Negra son parte de
la historia musical mexicana). Pero la grandeza y la extensión de su
historial artístico se documentan ya en una biografía que deberá
aparecer este mismo año.
Pasemos entonces a un disco lleno de peculiaridades, un álbum que bajo el título de Víctor Ruiz Pazos, Vitillo,
editado por Pólak Fórum Records, vio la luz en los últimos días de
2012. No sólo se trata de la primera producción compacta del maestro;
también tiene la sorprendente particularidad de que por primera vez,
después de 64 años de grabar en todas las latitudes y todos los aromas,
se muestra a plenitud como compositor. Todas y cada una de las piezas
incluidas son de su autoría.
Después
de la primera vuelta, resulta evidente que los 12 temas incluidos
fueron concebidos y escritos desde hace buen tiempo; el sonido es claro y
específico, aparece incluso con altas dosis de frescura (un ewi que suena a oboe caribeño en el aliento de Jako
González), pero las atmósferas, los compases y las emanaciones, todas
son retratos en sepia de otras épocas, que se añoran y se evocan con
cariño.
Y si estas evocaciones son ejercidas con la clase y el carácter de la veintena de músicos invitados por Vitillo (puro cuarto bat, diría Rabito),
el momento se ilumina. Normalmente evitamos mencionar alineaciones
demasiado extensas, pero aquí bien vale la pena dar fe de todo el
drimtim. Veamos: Enrique Nery, Joao Henrique, Carlos Gallegos, Héctor
Espinoza, Mario Patrón Jr. y Víctor Patrón (pianos y teclados); Joe
d’Etienne; Israel Blancas Tlaxcaltécatl, y Pancho López (trompetas); Diego Maroto; Jako
González; Alejandro Campos, y Mauricio Tlaxcaltécatl (saxos); Geovenel
del Valle (trombón); Salvador Merchand; Salvador Agüero, Rabito; Giovanni Figueroa; Mario García, y Fernando Caballero (baterías); Leo Muñoz (percusiones), y Vitillo en el bajo eléctrico de cinco cuerdas.
El bajo de Vitillo
cumple ampliamente con los formalismos. Ilumina, sostiene y envuelve
con incuestionable destreza cada uno de los temas. Pero hay más, pero es
más… es una voz que rebasa las formas y los tecnicismos, es esencia, es
sustancia. Es jazz.
Ya
en el plan de los asegunes –siempre tan necesarios–, podemos afirmar
que un poco más de cuidado en proceso de mezcla hubiese mejorado
notoriamente el resultado final. Pero bueno…
Al margen de la música (al margen y no), Víctor Ruiz Pazos comparte otros mensajes. Sin declararse abiertamente místico, Vitillo
juega con diferentes símbolos en los forros y los interiores del álbum.
La portada es una buena fotografía de Gerardo Infante, donde los
claroscuros de Rembrandt nos muestran el rostro del bajista exhalando el
humo de un cigarro, y abajo, a la altura del plexo solar y rebasando
deliberadamente el terreno de los claroscuros, brillando con intensidad,
una estrella pentágona.
Le preguntamos los porqués de este medallón y Vitillo
responde: “Es la estrella de los gnósticos, de los magos, una estrella
de cinco puntas. Cuando el ángulo predominante está hacia abajo, mucha
gente la relaciona con brujería y cosas oscuras; pero cuando este ángulo
está hacia arriba sirve de protección. Yo lo uso de esa manera, de
forma positiva. La punta de arriba es la cabeza, las siguientes son las
manos, las de abajo son los pies, y el círculo que las rodea es la
protección.”
Jazz
Fresedo, Gillespie y Derbez
Antonio Malacara
Osvaldo Fresedo
(1887-1984) es, más que un referente, un icono del tango argentino; su
bandoneón, su orquesta y sus composiciones son imprescindibles para
contar y cantar la historia de este sentimiento, pero ante todo, para
enmarcar la vanguardia tanguera de principios del siglo XX.
La buena nueva es que desde el pasado 2012 ya podemos conseguir en México el disco Fresedo: Rendez-Vous porteño…
con ejemplares exclusivamente de importación, pero conseguibles gracias
a la melomanía de Pentagrama (5564 3877). Se trata de un álbum que
reúne temas grabados por el maestro entre 1931 y 1968 en su propio boîte –el Rendez-Vous–, en teatros bonaerenses y en algunas estaciones de radio.
¿Y qué hacen los comentarios de este disco en una columna de jazz?
Pues resulta que cuatro de las 19 piezas incluidas en el compacto fueron
grabadas en 1956, cuando Dizzy Gillespie, de paseo por Buenos Aires,
decidió ir a echarse unos tragos al Rendez-Vous y pidió chance a Fresedo para subirse al escenario y palomear con su trompeta.
Providencialmente, había una grabadora conectada en el foro, por lo
que esta inusitada, espontánea y memorable reunión pudo trascender el
tiempo y los muros del club; con ciertos problemas de audio, por
supuesto; pero los micrófonos y los carretes de mediados del XX
resultaron suficientemente heroicos para disfrutar y degustar estos
temas una y otra y otra vez.
No se trata realmente de una fusión de jazz y tango… el jazz toca la puerta y entra con respeto –y hasta con humildad– al living del
tango. Cuando toma la primera voz, Gillespie se aviene a las atmósferas
y las líneas propuestas por Fresedo, escrutando con todo cuidado cada
uno de los compases; pero llegado el momento, sin más, y ungido por la
fe en la improvisación, el trompetista se instala fugazmente sobre la
orquesta, con las brevedades que dicta la prudencia, pero con el tempo y
el tiempo suficientes como para reinventar un instante a plenitud, para
iluminar con su aliento nuevas formas de la tradición. Y la orquesta de
Fresedo, con su propia luz, brillando a su costado.
Alain Derbez no se queda quieto, y esto habrá que agradecérselo ahora
y pasado mañana. Sólo para cerrar el año y el 13 baktún se fue de gira a
Brasil para tocar a dueto con el guitarrista Manuel Viterbo. Sax
soprano, guitarra y poesía se presentaron en diversos foros de Sao
Paulo, Porto Alegre, Recife y Pelotas, para regresar el 8 de noviembre a
Porto Alegre y presentar el libro El jazz en México. Datos
para esta historia, –en una segunda edición, corregida y aumentada, del
Fondo de Cultura Económica– en la 58 Feria del Libro de esa ciudad, cuna
de Elis Regina.
Con un amplio repertorio, en el que figuraban obras de
Gismonti, Consuelo Velázquez, Herbie Hancock, Miles Davis, Ornette
Coleman, Serrat, Chico Buarque y Álvaro Carrillo, el dueto gustó a los
diferentes públicos brasileños, al punto de que ya existe una nueva
invitación para octubre de 2013, sólo que ahora se regresará con El
Código Postal
(La Jornada, 14/8/12) en formato de cuarteto.
El 13 de diciembre pasado se presentó el libro
El jazz en México
en las instalaciones de Radio Educación (donde Derbez lleva 34 años de
productor y conductor). Los comentarios estuvieron a cargo de
Jazzamoart, quien realizó un dibujo en un ejemplar del libro para
regalarlo a un afortunado y emocionado asistente, y de quien esto
escribe. La gente llenó en su totalidad el espacio reservado para el
acto, estuvo mucho muy receptiva y participativa y al final acaparó al
escritor para que firmara sus ejemplares.
El libro ha crecido en volumen e intensidad. De las 480 páginas de la
primera edición, presentada en la sala Carlos Chávez de la Universidad
Nacional Autónoma de México
(La Jornada, 13/12/01) ha saltado
ahora a 832, con nueva portada de Jazzamoart, nuevas fotografías y
nuevos textos. Alain dice: “¿Qué hay de nuevo? Varias cosas, pero, sobre
todo, la distinta perspectiva que suscita el hecho de revisar un libro,
releerlo una década después a la luz no sólo de ese documento, sino de
otros textos que finalmente están ahí y forman parte de un cuerpo mucho
mayor, más crecido. Ya no son sólo datos recopilados con más o menos
tino. Se siguen planteando las constantes, los haberes –cada vez
mayores– y los deberes. Y algo importante: la pregunta reiterada: ¿cuál
es en México el papel que desempeñan los jazzistas en su entorno
social?”
Jazz
Dave Brubeck
Antonio Malacara
Dave
Brubeck moría la mañana de este 5 de diciembre y la noticia reptaba de
golpe por todos lados. En los circuitos del jazz, todo mundo lo
comentaba, aunque no todo mundo lo lamentaba con la misma intensidad…
Habiendo incluso uno que otro radical al que le vino valiendo sombrilla
la partida del maestro. Y es que el caso Brubeck resulta muy particular
desde diferentes puntos de vista, pero sobre todo desde las diversas
reacciones ante el apabullante éxito de este pianista californiano.
La
gigantesca popularidad alcanzada por Dave Brubeck a mediados del siglo
XX siempre fue vista con recelo por ciertos sectores de jazzófilos. Su
aparición en la portada de la revista Time
(sólo un jazzista –Louis Armstrong– lo había logrado previamente)
empezó a despertar las suspicacias de algunos puristas; y más aún cuando
en 1959 graba el álbum Time Out, en el cual venían incluidas Blue rondo a la turk y Take five
–ésta compuesta por el saxofonista Paul Desmond, fue uno de los mayores
éxitos del Dave Brubeck Quartet y del jazz mismo en su conjunto–
alcanzando la descomunal venta de más de un millón de copias.
Take five
fusionaba a la perfección una línea melódica fresca, danzarina,
pegajosa; un impresionante compás de cinco cuartos (no muy común en
aquel entonces) y un luminoso juego armónico que le daba vida al así
llamado jazz de la Costa Oeste. Esto le gustó a muchos jazzófilos de
tiempo completo, pero abrió también las puertas del jazz a infinidad de
chavalillos, que veían en Brubeck una suerte de gurú que los guiaba por
las nuevas rutas de la síncopa. Otras rolas del cuarteto, como In your own sweet way y The duke,
tuvieron un efecto similar. No obstante, el fundamentalismo jazzero
tachó estas rolas de simplemente bonitas y el fallo fue inapelable.
Aun
así, el maestro Brubeck ha pasado a la historia como una leyenda y un
icono occidental, resaltando también que sus presentaciones se daban
casi exclusivamente en universidades y salas de concierto, a diferencia
de los bares boperos, donde las copas, el humo y los claroscuros eran
parte de la escenografía. En este punto, valdría la pena aclarar que los
Dialogues for Jazz Combo and Symphony Orchestra es una obra de Howard Brubeck, y no de Dave –su hermano– como alguna gente piensa.
Dave
Brubeck visitó siete veces nuestro país para ofrecer una serie de
conciertos, y Pablo Prieto, excelente baterista mexicano, además de
admirador y amigo personal de Brubeck, nos proporciona las fechas
exactas.
Abril
23 y 25 de 1964, en el Palacio de Bellas Artes, con Paul Desmond,
Eugene Wright (contrabajo) y Joe Morello (batería). Mayo 12 de 1967, en
el Auditorio de la Reforma, en Puebla, con su cuarteto y el apoyo de
Salvador Agüero Rabito en las congas y Chamín Correa en la guitarra.
Mayo 13 y 14 de 1967 en el Palacio de Bellas Artes y en el Auditorio
Nacional. Mayo 24 de 1968, en el Auditorio Nacional, con Gerry Mulligan
en el sax. Julio 23 de 1971 en el Palacio de Bellas Artes. Febrero 6 y 8
de 1975, en el Auditorio Nacional, con el espectáculo Two generations of Brubeck,
actuando con sus hijos, además de Jerry Bergonzi (sax), Perry Robinson
(clarinete) y Peter Ruth (armónica). Septiembre 28 y 30, y octubre 2 de
1976, con sus hijos Darius, Danny y Chris, además de Peter Ruth y Paul
Desmond, quien moriría al año siguiente, el 30 de mayo.
Pablo
Prieto ha dado varios conciertos en homenaje a Dave Brubeck. Él nos
comenta: “En 1985 fui a tocar al Festival de Montreal y platicamos.
Desde entonces mantuvimos comunicación. En 2006 le mandé la grabación de
In your own sweet way, de mi disco Body & Soul,
y le gustó de tal manera que envió una nota felicitándonos. Brubeck
marcó mi vida musical y decidí hacerle tributo en vida a finales de
octubre, sin saber que nos sorprendería la fatal noticia. En estos
conciertos están Alejandro Mercado al piano, Jaime Ferrada al contrabajo
y Federico Hultz en el sax alto”. La última fecha del homenaje será el
26 de diciembre en el Centro Cultural España.
Después
del concierto de 1967 en Puebla, la revista de American Airlines
publicó: “Stanley y Helen estuvieron en México el pasado fin de semana
–Stanley como representante de Saturday Review y Helen por Down Beat–
cubriendo el Festival de Música de Puebla. Ellos informan que Dave
Brubeck y su cuarteto estuvieron sensacionales, robando los aplausos de
Dizzy (Gillespie) y (Thelonious) Monk. Los hits discográficos de Brubeck
fueron reconocidos inmediatamente y cada tema recibió una ovación de
pie.
Pero
el estrépito salvaje de aprobación se produjo cuando Dave presentó a
dos jóvenes mexicanos, Salvador Agüero en los bongós y Ben Correa en la
guitarra. Dave califica a Agüero como uno de los percusionistas en
ciernes más finos que jamás haya escuchado.” De este concierto surgió el
álbum Bravo Brubeck.
Salud.
Jazz
Presentación de Sub versión de los hechos
Antonio Malacara
Viendo frustradas las intenciones de presentar el libro Sub versión de los hechos: 200 bandas de jazz
en la Casa de Cultura Azcapotzalco, Jazzamoart Vázquez me propuso
hablar con Matías Carbajal para hacer la presentación en la Fundación
Sebastián. Mi subconsciente y yo le dimos las gracias, le dijimos que sí
y todo lo demás se dio con asombrosa y muy agradecible facilidad.
Jazzamoart y Matías se ven todo el tiempo en el entramado del grupo
Matoys, donde el uno toca los saxos y el otro se hace cargo del piano y
los conceptos, hurgando con regularidad entre la tímbrica prehispánica y
la gramática del jazz. De tal suerte y sensibilidad, que no tuvimos que
justificar nada más ante ellos. Matías nos autorizó la noche del 31 de
agosto para utilizar dos salones en la parte superior de este enorme
inmueble.
El
tráfico habitual en las calles de Patriotismo (la Fundación Sebastián
está en el 304) se multiplica sin tregua cuando a los viernes se les
ocurre caer en quincena; pero aun así logramos llegar 30 minutos antes
de la hora señalada y, vaya sorpresa, ya todo estaba dispuesto: en la
primera sala había una mesa para los libros y otra para el vino;
adentro, 150 sillas se alineaban frente a una mesa y un micrófono; al
lado, un excelente piano eléctrico, consola, bafles, cables,
sensaciones.
A las siete y media en punto la gente empezó a subir,
las sillas se ocuparon casi en su totalidad; en minutos decidimos
eliminar los cordones que reservaban ciertos lugares para dar cabida a
los jazzófilos que seguían llegando, poco después el personal de la
fundación llega con más sillas y las coloca al fondo del salón. Cuando
iniciamos la presentación había gente parada por todos lados (incluso
los espacios de recepción); el camarógrafo de Canal Once hace los
últimos paneos, Miguel de la Cruz observa a lo lejos, una docena de
demorados obstruía el improvisado umbral.
Minutos antes, Sibila de
Villa y Javier Reséndiz habían iniciado la velada con una breve e
intensa cátedra de jazz contemporáneo. Ella en los saxos, él en el
piano, retomaron tres temas de la tradición universal –añeja costumbre
en Sibila–, para jugar a placer desde la improvisación, para filtrarlos
por los inasibles esquemas de la pasión. Las secuencias serpenteaban una
a una desde ¿Por qué?, de Jorge del Moral; desde Les moulins de mon coeur, pieza de Michel Legrand que ha interpretado medio planeta y que Sting llevó a niveles masivos, como The windmills of your mind; para cerrar con una enésima versión del Summertime, de Gershwin, que sonó –por supuesto, es jazz– como estreno.
Vino
después la lectura de un texto que envió Alain Derbez (el lector y
comentarista fue José Fernández, productor y conductor del programa Livejazz, de MVS Radio). Hablamos sobre la redición que acaba de hacer el Fondo de Cultura Económica de El jazz en México. La
gente aplaudía y seguía llegando; ya no cabíamos. Entonces me puse
nervioso, estupenda excusa para pedir otra copa de vino tinto.
Se inició la presentación formal del libro y pasaron al frente Eduardo Soto Millán (compositor, crítico musical de la revista Proceso y, hasta hace muy poco, Coordinador Nacional de Música y Ópera del INBA), Érik Montenegro (quien lleva la batuta de Horizonte, emisión
radiofónica del Instituto Mexicano de la Radio especializada en jazz) y
Salvador Merchand (baterista y líder del grupo Cuarta Menguante,
director de cultura del Sindicato Único de Trabajadores de la Música y
pilar de nuestro jazz desde hace décadas). Todos hablaron bien del libro
y yo apunté que su mayor virtud era que recogía la voz de los músicos,
quienes rara vez hablan sobre su propia obra en el código de las
palabras.
El cierre del acto fue una enorme sorpresa para la
mayoría de los asistentes, pues pasaron a escena dos de los más
importantes exponentes de la música clásica en el país: el guitarrista
Juan Carlos Chacón y la pianista Isolda Enríquez, marido y mujer,
guitarra y piano. Juan Carlos platica que primero fue roquero frustrado,
que después se convirtió en un jazzista frustrado y que esperaba que
después de esa noche no se convirtiera en un guitarrista clásico
frustrado. Reímos, pedimos silencio a los que brindaban en el vestíbulo,
ellos lo hicieron de inmediato y la magia de la academia se extendió
hasta el último rincón.
El dúo se inicia con Prepárense, de
Astor Piazzolla, y la sala entera se estremece; en la fila de atrás
alguien susurra ¡qué agasajo! Ante la ovación, Juan Carlos da la
gracias, anuncia Te vas milonga, de Abel Fleury, e inicia un
diálogo colmado de sutilezas con el piano de Isolda; el dominio absoluto
de la técnica instrumental pasa a segundo plano, ambos músicos vibran
frente a las partituras y el público vibra con ellos, comulgan. Algo muy
parecido a la plenitud se esparce por todos lados. Nadie quiere que se
vayan y el matrimonio regresa con un encore de Malcolm Arnold; se anuncia como Serenata y
la exquisitez vuelve a atrapar a propios e impropios. A medio suspiro,
alguien me pregunta al oído por más libros. Ya no queda uno solo.
Salud.
CLARE FISCHER
Antonio Malacara
La noche
del 26 de enero pasado, dos semanas después de haber sufrido un ataque
cardiaco, falleció Clare Fischer, pianista, tecladista, compositor y
arreglista estadunidense de enorme y fértil carrera, tanto en los
escenarios como en los estudios de grabación. El jazz en general y el latin jazz
en particular conformarían la columna vertebral de su trayectoria
profesional, aunque el maestro, como músico, hurgaría eventualmente en
el funk, el soul y la bossa nova, e incluso como arreglista de figuras
pop como Prince, Paul McCartney, Michael Jackson, Celine Dion y otros
tantos etcéteras. Su panóptico era amplio, por supuesto.
Entre la comunidad jazzística internacional todo mundo sabe que
apenas el año pasado Clare había presentado su quincuagésimo primer
álbum como líder:
Continuum, acompañado de la Clare Fischer Big Band; pero pocos –o casi nadie– saben que su primer disco de jazz, titulado así,
Jazz,
lo grabó en la ciudad de México en 1961, acompañado en el contrabajo de
Víctor Ruiz Pazos, la batería de Salvador Agüero, el trombón de Jesús
Aguirre, las trompetas de Chilo Morán y Nacho Rosales, así como los
saxos de Juan Ravelo, Primitivo Ornelas y Tomás Rodríguez.
La historia nos la cuenta Salvador Agüero Rabito: “Estábamos
tocando con el Cuarteto de Mario Patrón en un hotel de las calles de
Orizaba, a una calle de la Zona Rosa; Clare Fischer vino de luna de miel
a México y se fue a hospedar a ese hotel. Un día, bajando las escaleras
con su esposa, nos oyen tocando en el bar y se meten a tomar una copa, y
cuando terminamos nos invitan a tomar la copa con ellos. ‘Me llamo
Clare Fischer’… nos quedamos viendo… ‘¿y quién será éste?’ ‘¿Me permiten
tocar?’ Mario le dice que sí. ‘¿Cuál pieza?’ ‘Pues ésta.’ Empieza a
tocar y… ¡¡¿¿Qué, qué, qué??!! ¡Aguas!
“Terminamos y le digo: ‘¿Cómo dices que te llamas?’ ‘Clare Fischer’
‘Pero, ¿por qué no te conocemos, si tocas súper?’ ‘Soy el pianista y
arreglista de los Hi-Lo’s’. ‘Ah, ya. Yo tengo ese disco’. Hicimos buena
amistad. Le pedí sus datos, su dirección; se los llevé a José Sabre
Marroquín, y él los contrató para que vinieran a tocar al Casino Royale.
Después, Roberto Morales nos invitó a hacer un concierto en el
Auditorio (Nacional). Ahí tocamos como trío Clare, el Vitillo y yo, y el
quinteto de los Hi Lo’s cantando.
“Entonces le digo a Clare: ‘Oye, ¿no te gustaría grabar un disco
aquí, con nosotros?’ Y me dice: ‘Sí, pero me gustaría hacerlo con más
gente, porque traigo arreglos para una pequeña orquesta’. Fui a hablar
con Mariano Rivera Conde, que era el mero mero de la RCA Víctor, y con
Mario Ruiz Armengol y Rubén Fuentes, que estaban en la dirección
artística. Les digo: ‘Dennos la oportunidad. Siempre estamos grabando
con ustedes, pero ahora déjennos grabar un disco de jazz’. Se pusieron a
ver si tenían fechas y sólo tenían libre un domingo. Y, pues, órale. En
un día lo hicimos.
Vitillo y yo llamamos a toda esta gente para formar un
octeto; los oyó y se dio cuenta de que aquí también teníamos puro cuarto
bat en el jazz. No ensayamos. Todo fue de corridito. Clare nos puso las
partituras; les dimos dos, tres vueltas, y vámonos. Clare quedó muy muy
contento, muy sorprendido. Además era el primer disco de jazz que hacía
con él mismo como líder
.
En el disco –ya descatalogado– hay composiciones del propio Fischer,
pero también contiene temas de George Gershwin, Walter Gross y la
célebre Poinciana, de Buddy Bernier y Nat Simon.
Clare Fischer nació el 22 de octubre de 1928 en Durand, Michigan. En
la primaria ya estudiaba violín y piano, y a los nueve años empezó a
componer piezas clásicas y a hacer arreglos para orquestas de baile. En
preparatoria extendió sus timbres y tomó clases de chelo, clarinete y
saxofón, además de armonía y orquestación. Nomás.
En el plano profesional, después de obtener una maestría en música,
se integró como pianista y arreglista del entonces cuarteto The Hi-Lo’s.
Trabajó también con Donald Byrd, Dizzy Gillespie, Cal Tjader y George
Shearing, hasta que en 1963 consiguió su primer contrato discográfico
(en las cuatro enciclopedias consultadas se menciona Jazz como su primer disco, de 1961, pero no se hace referencia a la anécdota mexicana).
Su carrera solista no le impidió seguir colaborando con maestros como Bud
Shank, Joe Pass, Hubert Laws o Moacir Santos, al tiempo que se
levantaba, junto con Herbie Hancock y Chick Corea, como pionero de los
teclados electrónicos. Pensativa y Morning son sus temas más populares.
Al despistado (léase fundamentalista del avant-garde) que me
neceaba con que Clare Fischer era un jazzista menor, negándose a
considerar siquiera mis argumentos, le dejo un comentario final, pero de
Herbie Hancock: “Clare Fischer fue una de las mayores influencias en
mis conceptos armónicos… Él y Bill Evans y Ravel y Gil Evans. De ahí es
de donde realmente vienen. Casi la totalidad de la armonía que yo manejo
se remonta a una de estas cuatro personas, y a quienes hayan sido sus
propias influencias”. Salud.
Sara Valenzuela entra “en la cocina”
La cantautora vuelve a la escena alternativa con un álbum en el que una “combinación de músicos” pone el sazón.
GUADALAJARA, JALISCO (12/OCT/2011).- Seis
años pasaron para que del horno pudiera salir, listo y en su punto, el
nuevo disco de Sara Valenzuela, En la cocina. “Me tardé un montón, pero
así se dieron las circunstancias”, dice ya con el CD en sus manos. Y
entre estas circunstancias sí que hubo de todo: su hijo Matías llegó al
mundo luego de Lado Este –su primer álbum como solista de 2005-;
encontrar a su productor ideal, Gerry Rosado, significó tres o cuatro
intentos previos con otras personas del medio; y el fallecimiento de su
padre vino a provocar una recapitulación en varios aspectos.
Si
bien algunas ideas y canciones para este nuevo disco estaban listas
anticipadamente, los tratos con diversos sellos discográficos parecían
no acomodarse, pero por fortuna Sara encontró al titular del sello
Intolerancia que se distingue por ser “un productor realmente
comprometido con la escena alternativa y que está fuera de lo que es el
mainstream”. Entonces comenzó un periplo que tardó años y que pasó por
una diversidad de procesos, tal y como lo hacen los grandes platillos de
la cocina.
— Se dice que las cosas a fuego lento salen mejor.
—
Sí. Un proceso tan largo nos dio tiempo de que se incluyeran canciones
previas –que ya tenía después de Lado Este- e incluso una que se hizo
tres meses antes de terminarlo. Y otra cosa buena fue que por
coincidencias y cuestiones azarosas, se aprovecharon visitas como la de
DJ Logic que se echó una rola (Peces en mi boca), y otros más que si los
quieres hacer en un periodo concentrado de tiempo es más difícil.
— ¿Esto te permite mejorar y perfeccionar, más sal, menos pimienta?
—
Sí, eso fue también muy interesante porque podías descansar las
canciones. Hubo unas que a los tres meses de grabadas me daba cuenta que
no iban por ahí, entonces movías la batería u otra cosa y eso nos
permitió hacer otros tratamientos.
— ¿Pero también tendrá sus momentos de enfado?
—
Sí. Para el próximo disco me gustaría tener un tiempo más concentrado
de producción porque también te dispersas y me pasaba que ya no sabía si
tal canción la quería en el disco o no. Pero una vez que estuvo todo
producido, Gerry le dio una coherencia a todo, otro ángulo. Y así fue,
lento pero muy afortunado por toda esta serie de colaboraciones que se
pudieron hacer.
— ¿Quiénes participan contigo en el disco?
—
Hay gente que admiro muchísimo y estoy encantada de que hayan
colaborado. Algunos grabaron más que otros, hay quienes nada más
hicieron una cosita, como por ejemplo Daniel Zlotnik, que es el
saxofonista de Los Dorados: grabó clarinete en una canción nada más pero
sabíamos que eso le iba a dar el carácter que buscábamos para En la
cocina. O Hernán Hecht, que es un baterista increíble, está en una
canción (Vida en tus ojos) en la que necesitábamos alguien como él. O
Frankie Mares, el baterista de Troker, en realidad las bases del disco
fueron hechas por él. También está Hans Glawishnig, un bajista
austriaco-americano que ha tocado con Chick Corea y dijo ‘va’, llegó,
hicimos una toma de cada canción con él y grabó cuatro. Después está Jay
Rodríguez que es un saxofonista de Groove Collective y buen cuate. Él
estuvo en el disco pasado y ahora se aventó un arreglo de metales en
Otro lugar que estuvo increíble.
— ¿Cómo le haces para conseguir a esas personalidades?
—
Es gente que he ido conociendo a lo largo de varios años, un poco a
través del programa Sólo Jazz (Radio Universidad de Guadalajara), o de
Tónica (seminario y ciclo musical), y ha sido padre saber que esas
relaciones de trabajo se convierten en amistades y que puedes llevarte
la fortuna de tenerlos, como Alonso Arreola y Alex Otaola que, en
términos de cocina, son como las diferentes sazones o ingredientes de
cada canción.
— Entonces ¿cuál es en sí la sazón de “En la cocina”?
—
La idea era mantenerlo todo muy orgánico, por eso hay canciones muy
básicas que nada más tienen guitarra, batería, voz y un poquito de
teclados y bajo, como una formación roquera pero muy simple. También hay
canciones más elaboradas, hay una más electrónica y hay varias que son
muy acústicas, con instrumentaciones que a lo mejor yo no había
explorado antes, por ejemplo hay una con banjo y contra bajo, poquito de
batería, voz y ya; hay otra que tiene ukulele –guitarra de cuatro
cuerdas- con contrabajo y guitarra resofónica; hay otra con clarinete y
contrabajo que también suena distinto.
Es muy diferente el
carácter pero me gustó mucho cómo fuimos dándole diferentes colores a
las canciones. Además me fue importante hablar de cosas que para mí son
difíciles porque además es un disco en el que en su proceso viví
situaciones muy fuertes de índoles diversas, por lo que de este disco lo
que podría resumir es que a fuerza de los golpes te das cuenta que lo
importante es aprender a dejar atrás las cosas que ya no te sirven, las
que ya no te están haciendo bien, y aprender a estar en el momento.
— ¿Cuál o cuáles son las que más reflejan esas vivencias?
—
Hay una que se llama Suerte y para mí es una canción de pérdida. Habla
del momento de la muerte de mi padre, pero cuando la hice salió una
canción de pérdida pero de alegría por la suerte de haber podido conocer
a alguien así y haber podido tener un papá así. Y la gente que la oye
ha sentido una mezcla de tristeza pero de cierta esperanza y, bueno, por
ahí va. La idea también es que tenga esas otras lecturas. También hay
una canción de cuando estuve embarazada, Peces en mi boca, que es toda
la cuestión que en su momento me provocó el darme cuenta de que adentro
había algo vivo desarrollándose y todo lo que implica.
De las más
nuevas hay una que se llama Cereza, la del ukulele, y salió de unas
vacaciones en Buenos Aires. Es una canción muy del momento en que te
rindes de esa lucha de querer controlar todo y saber que no puedes, que
mañana va a pasar lo que va a pasar, y es un poco naif pero en el fondo
para mí habla de eso.
— Y luego de todo eso, ¿por qué “En la cocina”?
—
Justo cuando empezamos a grabar el disco, mi papá muere y él era un fan
de la cocina. Tuvo un restaurante y le encantaba ser chef, era alguien a
quien le gustaba probar cosas y siento que la música es un poco
parecida a la cocina, en el sentido de que los tiempos no los puedes
apurar. Yo quería que este disco saliera del horno cuando aún no estaba y
me di cuenta que lo tenía que soltar porque es como no poder hacer un
pastel en cinco minutos ni el pavo en media hora. Pero cuando haces un
platillo en los tiempos requeridos, vale la pena.
Fue pensarlo
así y también en la mezcla de ingredientes, que fue lo que pasó con el
disco: hay un montón de especias regadas. Aparte siento que las cocinas
son, de la casa, el lugar donde acabas platicando las cosas más
importantes o triviales, pero siempre nos agrupamos en la cocina. Es un
lugar donde igual te sientas a platicar de algo banal pero también es un
confesionario en el que salen unas cosas que necesitas un café para
entenderlas. Por eso la canción En la cocina, que para mí representa
todo eso.
Ana Guerrerosantos
PARA SABER
Arma agenda de primera
Sara Valenzuela iniciará las giras promocionales de este nuevo disco en
breve. Cuenta que el material ya ha sido invitado a participar en el
Festival Vive Latino y que los conciertos están por empezar. “Hay que
tocarlo”, acota con una gran sonrisa.
Daniel López Infanzón
Antonio Malacara
En la mayoría de los
casos, y desde que la música empezó a ofertarse en cintas y discos de
todo tipo, los instrumentistas inician este andar con una serie de
discretas grabaciones que poco a poco van creciendo y evolucionando
hacia el perfeccionamiento técnico y la consolidación de sus conceptos
(proceso que en los terrenos del jazz, por fortuna, nunca se da por
concluido).
Luego entonces, si la mayoría de los músicos se la lleva pianpianito, cuando te enfrentas a discos como
8 momentos, 8 fotografías, álbum debut de Daniel López Infanzón, la emoción vuelve a reventar en tu cabeza: el
beat del
corazón se acelera, las vísceras inferiores se alborotan y las heroicas
neuronas que aún sobreviven vuelven a documentar, necias, el optimismo
por la música de estas tierras y por los chavales que la reinventan y la
redefinen, apoyados siempre en las pautas de ayer y de antes de antier.
Daniel es un estupendo pianista, de lo mejor que ha surgido en mucho
tiempo; girando apenas en los 32 años, ha logrado ya una técnica y una
solidez de pulso realmente impresionantes. Y más. El joven maestro es
más que un ejecutante de excepción; basta una primera ojeada a este
disco, donde todos los temas son de su cosecha, para acercarnos un poco a
sus recursos narrativos, a la fuerza expresiva de sus composiciones.
Al parecer, es de familia. Daniel es sobrino del maestro Héctor
Infanzón, con quien empezó a tomar clases cuando recién llegaba a los
ocho años de edad. De hecho, nació en medio de la música, en una familia
donde todo mundo toca algún instrumento, ya por afición, ya
profesionalmente, desde el octogenario patriarca del lado materno, don
Carlos Infanzón (tresero y ex vocalista del grupo Sensación Caney) hasta
el último de los nietos… aunque los primos han preferido dedicarse al
rock y sus anexos, en grupos como Contenido Neto. La familia en pleno se
reúne cada fin de semana para comer y compartir la vida y la música.
En
8 momentos, 8fotografías podemos encontrar
amplios, magníficos, alegatos alrededor del jazz latino (Latinoamérica,
no Lacio), con pequeñas dosis de rock progresivo y generosas porciones
de música de las Huastecas y las Antillas. Daniel logra un sonido tan
riguroso como espontáneo que se extiende a todo lo largo del teclado, y
si a esto agregamos el poder instrumental del sexteto: Jako González
(saxos y ewi –electric wind instrument–), Aleph Castañeda (contrabajo),
Paco Godoy (batería), Leo Corona (percusiones) e Ismael Barrientos (un
bajo eléctrico ocasional), el disco se convierte en pieza fundamental
para entender y degustar el jazz mexicano del siglo XXI.
Si esto sucedió en un primer disco, ¿qué podemos esperar de los que ya están en camino?
Cualquier tema musical en cualquier género es la fotografía (la
fonografía) de un momento, y este disco en sí mismo, sin más, bien
podría servir para armar una exposición itinerante dentro y fuera de las
fronteras… claro, si hubiera alguien que se decidiera a invertir su
tiempo en menesteres tan poco redituable$.
Regio Jazz
El movimiento jazzístico en Monterrey está en plena
efervescencia. Los músicos se multiplican por decenas (¿centenas?), y
aunque resaltan los nombres de saxofonistas como Arturo Ávila y Luis
Ignacio Rosales, pianistas como Juan Carlos García El Pingüi,
Israel Zacarías y Fernando Dávila, bateristas como Roger Nuncio y Milo
Tamez, percusionistas como Mike Tovar, contrabajistas como Hernán
González o guitarristas como Óscar Zensei González, Omar Tamez, Cuquín
Carmona y Francisco Lelo de Larrea (este último, de lo mejor en nuestra
historia, radica ahora en el Distrito Federal), la escena se nutre día
con día arrojando propuestas de diferentes embocaduras.
En 2010, Luis Ignacio Rosales se dio a la tarea de recopilar y editar
las partituras de 138 composiciones de jazz regiomontano, y con el
título de
Regio jazz, este libro sin precedente vio la luz el
año pasado, incluyendo un cedé con archivos gráficos de la totalidad de
las rolas en su versión Eb, Bb y clave de Fa.
Si algún músico o alguna fonoteca se interesa en el volumen, puede contactar a Luis Ignacio en el correo
luis_ignacio_rosales@hotmail.com Salud.
Realizará Adrián Oropeza Trío gira por Corea y Filipinas
México, 13 Ene. (Notimex).- En el interés de llevar su música a otras
latitudes y continuar en la fusión de otros géneros con el jazz, el
baterista Adrián Oropeza informó que en febrero viajará con su trío a
ciudades como Seúl, Corea, y Manila, Filipinas, donde ofrecerá su
propuesta musical, incluido su más reciente disco, "Mezcal".
En entrevista telefónica con Notimex, el músico mencionó que en la
gira de su trío, completado por la pianista Dulce Resillas y el
contrabajista Sabino Paz, ofrecerán dos conciertos en Seúl, el 19 y de
20 del mes entrante, y participarán en el Festival Internacional de Jazz
de Filipinas, del día 21 al 27, que incluye impartir una clase
magistral a estudiantes de música.
"Para mí esto es muy importante, porque es la primera vez que me
presentaré con mi proyecto, aunque en 2007 viajé a Dinamarca y Austria,
pero con un grupo de Bolivia, ahora salgo con mi propio trabajo y es una
ilusión de toda mi vida", aseguró el baterista.
Destacó que el programa musical que llevará a Asia será de calidad e
incluirá piezas de su más reciente disco, "Mezcal", del cual se
desprenden piezas como "Serenata sin Luna" y "La cigarra", a las que
calificó como ciento por ciento tradicionales del país.
"Es muy trascendente llevar la música mexicana en el mundo, en este
caso, por ejemplo, en un festival jazzístico en Manila, que albergará a
cientos de artistas que van a participar", señaló Oropeza.
Respecto al jazz, el baterista mexicano destacó que este género
permite abarcar muchos estilos, culturas y maneras de expresarse a
través de la música, porque los temas son una excusa para la
improvisación y decir lo que los músicos sienten.
"Es un género noble, pero que requiere de mucho esfuerzo y dedicación, y cada vez que lo tocamos suena distinto", expresó.
Sobre los proyectos que tiene el trío después de la gira, comentó que
sigue uno con el flautista mexicano Horacio Franco, para la grabación
de un disco, y continuar este año con la promoción de su disco "Mezcal".
Adrián Oropeza es licenciado en Jazz por la Escuela Superior de
Música del Instituto Nacional de Bellas Artes); incursionó en la música
de la mano de importantes bateristas, como Álvaro López, Hernán Hecht,
Antonio Sánchez, Joe Porcaro y Ralph Humpries.
A su decir, estos músicos le aportaron el estilo y la técnica que
domina en ese instrumento, no solo en el jazz sino en otros géneros
musicales.
Inspirado por la tradición musical de su familia, su abuelo es el
reconocido pianista Carlos Oropeza y su padre, Adrián Oropeza, es
director de coros y de teatro musical, inició su trayectoria en la
música en diversos puestas en escena musicales.
Como "La bella y la bestia", "Rent", "El hombre de la Mancha" y "Full Monty", con cuyo montaje hizo una gira nacional.
Con el interés de demostrar que la música mexicana también tiene
grandes posibilidades de fusionarse, en especial con el jazz, Adrián
Oropeza grabó en 2008 el álbum como solista "Texturas", y en 2010 el
disco "Mezcal", ambos con el apoyo del Fondo Nacional para la Cultura y
las Artes, al obtener la beca del Programa de Fomento a Proyectos y
Coinversiones Culturales.
Jazz
Sam Rivers 1923-2011
Antonio Malacara
Ya apuntaba Edmundo que la muerte tiene permiso. Hace apenas dos semanas hablábamos de las muy lamentables partidas de Bob Brookmeyer (La Jornada 20/12/11) y de Paul Motian, Russell García y Hubert Sumlin (La Jornada 21/12/11). Cinco días después, el 26 de diciembre, falleció Sam Rivers, una de las últimas leyendas del jazz.
Rivers es uno de los músicos con mayor influencia en el devenir del jazz mundial, pues aunque ni su perfil ni sus saxofones alcanzaron –ni pretendieron alcanzar nunca– los estándares de superstar como, digamos, Coleman Hawkins, Lester Young, Sonny Rollins o John Coltrane, su presencia, su sonido, sus composiciones, su longevidad y su inaudita energía marcaron toda una época.
Los historiadores lo ubican como un puente entre el bebop y el free jazz, aunque Sam se desplazaba inevitablemente más allá de cualquier género o etiqueta… probablemente sólo comprometido con las rutas no trazadas de la vanguardia y, por supuesto, con la cultura del riesgo.
Samuel Carthorne Rivers nació el 25 de septiembre de 1923 en El Reno, Oklahoma. Sus padres, una profesora de música y un cantante de góspel, lo motivaron siempre para que estudiara piano y violín; sin embargo, cuando el chaval descubrió la música de Coleman Hawkins, decidió centrarse y concentrarse en el estudio del saxofón, adoptando los registros del soprano y el tenor como sus principales herramientas, aunque con el tiempo también bien supo expresarse a través de los alientos de la flauta, el clarinete bajo y la armónica, además de las cuerdas del piano y el violín.
Se inició profesionalmente en los años 50 con la
big band de Herb Pomeroy (en la que también debutó Quincy Jones). Poco después emprendió giras con Billie Holiday, B.B. King, T-Bone Walker y Wilson Pickett, hasta que la magia subversiva de Cecil Taylor y Miles Davis le cambiaron la vida.
Con un poco de suerte –si los derechos de autor no la han retirado–, en la nube de YouTube puede encontrar una monumental versión de
So What, con Miles Davis dirigiendo desde la trompeta, Sam Rivers alucinando en el sax y otras tres celebridades complementando el viaje: Herbie Hancock, Ron Carter y Tony Williams. Si esto ya no está en Internet (alguna vez lo estuvo), puede acceder a esta belleza comprando el disco
Miles in Tokyo (Quirarte me dice que hace poco lo vio en Gandhi).
Sam Rivers abandonó casi inmediatamente el quinteto de Davis (fue remplazado por Wayne Shorter) y en esa misma época comenzó una enorme e inagotable carrera como líder de sus propios proyectos, grabando así una treintena de discos, de
Fuchsia Swing Song (1964) a Triology (2011), pero igual haciendo innovadoras mancuernas en discos de Bobby Hutcherson, Cecil Taylor, Larry Young, Dave Holland, Tony Williams y muchos otros etcéteras.
Los últimos años de su vida, en Orlando, Florida, los invirtió tocando a trío con Doug Matthews en el contrabajo y Rion Smith en la batería, o bien, dirigiendo una big band con estudiantes y maestros de música de esa península, la famosa Rivbea Orchestra.
Al informar sobre su muerte, periódicos de todo el mundo reprodujeron una declaración que hizo el maestro apenas el año pasado a Jeff Tamarkin, del Jazz Times: No sé cómo explicarlo, pero a mis 87 años tengo más poder musical que cuando tenía 21. Lo que hago todo el día es escribir y ensayar. Es lo más cerca que puedo estar del paraíso, aunque no soy creyente. No existe algo así como el retiro. ¿Retiro? ¿Qué es eso? ¿Quién se retira?
Víctor Mendoza al Mediterráneo
El vibrafonista mexicano Víctor Mendoza, maestro de la Berklee School of Music desde hace años, acaba de ser nombrado director de Masters en Performance para la sede que va a abrir esa institución en Valencia, España. Víctor platica al respecto: “En este programa estoy incluyendo a artistas mexicanos importantes, como Antonio Sánchez y Abraham Laboriel, como parte de los maestros invitados para presentar máster clases y conferencias.
“El proyecto empieza en enero con un grupo de estudiantes de Berklee que va a atender las primeras sesiones del Mediterranean Music Institute, esto lo comparto con Javier Limón, quien es director artístico. Te sonará su nombre ya que ha ganado siete Grammys, entre ellos el de Lágrimas negras. Yo llevo la parte académica y artística también. Artistas como Marissa (cantante portuguesa de fado), Avishai Cohen (jazzista israelí) y Paco de Lucía serán otros de los tantos nombres que nos acompañarán a presentar máster clases y conciertos con nuestros estudiantes. Pero ya han aceptado también estar con nosotros artistas como Marcus Miller, Joe Lovano, Danilo Pérez, Claudio Roditi y muchos más. Vamos por la excelencia musical.”
Salud.
Cambian de fecha el Heineken Jazz Fest
14 de diciembre de 2011
El clima inestable que se presenta en la Isla en los meses de mayo y junio provocaron que los organizadores del Heineken Jazz Fest movieran su edición de 2012 para los días 29 de marzo hasta el 1 de abril
La decisión de cambiar la fecha del Puerto Rico Heineken JazzFest sucede tras evaluar la incertidumbre que provocaba el mal tiempo en la Isla para los meses de mayo y junio, meses en que tradicionalmente hemos celebrado el evento. Nos entusiasma la nueva fecha que entendemos liberará de la inestabilidad de nuestro clima durante esos meses al público, a los artistas y al equipo de producción”, expresó Luis Álvarez, productor del Puerto Rico Heineken JazzFest.
En el 2012 el evento se llevará a cabo en el Anfiteatro Tito Puente y será dedicado al bajista mexicano Abraham Laboriel, quien ha participado en más de cuatro mil grabaciones y bandas sonoras.
“Además de ser un virtuoso bajista y músico, Abraham es amigo fiel del JazzFest desde la primera edición del Puerto Rico Heineken JazzFest en el 1991. Su presencia en nuestra tarima en el 1991 y 1994 con Alex Acuña, Justo Almario y Ricardo Silveria, y la más reciente en 2009 con el brasilero Oscar Castro-Neves siempre han sido del agrado del público. Por su trayectoria y compromiso con el Festival, él se merece esta distinción”, señaló Álvarez.
Laboriel se mostró muy emocionado con la distinción.
“Me siento profundamente orgulloso de ser partícipe del privilegio y tremendo honor de ser invitado, y que el Festival sea dedicado a mi persona. El Puerto Rico Heineken JazzFest tiene un lugar especial en mi corazón y en mi memoria por lo dedicados y respetuosos que son las personas que lo organizan hacia el público y los músicos, que siempre logran que uno se sienta como en casa. Definitivamente es uno de los grandes festivales del mundo y un ejemplo de cómo deben hacerse eventos de este tipo,” señaló Laborie.
Entretanto, por segundo año consecutivo se llevará a cabo una convocatoria para el diseño del cartel del Puerto Rico Heineken JazzFest, pieza integral en la tradición del Festival. Los detalles de la convocatoria se darán a conocer la próxima semana siguiendo el mismo proceso de evaluación que en la pasada edición.
Para más información sobre el festival, el público puede acceder a www.prheinekenjazz.com.
UN NUEVO GAUGUIN
Antonio Malacara/La Jornada
En estos tiempos tan ciertos, Miguel Ángel Villanueva es uno de los flautistas más activos, pro- positivos y requeridos del país. Sólo en noviembre se presentó con la pianista canadiense Vanessa May-lok Lee en el festival El Arte de lo Intangible, ofreció dos conciertos para flauta de Eugenio Toussaint en el Palacio de Bellas Artes y en el Conservatorio Nacional de Música e inició una gira por Argelia (el miércoles 23) que muy probablemente se extenderá hasta diciembre contemplando presentaciones con la orquesta filarmónica de aquel país.
El año pasado, después de asegurarnos su asistencia a una de las presentaciones del libro
Eugenio Toussaint. Las tangentes el jazz y la academia, Villanueva aparecía en la portada de la revista
Flute Talk, la más leída a nivel mundial en la especialidad de flauta transversa, editada por la National Flute Association de Estados Unidos. Para sumergirse a plenitud en todos estos menesteres, habría que remitirse a los conceptos y las líneas de Juan Arturo Brennan, columnista de
La Jornada.
Nosotros (mi sub y yo) queremos concretarnos a hablar del noveno disco de Miguel Ángel Villanueva,
Repensando Gauguin, y más concretamente todavía a una de las tres obras incluidas en este compacto, pues a pesar del hierático y conmovedor
Concierto para flauta y orquesta de Horacio Uribe (1970), y del poderío del Concierto para flauta y cuerdas del propio Toussaint (1954-2011), es la nueva versión de Gauguin la que más ha llamado nuestra rudimentaria atención.
De entre las tres consabidas compuertas por las que nos asomamos a la realidad: la intelectual (cerebro), la sentimental (corazón) y la visceral (triperío), ha sido la voluntad cardiaca la que mejor se ha conectado desde hace años con Gauguin. Este concierto, estrenado en 1992 con la muy particular dotación de corno inglés, arpa y cuerdas, tenía una versión guardada por el propio compositor, donde la flauta sustituía al corno. Ésta ha sido rescatada 20 años después por Villanueva, amigo personal de Eugenio, para grabarla con Janet Paulus (arpista neoyorkina radicada en México) y con el Ensamble Orquestal Ars Moderna.
Surgido de las catacumbas espirales del jazz, Eugenio Toussaint construía sus quehaceres académicos con una caligrafía impregnada de diálogos y Gauguin, por supuesto, no es la excepción. Y aunque formalmente la obra está escrita en un solo movimiento, éste (el movimiento único) contiene cuatro pasajes perfectamente definidos.
En el primero, el arpa se asoma con cautela, entre vapores, en un amplio y reflexivo recorrido por las banquetas de Arlés, de Bretaña y de París (no forzosamente en ese orden); había que salir de ahí. La lámina europea empalma entonces –con la entrada de flauta y cuerdas y sin disolvencia alguna– frente a las costas tahitianas. La música se hace totalmente visual, las escenas son realmente cinematográficas… cada cual delinea el paisaje desde su propio océano, en sus muy particulares arenas, aunque nunca te hayas acercado siquiera a la Polinesia francesa. El aire te pega de frente. Es el segundo pasaje.
Cuerdas, arpa y flauta se funden en el impresionismo tardío de pintor francés –que los conocedores dicen se llama sintetismo– y los vivísimos colores son ahora los protagonistas. Sin renunciar a la intensidad, el lirismo innato del compositor mexicano regresa a plenitud y contrasta y dialoga con los calculados devaneos del arpa, mientras la flauta revolotea y sonríe sin mucha discreción desde las alturas. Los diálogos y los contrastes van y vienen.
Al final, lentísimas, en la delicadeza de un bajorrelieve, las imágenes y el temperamento se desvanecen en el centro de las Islas Marquesas. Nos damos cuenta que tenemos la boca entreabierta… No dejamos que el disco continúe, volvemos a poner el primer track. Regresamos a Gauguin.
Confirman dos países para concurso de jóvenes jazzistas en Cuba
Conferencia de prensa sobre Jojazz 2011. Foto: Rafael de la Osa / CUBARTE
La Habana, (PL) Músicos de Alemania y México participarán en la XIV edición del Concurso Internacional de Jóvenes Jazzistas, Jojazz 2011, previsto aquí del 24 al 27 de este mes, informó recientemente la vicepresidenta del Instituto Cubano de la Música (ICM), Gloria Ochoa.
La jazz band de la Escuela Juvenil de Música de Hamburgo, invitada por primera vez al certamen, competirá en la categoría de interpretación, expresó.
Por su parte, el joven mexicano Marcos Aurelio Sánchez, con su trombón, concursará en composición e interpretación.
Según la promotora del Centro Nacional de Música Popular (Cnmp), Lucía Ormaza, 26 concursantes, entre nacionales y extranjeros, se presentarán en el encuentro, dedicado este año a los grandes maestros del jazz.
El evento celebrará la noche del 24 de noviembre en el capitalino teatro Mella la gala inaugural, en la que participarán los Premios Jojazz Ernesto Camilo Vega, Michel Herrera y Alejandro Falcón, entre otros, anunció Ochoa.
También, al día siguiente, tendrá lugar el taller sobre el surgimiento del movimiento jazzístico en Cuba y la mezcla de diferentes ritmos cubanos, al cual está invitado el percusionista cubano José Luis Quintana Fuentes (Changuito), informó.
Auspiciado por el Instituto Cubano de la Música y su Cnmp, el concurso de jóvenes jazzista, de carácter internacional, incentiva a los participantes a incursionar no sólo en los estilos tradicionales de Jazz, sino en la búsqueda de un estilo de creación propia.
El alto nivel profesional de esa cita la ubica como la única de su tipo en América Latina y el Caribe, según apuntó el maestro Jorge Reyes.
Jojazz surgió en 1998 como un festival, dedicado en lo fundamental, para que los estudiantes de las escuelas de arte, de nivel medio y superior de Cuba, tuvieran un espacio donde mostrar su indiscutible talento, consideran los organizadores.
A lo largo de su historia, resaltan, ha reunido a intérpretes y personalidades de la música de países como Canadá, Italia, Colombia, Trinidad Tobago, y Estados Unidos, entre otros, interesados en intercambiar música y conocimientos teóricos.
CUENTOS Y FÁBULAS
Ricardo Jacob
MÉXICO, D.F. (Proceso).- A un año de su formación y con un sonido netamente progresivo, con tintes de free jazz, el cuarteto mexicano Luz de Riada, integrado por Ramsés Luna (exCabezas de Cera) en los alientos, Hugo Santos en el Chapman Stick, el guitarrista Alejandro Vergara y Hugo Hernández Chipa en la batería, presenta su primer álbum Cuentos y Fábulas.
Con 15 piezas en su mayoría instrumentales, divididas en ambos temas genéricos, el disco fue pensado por la banda como un libro. Cuenta para Proceso Hugo Santos:
“La idea del libro se nos ocurrió para darle más peso al disco como arte/objeto, ya que consideramos que así se tomaría más en cuenta la complejidad de llevar a cabo una producción, con un diseño enfocado a respaldar la totalidad del ‘arte’ y buscando con ello llamar la atención hacia todos lo procesos creativos que intervienen en la elaboración de una obra y no solamente a una pequeña porción.”
Ramsés Luna complementa:
“Es la recreación de un libro con un contenido sonoro que ilustrará situaciones personales, que reflejará la postura ideológica de cada uno de los integrantes enmarcados en ocho cuentos y siete fábulas.
“Lo que diferencia a los cuentos de las fábulas es que los cuentos son las historias largas en donde se escucha al cuarteto sonando en composiciones estructuradas bien definidas. En las fábulas ocurre todo lo contrario, pues son improvisaciones libres en historias cortas relatadas a dueto con músicos invitados.”
Sin caer en virtuosismos innecesarios, pero con dominio pleno de los instrumentos, los integrantes de Luz de Riada permiten que Cuentos y Fábulas fluya y atrape, pese a su fuerte carga de sincopas y compases irregulares, así como del bombardeo de notas en algunos momentos suavizados por los tintes jazzísticos de los saxofones y demás alientos interpretados por Luna.
Este disco puede ser catalogado dentro del rock progresivo sin temor a equivocaciones, sus texturas y composiciones así podrían dictarlo. Aun así el grupo no lo pretende de esa manera. Comenta Santos:
“El rock progresivo en México está estancado en las necesidades insatisfechas de una pequeña cuadrilla de ‘conocedores’ que, en una cultura como la nuestra, no deja de ser marginal y fuera de contexto, pues no propone nada nuevo e intenta copiar formas estéticas de ruptura que han funcionado en otros países y otras épocas que, al ser trasladadas sin miramientos a una realidad como la nuestra, da como resultado un movimiento de búsqueda caricaturizado, sin el respaldo de un concepto que corresponda al aquí y al ahora…”
“Somos otra generación –agrega Luna– y portavoz de otro tiempo, pensando en esto la música la hemos abordado con total libertad sin atarnos a la idea que tiene que sonar de una u otra forma. Estamos en tiempos del mestizaje en plenitud, en donde el resultado sonoro proviene de toda la música que uno pueda absorber.”
NUEVO DISCO DE ADRIÁN ESCAMILLA
Saludos a todos de parte de Adrián Escamilla les escribo para invitarlos a la presentación de mi nuevo disco "Temudgin" el proximo 18 de Noviembre en el Convite, Ajusco 79 Bis en la colonia portales ; Delegación: Benito Juarez al sur del Distrito Federal. La cita es a las 20:30 hrs. En este disco grabaron Agustin Bernal, Nicolás Santella, Juan Ale Saenz, Adrián Escamilla y como invitada especial Susanne Alt en el saxofón. La presentación del disco no es con la misma alineación debido a compromisos de algunos músicos pero tenemos el honor de contar con el increible baterista Gabriel Puentes y el estupendo saxofonista Enrique Rios, asi como Nico Santella en el piano y Agustin Bernal en el contrabajo que ya son muy conocidos por todos.
Por otro lado les quiero comentar que a finales de Diciembre vamos a reinaugurar "Pizza Jazz Cafe" que ahora vamos a tener un pequeño pero muy calido espacio en donde podremos presentar proyectos principalmente de jazz y claro continuará la venta de discos de jazz nacional, libros y peliculas. Este nuevo espacio para el jazz se ubica en municipio libre # 46 col.portales. Les aviso cuando hagamos la inauguración.
Un abrazo para todos.
El concepto de Big Band no se refiere precisamente a un monstruo de agrupación sobre el escenario –en poder escénico, número de integrantes o virtuosismo- sino a un amplio grupo de músicos que tocan música principalmente de jazz, es decir, una orquesta de jazz. En Aguascalientes uno de los principales referentes de esta categoría es la Big Band Jazz de Aguascalientes, que fuera de lo obvio de su nombre, ofrece una ejecución enérgica como la que pudieron visitar los visitantes a Isla San Marcos durante su más reciente recital en el Festival de Calaveras el pasado jueves 3 de noviembre dentro de la oferta artística coordinada por el Instituto Cultural de Aguascalientes (ICA).
Bajo la dirección de Fernando Olmos, la Big es formada por algunos maestros del Instituto Musical de Aguascalientes, muchos de ellos veteranos que tocan en otras bandas ya conocidas para los asiduos a los foros del ICA (como Eros Quinteto) o bien en conjuntos versátiles, donde el ser habilidoso en el instrumento es requerido dado la cantidad de géneros musicales a tocar. Y ese virtuosismo es el que transmite la Big en cada una de sus más frecuentes presentaciones en el estado, con enfásis en los metales (como los sax, trombones y trompetas), la percusión y en ese delicado aspecto vocal femenino, que es encarnado por Lili y Linda Olmos.
Con marco en el macabro escenario generado en la Isla San Marcos a causa de las fiestas por los santos difuntos, la Big Band Jazz presentó un repertorio en tributo a los compositores del Jazz Latino, mismo que se diferencia un tanto del americano por la calidez propia de los compositores latinoamericanos, como es usual en los espectáculos del Festival de Calaveras, la afluencia de personas presentes fue aceptable a pesar de lo complicado que resulta llegar hasta la locación.
Jazzistas de EE.UU. usan música para acercarse a jóvenes de reformatorio mexicano
México, 25 oct (EFE).- Unos 300 adolescentes de entre 14 y 18 años en espera de una sentencia en un reformatorio de Ciudad de México recibieron hoy la visita de una banda de jazz de EE.UU. que propone crear vínculos con los menores infractores a través de la música.
La Comunidad de Diagnóstico Integral para Adolescentes (CDIA) acoge a los jóvenes en conflicto con la ley para ofrecerles una atención integral que fortalezca o reinicié su educación y les ayude a desarrollarse en actividades comunitarias laborales, deportivas, psicológicas y sociales.
Como parte de los programas para brindar a los menores una experiencia de vida positiva, el llamado Ensamble ACJW, formado por nueve músicos estadounidenses, convivió y ofreció un concierto a los jóvenes.
El Ensamble ACJW forma parte del proyecto de The Academy, que organiza y sostiene, entre otras instituciones, el prestigioso salón de conciertos The Carnegie Hall, de Nueva York, y busca fomentar en los músicos la capacidad de colaborar en diferentes comunidades.
Tras compartir experiencias y conversación con los jóvenes, los músicos ofrecieron un concierto interactivo con la presencia de 90 de los internos del centro, así como 21 chicas invitadas de otra comunidad de menores, ellas sí con sentencia en firme.
El evento contó también con la presencia del embajador de EE.UU. en México, Earl Anthony Wayne.
La dirección del centro indicó que los jóvenes están detenidos por diversos delitos, la mayoría por robo, pero también existen casos de homicidio, delitos sexuales y contra la salud.
Sus casos duran en promedio unos cuatro meses hasta que se les dicte sentencia, aunque algunos se prolongan hasta un año por apelaciones y solicitudes de amparo.
El portavoz del centro, Francisco Trujillo, dijo que de los 300 "más o menos unos 250 serán declarados culpables pero recibirán un tratamiento en libertad en colaboración con sus familias, 40 serán internados en otros centros y unos 10 saldrán inocentes".
La Dirección General de Tratamiento de Adolescentes cuenta con seis centros en Ciudad de México y trabaja con un total de 5.400 menores, de los que más de 800 están internos y el resto recibe un tratamiento externo.
La directora del CDIA, Cynthia Rosas, dijo que el objetivo es que el adolescente recupere el equilibrio que necesita para su edad.
Explicó que los internos estudian primaria, secundaria o preparatoria (bachillerato), hacen deporte, aprenden panadería o carpintería y acuden a psicoterapia individual y en grupo para afianzar su estado anímico.
"Los jóvenes llegan hiperviolentos, de repente se encuentran privados de su libertad y con el trauma de tener un proceso encima, eso les genera un impacto emocional", explicó Rosas.
Además, indicó que se realizan "asambleas semanales donde los jóvenes aprenden a solucionar sus conflictos hablando".
La subsecretaria del Sistema Penitenciario, Celina Oseguera, explicó que el programa cuenta ya con tres años de existencia en los que se ha dejado atrás el antiguo concepto de tutelaje de menores para ofrecer un enfoque de mayor compromiso social y apoyo familiar.
Uno de los músicos, el trompetista Nathan Botts, dijo que el propósito de la banda es sembrar una semilla en los jóvenes para que "puedan crecer a algo más grande a lo largo de su vida".
"Queremos que ustedes sepan que son muy especiales para nosotros, por eso estamos aquí", les dijo a los jóvenes.
Se trata de la primera vez que este grupo de músicos del Carnegie Hall de Nueva York realiza un espectáculo de este tipo en América Latina.
Recibe el jazz influencias de varios estilos: Fredrik Norén
México, 5 Oct. (Notimex).- El jazz en general recibe influencias de varios estilos por el inmenso abanico de ritmos y esto lo obtienen los jóvenes, que a su vez se transforma a la hora de tocar, aseguró el trompetista sueco Fredrik Norén, fundador de la Orquesta de Jazz de Estocolmo.
Noren inaugurará el 12 de este mes en la ciudad mexicana de Guanajuato, la 39 edición del Festival Internacional Cervantino (FIC), que concluirá el 30 de los corrientes.
En conferencia de prensa realizada vía telefónica desde Estocolmo, Norén mencionó que el jazz es un área muy amplia del arte, pero este género se caracteriza a través de la improvisación y sin ésta no habría esta música.
Respecto al programa que ofrecerá dicha orquesta en la inauguración de la llamada "Fiesta del Espíritu", en la Alhóndiga de Granaditas, dicho trompetista adelantó que será un repertorio conformado por piezas de la autoría de los propios miembros de la agrupación y con arreglos de ellos mismos y de Bob Mintzer, de Estados Unidos.
"Serán temas inspirados en la tradición escandinava y en algunas de éstas se podrán escuchar el reflejo de la naturaleza como las montañas y ríos, pues hay una influencia de música folclórica tradicional, así como de un jazz acústico", expresó el músico, en relación también con el tema del 39 FIC, que se llama "Los dones de la naturaleza".
Dijo también que la Orquesta de Jazz de Estocolmo, que forma parte de las 800 big bands que existen en Suecia, contribuye con una propuesta fresca que los ha llevado a lo largo de más de 25 años de trayectoria, a través de giras por varios países europeos y de Latinoamérica.
"La mayoría de nosotros compone los temas que forman parte ya de nuestro gran repertorio, que junto con otras composiciones de jóvenes y artistas consagrados, la hacen diferente a las demás agrupaciones, aunque no nos consideramos una big, sino más bien una orquesta", explicó el músico.
Sobre las características musicales de la Orquesta, agregó que es un sonido grande, oscuro y cálido, porque no es fuerte, ni penetrante.
"Buscamos también un equilibrio adecuado entre las partes de improvisación y las partes de ensamble de la banda, es una de las cosas que siempre estamos atentos todos los integrantes", apuntó Noren.
La agrupación, que está integrada por 18 músicos, jóvenes y adultos, ha grabado más de 10 discos, y se ha presentado en la radio y televisión nórdica.
Con presentaciones en Argentina, Estados Unidos, Inglaterra, Irlanda, Sudáfrica, Suiza y Uruguay, la banda, una de las mejores representantes del boom jazzístico nórdico, mostrará los rangos musicales y creativos por los que transita este género.
Inauguran muestra de música mexicana
Se realiza en el Centro Cultural CarranzaCiudad de México | Miércoles 21 de septiembre de 2011 Notimex | El Universal
Entre luces de colores, humo artificial y notas de jazz, la agrupación Cuarta Aumentada, de Salvador Merchand, y los músicos Malena Durán y Héctor Infanzón abrieron anoche las actividades de la Primera Muestra de la Música Mexicana Contemporánea, en el Centro Cultural Carranza, de esta ciudad.
Con el fin de mostrar lo que pasa en México con respecto a su música, con la búsqueda del folclor para hacerlo más contemporáneo, y en el caso de ayer más trovador y con jazz, fue pensado y realizado este encuentro rítmico.
Tras la tercera llamada, los conductores de la velada, Montserrat Arroyo y Jaime Almer, se hicieron del micrófono para dar la bienvenida a este programa musical lleno de talentos mexicanos que resaltan el folclor del país.
En la primera de tres funciones, el primero en aparecer en el escenario fue el grupo Cuarta Aumentada, con su formación integrada por 'Jako' González, saxofón y flauta; Víctor Patrón, piano; Emmanuel Merchand, bajo; Miguel Peña, guitarra y vihuela, y Salvador Merchand, batería.Los músicos deleitaron al público con seis temas que fusionan conceptos de jazz y el folclor mexicano, mismos que integrarán su primer material discográfico. Interpretaron los temas 'Huapango de ciudad', de Víctor Patrón; 'Mexicaneidad', de Fernando Chávez; 'A mis hijos', como homenaje a Eugenio Toussaint; 'Tres jinetes', de Enrique Neri, y 'Rapsodia', de Luis Zepeda.
Después de su intervención la agrupación agradeció la invitación, la asistencia del público y los aplausos.
Enseguida ocurrió una entrevista con los integrantes de la banda, de quienes el baterista y líder Salvador Merchand afirmó que 'los músicos mexicanos son mu versátiles y pueden tocar de todo', así que vayan adaptando nuevos estilos a la música tradicional del país.
Ciclo de jazz del Rufino Tamayo se transforma
Las Noches de Jazz cambian a Conciertos de Jazz en el Bosque y tendrán lugar en la explanada del museo
Debido a la transformación que vive el Museo Rufino Tamayo, sus 'Noches de Jazz' se transforman en los 'Conciertos de Jazz en el Bosque', cuyo arranque será el 24 de este mes con la presencia del Jan Toussaint Jazz Project.
El baterista, quien es hijo del fallecido compositor Eugenio Toussaint, subirá al escenario acompañado por el piano de Carlos Tercero y el bajo de 'El camarón'.
También se alista la presentación de la agrupación veracruzana El Código Postal, integrada por la vocalista Messe Merari, Paco Aragón en la guitarra y el saxofonista Alain Derbez, quienes ofrecerán al público su particular fusión de jazz, flamenco, bolero y blues el próximo 22 de octubre.
Para poner fin a este ciclo, el 19 de noviembre se espera la presentación de la banda mexicano-estadounidense 'A Love Electric', que fusiona la música jazz con el "rock" y es dirigida por el guitarrista Todd Clouser, acompañado de Hernan Hecht (batería), Mark Aanderud (Piano), Aarón Cruz (bajo) y Daniel Zlotnik (saxofón).
Además de disfrutar de la calidad musical de estas agrupaciones, de manera gratuita, el público tendrá la opción, una vez finalizado el evento, de tomar un recorrido en los Turibus que se encontrarán para este propósito en el estacionamiento del Museo Rufino Tamayo, informó el recinto cultural.
Los recitales serán en el pabellón de talleres del Bosque de Chapultepec, a un costado de la explanada del citado museo.
ORGANIZAN EL FESTIVAL INTERNACIONAL DE JAZZ
ENSENADA.- El Festival Internacional de Jazz Ensenada 2011, en su onceava edición, se presenta como el evento musical cultural más sobresaliente del año. Es promovido y organizado por la Escuela de Artes de la Universidad Autónoma de Baja California (UABC), campus Ensenada, en coordinación con el Instituto de Cultura de Baja California (ICBC) y el Centro Estatal de las Artes (CEARTE).
La invitación es a la comunidad en general a que asista este próximo domingo 25 de septiembre.
El evento se llevará a cabo en la explanada del CEARTE en punto de las 12:00 horas, dando comienzo con la participación del guitarrista Mario Martínez, con su proyecto: “Sessions” que inició en 2007.
El concepto que maneja esta agrupación es jazz fusión, con tablas internacionales en su historia. Martínez ha colaborado con músicos como Israel Varela, Claudio Filippini, Daniel Capuci, Mchaca Uva, Mustafa Ugunia, entre otros.
A las13:00 horas será el turno para David Oliveros al frente de su Latitud Swing Machine, uniendo fuerzas con Guillermo Brown, Manuel Acuña y Josué Peña, para formar este grupo que hace su primera presentación en público y se suma a los nuevos y diferentes grupos de jazz que suenan en el puerto.
En contraste con la agrupación anterior, a la 13:45 horas, tocará el turno al maestro Roberto Quintero, quien desde Tijuana llega con su proyecto: “Contrapunto”, en el que, como en otras ediciones en este festival, ha traído nuevas propuestas derivadas de su experiencia con la música del cool y hardbop.
Liderado por el guitarrista y contrabajista Luis Salazar, Oporto jazz Band hará su arribo al escenario en punto de las 14:45 horas; grupo formado en verano de 2009 por Pavel Cortez (piano), Luis Salazar (Contrabajo) y Ascensión “Chony” Gerardo (batería), tocando mayormente piezas de jazz, llamadas “standars”, con arreglos particulares.
Han participado en diversos escenarios del estado y festivales, como el Festival Internacional de Jazz de Ensenada 2009, Festival de Verano de Jazz y Blues de CEARTE 2009 y 2010, entre otros.
Lupillo Barajas legendario guitarrista, creador de Tijuana Five y Apocalipsis se presentará con su grupo Sublime a las 15:45 horas. Lupillo formó su grupo base con Alberto Elizondo (bajo), Esteban Favela (saxofón), Raúl Félix (batería), Charly Chávez (percusiones), todos ellos excelentes músicos que grabaron en su álbum “Sublime” y que lo acompañan desde entonces en sus conciertos de jazz.
El grupo anfitrión Ensenada Jazz sonará a las 16:45 horas incluyendo en sus filas como invitado especial al legendario saxo Ernesto Lizárraga, líder de varios grupos de jazz y la orquesta que lleva su nombre. Este extraordinario músico fue el saxofonista original de los primeros años del legendario grupo Moonlights, que en esta ocasión se suma a la celebración de los 28 años haciendo jazz con Iván Trujillo, Héctor Zepeda, Esteban Hernández, bajo la dirección de Ernesto Rosas.
Ray Briz y su Latin Experience desde San Diego nos mostrarán lo mejor de su repertorio en punto de las 17:45 horas. Este legendario pianista que solía presentarse en este puerto a principios de los 70 con su grupo STUKAS, finalmente regresa a proyectarnos su experiencia adquirida a través del tiempo en lo más profundo del sonido latino en el jazz.
Y como ya es costumbre para cerrar el programa a las 18:45 horas se presenta un Big Band que en esta ocasión recaerá en la responsabilidad de Tikos band de Gustavo Valdez, virtuoso saxofonista, arreglista y líder natural de proyectos jazzísticos y propuestas musicales en la frontera.
El 11vo. Festival Internacional de Jazz Ensenada 2011 es gratuito. Domingo 25 de septiembre de 2011, Plaza de las Artes en el Foro Experimental en Blvd. Lázaro Cárdenas y Av. Club Rotario, Zona Centro Ensenada, B.C. México; de 12 a 20 horas.
Mayores informes en la Escuela de Artes Ensenada Unidad Valle Dorado, bulevar Zertuche y bulevar Los Lagos, Fraccionamiento Valle Dorado y a los teléfonos: (646) 1750720 y 1735634, o bien a los correos electrónicos: lierac@uabc.edu.mx y samano@uabc.edu.mx, así como a CEARTE y a los teléfonos (646) 1734307 y 1734308, correos anitamorita71@hotmail.com y extension.artistica@gmail.com
Los grupos a presentarse este domingo son:
MARIO MARTÍNEZ SESSION
LATITUD SWING MACHINE
ROBERTO QUINTERO- CONTRAPUNTO
OPORTO JAZZ BAND
LUPILLO BARAJAS-SUBLIME
ENSENADA JAZZ
RAY BRIZS- LATIN EXPERIENCE
TICOS BIG BAND
Mónica Zuloaga y su jazz romántico
La intérprete señala que el género crece en la ciudad, sólo falta impulso y foros para nuevos talentos
GUADALAJARA, JALISCO (02/SEP/2011).- Mónica Zuloaga regresa a la escena tapatía del jazz romántico. Hoy arranca una serie de presentaciones en la ciudad, al tiempo que cocina una nueva producción en la que rescatará temas inéditos de la época dorada del género.
La cantante opina que “el jazz se aprecia más en vivo que en un disco, por la espontaneidad que se requiere”. Por ello, invita a escuchar su presentación en el Ristorante Café Gula, ubicado en Independencia 174, en el Centro Histórico de la ciudad, en la que estará acompañada por los músicos Willy Zavala, Natalie Braux, Fer Vidal y Javier Soto, a partir de las 21:00 horas.
La voz de Mónica inundará el establecimiento todos los viernes de este mes a la misma hora. Al igual que en la velada de hoy, no habrá cover el resto de las presentaciones y los asistentes podrán encontrar comida internacional en la carta.
La intérprete comenta que está por salir a la luz una nueva producción con nueve temas, de la que aún no define el nombre, pero adelanta que será un disco más introspectivo y con temas melancólicos, a diferencia de su debut One night standard, cuyo sonido “era más fresco, más alegre”.
Con sonidos renovados
Mónica señala que este disco es como un regreso. “Estuve dos años y medio desconectada, pero no dejé de seguir cantando”, explica quien fuera fundadora de la agrupación The Mongo Beng Jazz Band.
Estima que en un par de semanas algunos temas estén disponibles a la compra en su página web: www.monicazuloaga.com (en construcción).
Al respecto de la relación que guardan el país y el género musical en el que lleva cinco años trabajando, opina que “está creciendo cada vez más el jazz mexicano, eso es algo que me gusta mucho. De ser un género echo a un lado, o no ser muy conocido, noto que cada vez hay más público joven interesado en escucharlo y en aprenderlo, y siento que la escena del jazz en México se está abriendo”.
Agrega que la escena musical en Guadalajara “es como un diamante en bruto que se tiene que ir puliendo. Tiene artistas y hay talento que sale por debajo de las piedras, pero hace falta promoción, apoyo, foros”.
''Está creciendo cada vez más el jazz mexicano, eso es algo que me gusta mucho.''
Mónica Zuloaga, cantante.
Mónica Zuloaga en vivo / Todos los viernes de septiembre, 21:00 horas / Ristorante Café Gula (Independencia 174, Centro Histórico) / Entrada libre
Sí hay jazz en Saltillo
El jazz, dice Héctor Zárate, no es cualquier música: no son las baladas pop, no es el blues, no, señores de los bares de Saltillo, eso no es jazz.
Por: Livio Ávila. 30-Agosto-2011
Salatillo.- En la ciudad la noción de este género está un poco olvidada. De hecho, hay pocos jazzistas por acá. Pero no hay de qué preocuparse: mañana un nuevo disco viene a poner las cartas sobre la mesa y a decir que sí hay jazz en la región.
En entrevista con VANGUARDIA, el músico habla sobre el álbum homónimo a su grupo Héctor Zárate Jazz Trío, que fue creado por ellos de forma independiente, con el respaldo de la disquera regiomontana Azenath, y que mañana será presentado en la ciudad.
Desde hace 11 años comenzó el viaje de la composición: “Los temas empezaron como experimentos y luego en estudio tuvieron una evolución”, señala el nacido en Oaxaca, pero radicado en Saltillo desde hace más de dos décadas.
Ahora su trío está de fiesta con música “hecha en casa” bajo el brazo: Zárate en la guitarra, Eduardo García en la batería (Saltillo), y Ariel Cárdenas al bajo (Múzquiz); así como el bajista invitado a la grabación, Abraham Gutiérrez (Monclova).
“El punto de partida es el jazz, el jazz fusión. El disco es el punto de vista de los que participamos en el disco, del bossa nova, es una interpretación de lo que es para nosotros el blues rock, el cool jazz, acercamientos al rock progresivo… pero siempre es el jazz”, explica.
El aprendizaje fue enorme: “Aprendí a producir un disco, antes lo había hecho con un grupo de rock, éramos cuates y andábamos los cuatro de arriba para abajo... y es parte de ese proceso, de generar cosas, buscar los recursos, el tiempo, porque no es sencillo; no me ha sido sencillo encontrar respuesta en algunas instituciones. Eso lo dejé atrás y decidí hacerlo yo”, apunta.
Mañana a las 20:00 horas, con música en vivo, será presentado el álbum en el recinto cultural Aurora Morales de López de la UAdeC.
El disco será presentado en el Festival Internacional Cervantino de Guanajuato en octubre, en Monclova, en la Feria Internacional del Libro de Saltillo y en el Festival de Artistas Arriesgados; planea llevarlo a otros lugares de la República.
El dato
Incluye 11 temas, todos compuestos por Zárate excepto un cover de The Rolling Stones.
El trío son Zárate (guitarra), Eduardo García (batería) y Ariel Cárdenas (bajo).
El disco lo puedes conseguir en Librería Julio Torri y en la Taberna El Cerdo de Babel con un costo de 99 pesos
La presentación del disco será mañana a las 20:00 hrs. en el Recinto Aurora Morales de López de la UAdeC (Ramos Arizpe 229, Centro) y la entrada será libre.
Sin apoyo de la Federación, comenzó Festival de Jazz
En el encuentro participan bandas de México y otros tres países.
El guitarrista David Gilmore
Sin el apoyo de la Federación, producto de que la pasada administración no solicitó el recurso correspondiente, la noche del jueves inició la cuarta versión del Festival Internacional de Jazz y Blues en Zacatecas. Una fiesta tradición en la entidad, a prolongarse durante los próximos tres fines de semana, y que incluye la presentación de ejecutantes tan destacados como Alexandre Coté (Montreal), David Gilmore (Estados Unidos), Katherine Davis (Estados Unidos) y ocho grupos de la localidad.
Hasta hace una semana, reveló Gustavo Salinas, titular del Instituto Zacatecano de la Cultura (IZC), no se contaba con la certeza de la realización de la fiesta, si bien la aportación estatal estaba presupuestada. Con todo y que el festival, que iniciara hace más de una década en el formato de jornadas y apoyadas por el artista plástico Manuel Felguérez, tiene relación estrecha con el Festival Internacional de Jazz Montreal.
Es costumbre que en el festival se presente el ganador de uno de los premios de aquella actividad, lo que se repitió este año con la intervención inaugural de Alexandre Coté Quintet, prestigiado saxofonista, compositor y arreglista canadiense. De manera que jueves y viernes se dedicarán al jazz y sábados al blues: desde este fin de semana y hasta el sábado 27 de agosto, en el patio del Museo Felguérez.
De acuerdo a uno de sus promotores principales, Vicente Rodríguez, la nueva versión del festival “mantiene el estándar de calidad y está a la altura de los demás. No se espere aquí la presencia de grandes estrellas —anotó—, sino la actuación de artistas contemporáneos de gran calidad en jazz y blues, lo que por otro lado nos evita una gran inversión económica”.
Al realizarse en el patio de uno de los principales museos zacatecanos, el festival se torna en la mejor oportunidad para escuchar el género y en el mejor de los ambientes. En correspondencia, el mismo IZC está buscando promotores privados para que inviertan en este tipo de actividades y se abran los museos. “Cosa que sucede ya en todos los museos; así les daríamos más vida”, aseguró.
Dadas las características de la actividad, que requiere de una infraestructura que garantiza el recinto desde sus inicios hace una década, no puede llevarse a los municipios, lo que ha sucedido con otras de las ofertas culturales de la nueva administración estatal, ahora de un nuevo color político a la anterior.
En la fiesta de jazz y blues también intervendrán los zacatecanos Euterpe, Moan Blues, Luis Díaz y Saudade; además de Dave Herrero (Chicago), Cosmic Music (Nueva York), Vino Louden (Chicago) y Lorraine Desmarais (Montreal).
Después de 39 años de vida clausuran el Club New Orleans
Jazz
Gustos musicales aparte, el New Orleans –o el Nueva Orleáns, como lo nombraba todo mundo– era un lugar emblemático de la ciudad de México. Lejos de importar que en los últimos tiempos su oferta musical girara primordialmente alrededor de los clásicos y el estándar, el público en general, y los jazzófilos en particular, asistían o frecuentaban este club precisamente por eso, por la seguridad de que ahí podían sumergirse en los aromas del blues y el jazz tradicional mediante músicos de primer nivel, aunque también, por supuesto, por la comodidad de sus instalaciones, por su ubicación en pleno San Ángel, por su cocina, por su carta de vinos y por esa suerte de aura que ondulaba sobre él desde hace 39 años.
Bueno, pues resulta que el pasado 22 de julio, sin más, la delegación Álvaro Obregón decidió clausurarlo. Los argumentos: una queja ciudadana (anónima) por el
ruido excesivo
y la falta de cinco cajones de estacionamiento, ya que el lugar sólo cuenta con veinte de estos cajones (…). No es broma. Pero en fin; si nos vamos a la primera razón de la clausura, podemos afirmar desde esta columna que eso es totalmente falso; si usted se sale del Nueva Orleáns, lo único que escucha es el tránsito nocturno de la avenida Revolución.
La segunda razón es grotesca, porque entonces deberían empezar por la clausura del Sanborns que está a una calle de distancia, donde no hay un solo cajón y uno tiene que dejar el coche en un pequeño estacionamiento que les da
chance a los clientes de los búhos.
“No es justo –comenta Octavio Torres Borgo, dueño del lugar–. Si fuera cosa de violencia, de armas, de escándalos, de drogas o cosas así, se podría entender; pero esto no tiene ninguna razón de ser. En casi 40 años que tenemos aquí, nunca hemos tenido un solo problema con los vecinos ni con los clientes, ni con las autoridades. Nunca… nada. Alguien me quiere amolar. Nadie me dice quién levantó la queja en la delegación; yo ya les demostré que ni el lugar ni mis clientes causan problemas de ningún tipo, pero nadie quiere oír.
“Ya tramitamos un amparo y uno de lo contencioso. Estamos en eso, a ver qué logramos resolver… es una situación muy difícil. Hace 15 años, así nomás porque sí, nos pusieron esa terminal de microbuses exactamente frente a la puerta del New Orleans; esto nos redujo la clientela del día casi ciento por ciento, pero aguantamos y nos quedamos con el servicio nocturno. Eso sí fue muy agresivo. Y mira, deja ya el aspecto artístico y cultural, que claro que son muy importantes, pero además aquí trabaja mucha gente; entre los músicos y los empleados del restaurante, de aquí dependen más de 50 familias, que desde hace 10 días están sin fuente de trabajo.”
El restaurante bar New Orleans empezó a funcionar en 1972 con el nombre de Musicafé Dos. En un principio se presentaban músicos de infinidad de estilos, aunque cuidando siempre la calidad interpretativa y la propuesta artística de todos los involucrados. En aquel entonces lo mismo llegaba un grupo de jazz que de rock, blues, tango, zarzuela, música clásica o el pop en la mejor de sus acepciones.
Todavía se recuerda el inusitado palomazo entre Liza Minelli y los Hermanos Castro, o los de Ron Carter, Cecil Taylor, la familia Brubeck, Clare Fischer, Tania María, Paquito D’Rivera, Randy Brecker y muchos otros etcéteras del mismo calibre. En el terreno nacional, por ahí desfilaron las leyendas de Chilo Morán, Juan José Calatayud, Olivia Revueltas, Tommy Rodríguez, Freddy Manzo, Leo Carrillo, Ponchito Martínez, Mario y Tino Contreras y otros tantos que escapan a la memoria y el espacio.
Fue ahí también donde se gestó el ya célebre grupo Sacbé, cuando Eugenio Toussaint se iniciaba en el jazz fusión y tomaba el Musicafé Dos de cuartel general, para ensayar ahí durante el día y tocar en las noches con el grupo Cuadrología, antecedente inmediato de Sacbé.
Anécdotas hay muchas. Ojalá que Octavio Torres se decida un día a contarnos toda esta historia. Por lo pronto, él se encuentra totalmente concentrado en el rescate de este mítico lugar de San Ángel, donde tres generaciones se han reunido a través de los años, con regularidad, con obstinación de feligreses, para celebrar la vida en la mejor de las formas: oyendo buena música. Salud.
LA COLUMNA DE ANTONIO MALACARA EN LA JORNADA:
Tommy Rodríguez/ Master Jazz Project
Tommy Rodríguez es uno de los clásicos que por fortuna todavía nos acompañan en el planeta. Después de un breve silencio, salta nuevamente a la arena –sax tenor en mano– y lo hace con una banda muy atractiva. Comienza con la invitación que recibe el maestro para participar en el homenaje a los Pioneros del Jazz en México, en el Palacio de Bellas Artes. Para ello se conforma un primer cuarteto con Miguel Villicaña al piano, Enrique Valadez en el contrabajo y Gonzalo González Chalillo en la batería.
Poco después, Tommy llama al afamado trompetista texano Luis Gasca –como lo hizo en el Festival Nacional de Jazz 2008–; éste acepta de inmediato y crece la expectación. Pero hay más: aprovechando la presencia de Richie Cole en México (para encabezar el Festival de Jazz de Querétaro y hacer algunas fechas en San Miguel de Allende), lo invitan a integrarse a esta efímera banda, el saxofonista da el sí, el combo se convierte en sexteto y adopta el rimbombante nombre de Master Jazz Project Collective (ni modo, algún defecto debían tener).
En el terreno musical, la intensidad y la calidad están garantizadas. La capacidad de la base Villicaña/
Chalillo/ Valadez es de sobra conocida, mientras las credenciales de lo tres metales solistas pueden sintetizarse en los siguientes términos:
Antes de armar su proyecto individual, Tommy Rodríguez (Tuxpan, Veracruz, 1930) participó en los grupos y orquestas de
Cuco Valtierra, Luis Arcaraz, Leo Acosta, Chico O’Farril, Chilo Morán, Mario Patrón,
Tino Contreras y Juan García Esquivel, por mencionar sólo algunos. Participa en películas como
Juventud desenfrenada (1956),
La rebelión de los adolescentes (1959) y
El señor doctor (1965). En 1965 graba el primero de sus cinco discos solistas:
Autumn Leaves.
Luis Gasca (Houston, Texas, 1940) es referencia obligada entre los trompetistas latinos de las cinco décadas pasadas. De ascendencia mexicana, participa en las orquestas de Pérez Prado, Count Basie, Stan Kenton y Woody Herman. Fue también músico de Janis Joplin (se ve atrás de ella en Woodstock),
Tito Puente, Carlos Santana, Mongo Santamaría, Joe Henderson y muchísimos etcéteras.
Richie Cole (Trenton, New Jersey, 1948) es icono del jazz contemporáneo. Improvisador nato que hereda y reinstala los aromas del bebop, su sax alto es conocido, reconocido y degustado en el mundo entero. Aunque ha tocado con figuras como Buddy Rich, Sonny Stitt, Phil Woods y Lionel Hampton, sus créditos y su joven leyenda descansan esencialmente en su nombre y en el de su Alto Madness Orchestra.
El sexteto tocará en el Palacio de Bellas Artes el 9 de agosto. Pero el 30 de julio estará en D’Polak Forum (Darwin 119, colonia Anzures), que empezó a tomar altos vuelos el año pasado, aunque tiene más de una década en funcionamiento. Carlos Guerra, dueño y culpable absoluto de esta empresa, tiene otro Rincón Polaco en Providencia 806, en la Del Valle, donde cada semana se escucha la clásica sobriedad de Víctor Ruiz Pazos, Salvador Agüero y Héctor Espinoza (bajo, batería y piano).
Por cierto que Ruiz Pazos, el célebre
Vitillo, graba un nuevo disco con una docena de temas propios y una veintena de invitados impropios. Pero de eso hablaremos más adelante.
Christian Bernard y el legado Toussaint
Sintomático, determinante y a todo dar es el hecho de que a las nuevas generaciones les dé por revisar y honrar la obra de sus maestros. Este miércoles 27 de julio, a 21 horas, también en D’Polak Forum, el pianista Christian Bernard se presenta con su cuarteto y con una propuesta denominada Toussaint Legacy. La música del maestro Eugenio en manos de uno de sus alumnos. Y la nave va. El grupo se complementa con Israel Cupich al contrabajo, Raúl Campos en batería y Federico Hülsz en sax tenor… en plena adolescencia, Eugenio Toussaint (guitarra) y Enrique Hülsz (bajo) formaron el grupo Los Xenons. ¿Tendrán algo que ver aquel Enrique y este Federico?
Christian Bernard nació en 1981 en la ciudad de México y en 2003 fue becado por el Departamento de Jazz de la Universidad de Texas en Brownsville. A sus 30 años ha tocado ya con infinidad de cantantes, de David Haro a Leika Mochán; ha formado su propia
big band, pero también ha sido pianista de Big Band Jazz de México y la de Joe D’Etienne. Su currículum se extiende, pero… mejor vayan a verlo. Se reserva en el 5250-1925. Salud.
Presentan 1er Festival de Jazz en Chihuahua
El salón balcones del palacio de gobierno fue el marco para la rueda de prensa con motivo de la presentación del primer festival de Jazz de Chihuahua, el cual se llevara a cabo del 25 al 28 de julio.
Este festival contara con la participación de destacados músicos provenientes de Puerto Rico, Costa Rica Y Vercruz; el cual ofrecerá un programa completo de conferencias, conciertos gratuitos, seminarios y cine.
El sub coordinador del festival, Edgar Ardían Moreno explicó que los seminarios que se impartirán no son solamente para músicos experimentados, si no para cualquiera que sienta la inquietud por la música, por lo que el señor Moreno exhorto a la ciudadanía a disfrutar de este festival y de sus útiles seminarios ya que los Chihuahuenses podrán quedarse con algo de la experiencia de los músicos que vienen en este festival.
… “no es necesario tener mucha experiencia para asistir a los seminarios mucho menos para el ensamble, invitarlos a que asistan a los conciertos que se llevaran acabo durante los cuatro días el Jazz es para todos “.
El lunes 25de julio se contara con la inauguración en punto de las siete de la tarde en el patio de palacio de gobierno, la entrada será libre, así que las familias podrán gozar de una tarde de música Jazz.
El primer seminario será impartido el 26 de julio en la academia de música Yamaha ubicada en el Boulevar Ortíz Mena , donde se harán ensambles de la academia de música Yamaha, exposición de fotografías y proyección de la película Sweet and Lowdown, además conciertos de Jam Session en el restaurant rock and ball.
El miércoles se dará la conferencia con niños del programa alas y raíces, además de seminarios en la academia de música Yamaha, la presentación del libro Lexicón.
Para concluir, el jueves con el concierto de clausura con la presentación del quinteto de jazz panamericano, en el auditorio del museo semilla, con la participación de los invitados del conservatorio de música de Puerto Rico y la universidad nacional de costa rica y la universidad veracruzana, con un costo de 50 pesos.
Jazz
Larry Russell
Antonio Malacara
En 1973, Larry Russell se deja convencer por la fotógrafa Nadine Markova de que la ciudad de México es una buena opción para vivir. Ella toma sus cámaras, él sus saxofones; vuelan de Nueva York al Distrito Federal y se instalan por la colonia Anzures para seguir cada cual con sus quehaceres. Nadine se convierte en una de las más importantes artistas visuales del país, mientras Larry forma la Mexican Jazz Revolution, legendaria banda en la historia de nuestro jazz.
Hace unas semanas, en junio de 2011, el cuarteto de Larry Russell terminaba la grabación de Live at Palmas Casino, el octavo disco que graba en tierras mexicanas, después de 11 años de silencio fonográfico. Se trata de tomas directas en el foro donde el grupo se ha presentado, jueves a jueves, desde hace tres años.
Se trata de 10 tracks clásicos, 10 standards hipervisitados, como Take the A Train, All of me, The lady is a tramp y rolas por el estilo, que bien podrían naufragar en los pantanos del lugar común, a no ser por el aliento de vida que invariablemente imprime el maestro en cada una de sus notas; además de que el soporte es de primera: Carlos Gallegos (el mejor pianista mexicano de jazz, en palabras de Larry) se encarga de los teclados, Jesús Sánchez Puebla está en el bajo y Jesús Agüero en la batería.
Para contextualizar un poco, habría que platicarle a las nuevas generaciones que Larry Russell venía ya con un nutrido y lujoso bagaje cuando, a los 42 de edad, decide radicar en nuestro país. Estudió clarinete en el Conservatorio de Música de Nueva Inglaterra, logrando hacer dos temporadas con la famosa Boston Pops Orchestra; poco después se integró a la Sinfónica de Dallas como clarinetista principal. No obstante, el destino le sería revelado a través de la radio, cuando escuchó a Sidney Bechet tocando Easy rider desde su sax soprano. Poco tiempo después tendría la rarísima oportunidad de palomear al lado del propio Bechet y de otros pioneros del jazz, como Vic Dickenson, Tommy Benford y Tony Spargo.
En el mismo tenor, y todavía como estudiante, aprovecha un periodo de vacaciones para irse de gira con el sexteto del célebre trombonista Jack Teagarden. Las rutas estaban trazadas. Después de graduarse, Larry se muda a la así llamada capital del jazz: Nueva York, trabajando ahí como arreglista de las orquestas de Stan Kenton, Louis Prima y Buddy Rich. Llegó a acompañar a cantantes como Billie Holiday, Ella Fitzgerald y Carmen McRae. Nomás.
Pero entonces vino la aventura mexicana, para lo cual fue determinante –además del argumento de su esposa– el nivel instrumental de los músicos locales. Recién llegado se dedicó a musicalizar películas, aunque no tardó en sumergirse en las regiones sincopadas del país. A partir de entonces ha contado con la colaboración de gente como: Enrique Orozco, Freddy Manzo, Enrique Nery y Carlos Gallegos (pianos), Cristóbal López (guitarra), Chilo Morán, Adolfo Sahagún y Ramón Flores (trompetas), Vicente Díaz (trombón), Víctor Ruiz Pazos, Roberto Aymes y Jesús Sánchez Puebla (contrabajos), Jesús Agüero, José Sánchez El Tigre, Gonzalo González Chalillo y Salvador Agüero (baterías). Estos tres últimos bateristas van a ser homenajeados el próximo 9 de agosto en el Palacio de Bellas Artes.
Hasta ahora, los alientos de Larry Russell en México –con evidente inclinación al sax tenor y el clarinete– han quedado registrados en ochos discos:Seduction, Larry Russell and The Mexican Jazz Revolution, Larry Russell and The Mexican Jazz Revolution Live, Nostalgia, Nostalgia II, Jazz for Christmas, Nostalgia 3 y Live at Palmas Casino.
Controversia y apapacho
Después de publicar las opiniones de Fernando Toussaint sobre los homenajes a su hermano Eugenio, esta columna recibió mentadas, extrañamientos y hasta una palmadita. Tal y como lo hicimos con Fernando, damos voz a dos inconformes y agarramos la palmadita para caer en blandito.
“Eugenio no necesitó nunca de reflectores, y si la gente que organizó los homenajes en el Lunario (exitosísimos por cierto) no tiene nada que ver con él… entonces su hijo Jan tampoco…? Qué absurdas declaraciones. Con todo respeto”. Beatriz Ayala.
Con muchísima tristeza leo tu artículo refiriéndose a los homenajes a Eugenio. Qué tristes palabras de Fernando refiriéndose a Jan su hijo y a la organización de los conciertos. El fin de esto, por si no lo sabes y antes de que hablen en los periódicos, es un homenaje a Eugenio que puedes preguntarle a toda esa gente que según Fernando no les importaba, la admiración como músico que sentían por él. Para todos era un honor. Tengo entendido que nadie está cobrando y lo que saquen es una inmensa ayuda para Jan y su familia. Qué fácil puede ser la vida si se ven las cosas con claridad y veo con tristeza cómo la prensa las enreda más. Luis Gil.
Sólo para expresarte que el artículo de hoy me gustó mucho. La parte del final está verdaderamente sublime. Como buen lector tuyo había extrañado tu opinión. Saludos desde Chiapas. Arturo Piña.
Salud
AARÓN CRUZ TRÍO LANZÓ ECO, CUYAS PRIMERAS 2 MIL COPIAS ESTÁN POR AGOTARSE, SIN PROMOCIÓN
El primer disco de Aarón Cruz Trío, titulado Eco, está a punto de agotarse en su primera edición de casi 2 mil unidades, sin mayor promoción que la recomendación boca a boca, en Internet y su distribución durante los conciertos.
Eco es un disco fino, mas no ostentoso, mediante el cual el trío de jazz de Aarón Cruz rinde homenaje al compositor David Aguilar, de quien interpretan 10 composiciones. Tocan Aarón Cruz en el contrabajo, Mark Aanderud en el piano y Hernán Hecht en la batería. Es dirigido y producido por el propio Aarón y las piezas son: Eco, Libélula, Conté hasta tres, Aves de agua, Las constelaciones, A la ventana, Carolina, De papel, Cero vértigo, La bahía y Cristal.
En entrevista, expresó: “He colaborado con muchísimos artistas, pero éste es mi primer disco. Lo presentamos hace días en el D’Polak Fórum del Rincón Polaco. Lo está distribuyendo Fonarte Latino, donde hay gente honesta y clara. Ellos lo colocan en las tiendas. No hay un margen de ganancia gigantesco, pero está en todos lados. Ya vamos por los 2 mil discos en menos de seis meses, lo cual está muy bien. Claro que las disqueras están acostumbradas a vender muchos más, pero con un aparato de dinero y de promoción enorme. Hacen creer que la música comercial es lo único de valor, pero en realidad muchas veces es sólo basura”.
Recomendó que a los actos protocolarios se lleve, además del mariachi, a los soneros jarochos y huastecos, o la música de Oaxaca "y también el jazz. Países como Panamá, Argentina, Costa Rica y Brasil aprovechan a sus músicos de jazz como embajadores culturales, pero en México se nos ningunea, como si no existiéramos. Hemos demostrado nuestro alto nivel en festivales como el de Montreal. En el extranjero nosotros no fallamos los penales a la hora de la verdad".
Cruz, quien se define como intérprete y no como compositor, ha tocado con Iraida Noriega, Cristóbal López, Emmanuel Mora, Eduardo Piastro, Alejandro Campos, Enrique Neri y Antonio Sánchez. Actualmente es miembro del Trío Cráneo de Jade, del trío del pianista Héctor Infanzón y del quinteto del guitarrista Francisco Lelo de Larrea; además fue parte del trío de Eugenio Toussaint –fallecido en febrero pasado– durante cuatro años.
“Los encuentros musicales de Eugenio, desde sus inicios, son muy especiales, con preciosas melodías y temas, tanto en el jazz –terreno donde más se desarrolló– como en la música de concierto, donde resulta que también compuso temas y obras de gran valor musical. No sólo destacó como autor de melodías, armonías y rítmicas, sino también orquestales. Todo aunado a su calidad como improvisador de jazz, lo cual es inusitado, porque fue un músico que cubrió mucho terreno, desde el rock, porque era roquero de corazón y lo amaba, hasta la música de concierto. Esto refleja una amplia cobertura de creatividad, de gran nivel.”
Aarón precisó: “Con su desaparición se cortó una infinidad de música posible. Esto es lo triste. Con su trío teníamos muchos planes de grabar, de viajar… en fin, pero él tenía en el tintero un concierto para flauta, otro para oboe… y otros, que fueron posibilidades musicales extraordinarias de altísimo nivel en la actualidad mundial.
“Suena fácil, pero el trabajo que estaba haciendo Eugenio estaba a la vanguardia musical del mundo. Era gran admirador de compositores como Stravinsky y de otros que siempre han estado a la vanguardia, y los entendió muy bien, los estudió y los comprendió. Su búsqueda era a ese nivel, de ese calibre, de música de concierto.
“En el jazz era un improvisador extraordinario. Para mí, a la altura de cualquier gran jazzista del mundo.
"También otros sueños musicales se quedaron truncos. Quería hacer un disco-homenaje a las ciudades. Amábamos ciertas ciudades, más que al campo. Tenía planes para rendir homenje musical a Bruselas, París, la ciudad de México, Tokio, Nueva York, etcétera, urbes que cautivan. Todo se cortó de tajo con su muerte. Se acabó y se terminó un espíritu libre, inquieto, con una imaginación como pocas."
Deseó que la música de Eugenio Toussaint nunca deje de tocarse. "Soy músico, en parte, por él. Desde adolescente oí su música y me dije que por ahí era. Cuando lo vi en vivo, tanto con Sacbé como con su trío, o solo, yo era fan e iba a verlo. Para mí fue como un norte, una brújula. Luego, al paso de los años, compartir la música con él fue una maravilla, un sueño; era tocar con uno de mis héroes musicales."
Recordó que cuando conoció a Eugenio no pudo tocar una composición de él. “No la pude leer, no la pude tocar; era muy difícil para mí. Eugenio me dijo que no me preocupara, que íbamos a tocar otras cosas.
"En 2005 me habló para tocar con él, cuando Agustín Bernal salió de su trío. Ya para entonces había estudiado su música y preparado muchas cosas de él. Todo era felicidad total, para mí. Toqué con él los últimos cuatro años de su vida, en su trío. Nunca dejaré de tocar su música. Eugenio elevó el nivel de la música en México, sin exagerar."
Tributos tardíos
Lamentó que en México no se apoye a los músicos con talento, como Eugenio. "Me confesaba su tristeza, su pesadumbre, por lo difícil que es México, porque cada año es empezar y convencer a las autoridades y a los nuevos encargados de la cultura sobre quién es uno, de lo que uno vale, y conseguir trabajo. Es empezar de cero. Ahora todo mundo habla de él, cuando en vida hubo conciertos a los que fue muy poca gente. Es un poco tardío todo eso de los homenajes. Hay gente viva, como Enrique Neri, Héctor Infanzón, Cristóbal López y otros, con nivel extraordinario y quienes hay que valorar, ya. Ahí andan buscando chamba y las autoridades ni se inmutan ni les importa, porque el jazz es como el patito feo de muchas músicas y círculos: es demasiado fino para ser popular y demasiado corriente para ser de concierto."
Eco fue grabado el 12 y 13 de mayo de 2010 en el estudio Sala de Audio, por Salvador Tercero y Uriel Durán; la mezcla se hizo en Carreira Estudios, Puebla, y estuvo a cargo de Carlos Carreira y Aarón Cruz.
Real de Catorce se alista como sede del tercer Jazzfest
Jueves 30 de junio de 2011 Hugo Rentería Corresponsal | El Universal
SAN LUIS POTOSÍ.— En el Centro de las Artes de San Luis Potosí Centenario, se realizó la presentación del programa del tercer Jazzfest, a realizarse en el pueblo Mágico de Real de Catorce los días 29 y 30 de julio, con la participación de los mejores exponentes del jazz a nivel nacional.
Conferencias, exposiciones de artes plásticas y clínicas de jazz son parte de la programación expuesta por la directora del Centro Cultural de Real de Catorce, Renata Torres Nava.
El músico Lalo Méndez, Erik Mandrakas, los grupos de jazz Los Panas y Pulque, Monroy Blues, la presentación del ensamble de jazz del Centro de las Artes de San Luis Potosí Centenario, Juan Carlos Rodríguez y su grupo Bioma Jazz, Guillermo de Jesús Villa Vega y su acid jazz, y para la clausura Lalo Méndez en la armónica con Verónica Ituarte en la voz, acompañados de Erik Mandrakas son parte de la programación.
Torres Nava señaló que estos artistas participarán de manera gratuita para apoyar la actividad cultural en el Pueblo Mágico de Real de Catorce.
Los conciertos, conferencias y exposiciones son gratuitos y se realizarán tanto en el Centro Cultural de Real de Catorce como en las calles y plazas del pueblo mágico. “Este es el tercer festival que realizamos para todos los amantes del jazz, y turistas”, mencionó Renata Torres.
De cárcel a centro de arte
La edificación arquitectónica del Centro de las Artes de San Luis Potosí Centenario fue testigo del desarrollo del porfiriato y en una de sus celdas estuvo preso Francisco I. Madero tras el movimiento político y social que encabezó en 1910.
La construcción inició en 1894 y hasta finales de la década de los 90 sirvió como centro de readaptación social. En agosto del 2008, es inaugurado oficialmente por el presidente Felipe Calderón, quién sugirió llamarlo Centro de las Artes de San Luis Potosí “Centenario”.
Las que eran celdas, son hoy salones para los más de 15 diplomados y talleres en disciplinas artísticas.
Los pioneros en Bellas Artes
Hernán Hecht en Europa
Antonio Malacara
El 4 de octubre de 2005, después de 30 años de no pisar ese escenario, el jazz mexicano regresaba a la Sala Principal del Palacio de Bellas Artes para hacer un homenaje a sus pioneros. En esa ocasión se entregaron reconocimientos a Leo Acosta, Juan José Calatayud, Tino Contreras, Héctor Hallal El Árabe, Hilario y Micky, Freddy Marichal, Chilo Morán, Freddy Noriega, Mario Patrón, Tomás Rodríguez y Víctor Ruiz Pazos.
Las generaciones intermedias y los novísimos exponentes del jazz local se reunían para rendir tributo a quienes habían trazado rutas. Por primera ocasión, el jazz mexicano se veía de cuerpo entero y se veía bien. En concierto estuvieron Cráneo de Jade, Ethos, Héctor Infanzón, Verónica Ituarte, Diego Maroto, la Big Band de Pepe Mata, Eugenio Toussaint y el trío de Iraida Noriega, Enrique Nery y Aarón Cruz. Las localidades estaban agotadas.
Seis años después, el Instituto Nacional de Bellas Artes (INBA) vuelve a avalar estos reconocimientos y el ritual tendrá una segunda edición el próximo martes 9 de agosto, para rendir ahora un merecido homenaje a los bateristas Salvador Agüero, José Sánchez y Gonzalo Chalillo González, a los pianistas Enrique Nery, Olivia Revueltas y Francisco Téllez, a los trompetistas César Molina y Leo Muñiz, al saxofonista Juan Ravelo y al contrabajista Enrique Valadez.
Por supuesto que a esta lista se podrían añadir varios nombres, pero los tiempos, nos informan, no dan para más.
En esta ocasión, y en virtud de la maratónica experiencia de 2005 que fatigó a propios e impropios, el concierto se ha limitado a hora y media de duración con el siguiente programa:
Quinteto de Tommy Rodríguez: Luis Gasca (trompeta), Tommy Rodríguez (sax tenor), Miguel Villicaña (piano), Enrique Valadez (contrabajo), Gonzalo Chalillo González (batería), con Jazz en Riguz (Mario Contreras) y Misty (Erroll Garner/ Johnny Burke). Enrique Nery (piano), con Soñé (Mario Ruiz Armengol). Iraida Noriega (voz), Enrique Nery (piano), Aarón Cruz (contrabajo) , con ¿Quién eres tú? (María Grever) y Cry me a river (Arthur Hamilton). Francisco Téllez (piano), con Body and Soul (E. Heyman/ R. Sour/ F. Eyton/ J. Green). Yekina Pavón (voz), Abraham Barrera (piano), con Quiero cantar (Rosario Flores) y Me va me va (Albert Hammond/ Ricardo Ceratto). Héctor Infanzón (piano), con Rincón brujo (Héctor Infanzón). Olivia Revueltas (piano), con Fables.
Un programa de lujo que bien enmarca esta deuda con los jazzistas mexicanos que se pusieron a picar piedra y a subvertir el orden a mediados del siglo XX.
Hernán Hecht es un baterista argentino para el que los superlativos nomás no alcanzan, ni los del periodista ni los del publicista. Llegó de la Patagonia hace más de una década y decidió quedarse a vivir en México, para nuestro bien y el de toda esa pléyade de jazzeros y roquistas con los que el maestro ha tocado; además, por supuesto, de sus proyectos como líder de grupo: X-Pression Quartet.mx y Gru-B Project.
Solamente en México ha grabado más de 50 discos, y si nos diéramos a la simple tarea de enumerar los proyectos en los que Hernán ha pulsado las baquetas, necesitaríamos más de una columna para sólo apuntar los nombres de los protagonistas.
En estos días Hernán Hecht deambula por Europa. El 9 y 15 de junio participó con el grupo A Love Electric en los conciertos de Alemania y la República Checa. Anteriormente, los últimos días de mayo y la primera semana de junio se presentó con Mole Quartet –grupo gestado por Hernán y Mark Aanderud– en Austria y la República Checa. El cuarteto es complementado por el guitarrista David Gilmore y el contrabajista Jorge Luri Molina. Su primer disco ya circula en la red con el título de What’s the meaning.
Para julio, Hernán se reintegrará al grupo Brainkiller para cumplir con unas fechas en Italia, y para septiembre se va a España con A Love Electric. Continúa además como baterista titular de Ely Guerra, con quien también armó una gira internacional hace un mes, y los martes, cuando hay un poco de tiempo, sigue forrando botones y haciendo dobladillos. Salud.
amalacara@prodigy.net.mx
Músicos y familiares rinden homenaje a Toussaint
La Big Band Jazz de México y el compositor Armando Manzanero, socios entrañables de
Eugenio Toussaint, abrevaron anoche de los arreglos a ritmo de swing que creara ese músico para ellos, al tiempo que transitaron por una importante parte de la obra de ellos mismos.
Lo anterior, durante el homenaje que rindieron artistas, amigos y familia a Toussaint, quien entró a la inmortalidad a los 56 años de edad, el pasado 8 de febrero. “En su corta vida pudo, sin embargo, dedicar más de 40 años a la música desde todas sus identidades posibles”, señaló Moisés Palacios, el anfitrión.
Palacios, músico y amigo por más de 30 años del homenajeado, señaló que Eugenio fue compositor, ejecutante, intérprete, director de orquesta, orquestador, arreglista y docente, que lo mismo fue de la televisión al club de jazz, de la sala de conciertos a la agencia de publicidad y del estudio de grabación a la docencia.
“En todos esos ámbitos brilló y en todos hizo amigos”, añadió al anotar que algunos de esos amigos se reunieron durante la velada en el Lunario del Auditorio Nacional con la intención de recordar todas las etapas de la carrera de Eugenio.
Desde sus inicios en el rock hasta la conformación y consolidación del grupo Sacbé, que tanta gloria dio a México, añadió.
Durante el homenaje, Palacios expresó con emoción que en México hay muchos músicos buenos; excelentes compositores de música de concierto cuyas obras sinfónicas y de cámara estrenan orquestas nacionales y extranjeras, y también excelsos jazzistas, dotados para la improvisación y habitados por la síncopa.
También, añadió, en México hay buenos pianistas que saben brillar pero también acompañar; músicos populares, sintonizados con la calle y con el presente, y arreglistas y orquestadores capaces de utilizar notas e instrumentos como colores de paleta que dan vida y personalidad a las notas.
“En toda la historia de la música mexicana, ni duda cabe, ha habido un solo músico que ha sido todos esos músicos: Eugenio Toussaint”, afirmó Palacios, quien recordó que Eugenio fue un amante de la buena vida, con la música, la pintura y los buenos vinos, “pero sólo de los muy buenos”, subrayó.
A lo largo del homenaje se entretejieron los comentarios del anfitrión y maestro de ceremonias Moisés Palacios con las interpretaciones de Armando Manzanero (“Te extraño”), la voz portentosa de la joven cantante Fela Domínguez (“Perfidia”, “Frenesí”, “Granada”) y la Big Band Jazz de México.
De esa forma, estuvieron en el ambiente algunos “standards” sin los cuales sería imposible comprender el vocabulario de Eugenio Toussaint. Presentes, también, los orígenes del jazz que el músico hizo suyos, con Dizzy Gillespie y Count Basie.
Presentan ‘Los dorados’ su nuevo disco ‘Good evil’
Luego de una explosiva presentación en el Festival Vive Latino la banda presentó su cuarto disco de estudio en un concierto en la Ciudad de México
CIUDAD DE MÉXICO (04/JUN/2011).- Luego de una explosiva presentación en el pasado Festival Vive Latino, 'Los dorados', grupo que fusiona el rock con el jazz en una permanente exploración sonora, se presentó anoche en el Teatro de la Ciudad 'Esperanza Iris', a donde llegó con un sello y estilo propio.
Consolidados como grupo y con la experiencia de cuatro discos grabados, Daniel Zlotnik (saxofón), Demián Gálvez (guitarra), Carlos Maldonado (bajo) y Rodrigo Barbosa (batería) mostraron durante su concierto su alta evolución musical y a hasta dónde han llegado como alternativa en la escena sonora.
El motivo real de su presentación en Donceles fue dar a conocer de forma masiva su más reciente producción de estudio, 'Good evil', que contiene, en lugar de una serie de rolas largas y complicadas, temas cortos, muy visuales, que en conjunto no suman más 40 minutos, lo que lo hace algo excepcional.
Durante su estancia en el escenario se hicieron acompañar por un cineasta, 'Orozco', quien a través de pantallas dispuestas ahí mostró imágenes visuales en tiempo real, así como otras que fueron evocadas por él mismo mientras escuchaba por primera vez el nuevo disco de esta agrupación nacional.
De acuerdo con Demián Gálvez, el disco no se limita a un producto sonoro de calidad acústica. 'Visualmente refleja la belleza y el espíritu del grupo. En la portada aparece una ave, un pajarito, que en lugar de cantar saca balas por el pico, y en la contraportada, está una pistola que en lugar de balas dispara plumas'.
Los asistentes al teatro, jóvenes y jóvenes adultos, constataron que si bien en 2004 'Los dorados' era una banda de jazz 'avant-garde', hoy en día, al paso de los años y cuatro discos después, se han elevado a la calidad de un grupo con estilo definido y evidentemente propio que gusta incluso a los niños.
'Good evil' vio la luz luego de que la banda se encerró en un estudio de grabación, a donde llegaron con una idea definida de los temas, pero al entrar en el terreno de la producción gran parte del trabajo fue a partir de improvisaciones, porque ahora ya cubren más áreas de la producción.
'Los dorados' siempre se ha caracterizado por su constante experimentación con nuevas sonoridades, y a lo largo de sus cuatro producciones han crecido como una banda propositiva. Con 'Good evil' hizo un giro en su búsqueda, por lo que el público se marchó satisfecho de haber asistido a verlos y oírlos.
Rendirán homenaje a Eugenio Toussaint
Para recordar al compositor, orquestador, arreglista y ejecutante reconocido por sus importantes aportaciones tanto a la música de concierto, como al jazz y a la música popular, artistas y familiares deEugenio Toussaint ofrecerán diversos conciertos en el Lunario del Auditorio Nacional.
El primer concierto será el próximo 15 de junio, con la participación del cantautor yucateco, Armando Manzanero, quien se hará acompañar de la Big Band Jazz de México, con la que interpretará temas de los discos 'Ni antes ni después' y 'Manzanero Big Band Jazz', de los que Toussaint fungió como arreglista.
El miércoles 22 de junio tocará el turno a 'Las Mujeres de Toussaint', cantantes con las que colaboró en una o más ocasiones, ya sea como arreglista, orquestador y/o intérprete, ellos son: Susana Zabaleta, Guadalupe Pineda, Iraida Noriega y Elizabeth Meza.
El tercero y último homenaje será el 29 de junio, con la participación de 'Los Amigos de Toussaint'. Se trata de músicos de jazz y de otros géneros, con los que Eugenio tuvo una relación de estrecha colaboración.
Así, Héctor Infanzón, Aarón Cruz, Gabriel Puentes, Diego Maroto, Enrique Toussaint, Jan Toussaint, Cecilia Toussaint y, como invitado especial, Aleks Syntek, interpretarán algunos de los temas que compartieron con este músico fallecido en febrero pasado.
Este 'Homenaje A Eugenio Toussaint' es promovido por la familia del desaparecido músico, así como por sus amigos, con los que compartió proyectos escénicos y televisivos.
Los conciertos serán grabados y transmitidos en fecha por definir por Canal 22, que fuera hogar televisivo de Toussaint durante años.
El Teatro de la Ciudad será escenario de sus propuestas el próximo domingo
Cinco mujeres celebrarán con jazz 15 años de El Convite
Participarán Iraida Noriega, Andrea Balency Trío; Ingrid y Jennifer, de Beaujean Project, y Leika Mochán, de Proyecto Gecko
Es un lugar que no se rige por el consumo comercial: Alberto Aguilar
Para celebrar sus 15 años El Convite organiza el concierto Jazz gourmet: cinco mujeres del jazz mexicano, con la participación de Iraida Noriega, Andrea Balency Trío, Beaujean Project (Ingrid y Jennifer) y Proyecto Gecko (Leika Mochán); como músicos invitados estarán Aarón Cruz, Álex Otaola, Beto Caletti, Hernan Hecht y Jaime López. En entrevista con La Jornada, Alberto Aguilar, melómano, chef, locutor y socio del restaurante ubicado en la colonia Portales, menciona: “Realizaremos un concierto en el Teatro de la Ciudad; la idea del espectáculo es una pequeña introducción de Jaime López, después los grupos se van a ir entrelazando uno con el otro con la intervención de cada uno de los invitados y el speech de Jaime López como hilo conductor de lo que es El Convite, cómo comenzó, por qué abrió sus puertas”.
Alberto Aguilar dice: Creemos que las participantes son de las mujeres que nos parecen representativas de lo que ocurre en el jazz contemporáneo mexicano, algo que no sucedía en otras generaciones; cinco mujeres cantantes de jazz de calidad y con proyectos originales, es muy interesante. Es una nueva generación, a diferencia de Verónica Ituarte o Patricia Carreón, que son muy buenas, pero quisimos hacer la parte contemporánea de lo que está pasando y que tenga calidad. Además es parte del espíritu de lo que estamos haciendo en El Convite, no sólo presentar la parte clásica o lo que ya está muy firme, sino darle oportunidad a otros proyectos.
Una fiesta más grande
La idea de hacer Jazz gourmet surgió porque muchos de los amigos nos reclamaron no haber hecho una celebración más grande, porque hicimos una aquí y la verdad sólo invitamos a los que cabían, así que pensamos que sería buena idea llevar la celebración a un lugar más grande, donde más gente lo aprecie y disfrute. Creemos que el Teatro de la Ciudad es el lugar clásico del arte en México; está Bellas Artes, pero está dirigido a la ópera y al teatro.
Haciendo un agujero en el tiempo, Alberto Aguilar recuerda: Somos un restaurante pequeño en la colonia Portales, somos un lugar especializado en jazz, en la ciudad sólo hay tres o cuatro. Cumplimos 15 años y desde que comenzamos la supervivencia en el barrio ha sido difícil; lo que nos ha ayudado es que estamos cerca de Coyoacán, que es quizá la zona más cultural de la ciudad, y alrededor de la Cineteca Nacional, el Centro Nacional de la Artes, Películas Nacionales, hay casas productoras de cine y sellos editoriales, eso ha transformado el barrio y El Convite ha ayudado a esa transformación en estos tres lustros, que deseamos sean muchos más años.
Ingrid y Jennifer, de Beaujean ProjectFoto Cortesía de El Convite
Desplegando su anterior respuesta, Aguilar agrega: Hemos tenido altibajos; hemos entrado en proyectos como la producción de discos, la documentación de los conciertos en alta definición, cuidando la acústica y pensando que haya esa intimidad entre el músico y el público, que no existe; se presenta el jazz en un restaurante y no importa si es el mejor proyecto, pero nadie le presta atención. En El Convite intentamos tener todos lo proyectos buenos que tengan algo que decir, porque si lo medimos en profesionalismo y calidad, donde no únicamente los músicos pueden venir a tocar, sino también a comer, como cualquier comensal; somos autosustentables, pero hacemos coproducciones con otros lugares, cuando se puede.
A nivel jazzístico El Convite ha logrado, en opinión de nuestro entrevistado: El ideal de nosotros es que los grandes músicos mexicanos de jazz tocaran en México, que los grandes artistas internacionales también lo hicieran aquí, sin prejuicios de que no está en Polanco o la Condesa o donde se supone que deberíamos estar. Después hemos logrado enamorar a los músicos porque cada vez se nos acercan más para presentarse en El Convite, porque somos un lugar serio, donde todo mundo entra y que no está de moda, no se rige por el consumo comercial, pero sí por el consumo cultural de la búsqueda. La otra cosa que hemos logrado es el consenso entre los músicos de ser el único lugar plural de jazz; antes habían esos bandos de que si un músico tocaba en cierto lugar no podía tocar en otro; aquí pueden estar todos.
Promover la música, el mayor logro
Alberto Aguilar concluye: En El Convite nuestro logro más grande es promover la música que nos gusta de forma seria, hacer festivales porque nos hemos dado cuenta de que no hace falta tener una gran fama ni un capital muy grande, ni una gran infraestructura para poder hacer lo que tú quieres de forma masiva, se trata de ser profesionales y serios. Por ejemplo, el año pasado hicimos el JazzBook.0 en la Feria Internacional del Libro, en el Zócalo, donde el proyecto no se vio como la ocurrencia de un pequeño restaurancito, sino como algo serio y profesional; recibimos muy buenas críticas nacionales e internacionales.
Jazz gourmet se realizará el domingo 22 de mayo en el Teatro de la Ciudad Esperanza Iris, Donceles 36, Centro Histórico. Boletos: 90, 120, 150 y 200 pesos, en las taquillas del inmueble y en el Sistema Ticketmaster al teléfono 5325-9000.
RECORDARÁ ALBERTO ZUCKERMANN OBRA DE EUGENIO TOUSSAINT
México, 18 May. (Notimex).- En homenaje al jazzista Eugenio Toussaint (1954-2011), el pianista y crítico musical Alberto Zuckermann –ambos mexicanos- ofrecerá mañana una Sesión de Escucha, donde se expondrán los documentos musicales del homenajeado, quien tuvo una activa y fructífera carrera desde 1976, informó la Fonoteca Nacional.
Dicho encuentro es realizado en el marco del ciclo "Figuras del jazz mexicano", lo organiza la Fonoteca Nacional y tiene como objetivo conocer y disfrutar a los exponentes de este género, a lo largo de las últimas décadas.
Las Sesiones de Escucha crean un espacio que integra comunidades en torno a diferentes objetos sonoros. Se trata de sesiones públicas en donde los asistentes se reúnen para escuchar y comentar grabaciones de audio.
Dirigidas por especialistas invitados, en estas sesiones converge el conocimiento e información de la figura, a fin de que el público asistente recorra las piezas musicales, como si se tratará de un sendero sonoro.
El objetivo de este ciclo es ejercitar las técnicas de escucha, mediante la sensibilización del oído y con ello ampliar nuestras posibilidades auditivas.
A lo largo de 35 años, Eugenio Toussaint Uhthoff (1954-2011), logró, con su creatividad, darle un sello propio a su actividad jazzística, a través de dos vertientes: el grupo Sacbé mismo que haría historia por sus trabajos en el jazz mexicano y el Eugenio Toussaint Trío.
Nació en la Ciudad de México el 9 de octubre de 1954 e inició su carrera profesional a los 18 años, con una formación autodidacta. Fue hasta 1974 cuando estudió en forma privada armonía para piano con el maestro Jorge Pérez Herrera y técnica pianística con Néstor Castañeda.
A sus 21 años se integró a la banda Blue Note, dirigida por el contrabajista mexicano Roberto Aymes, con quien se presentó por toda la República Mexicana y realizó sus primeras grabaciones de música original.
Un año después fundó el grupo Sacbé, mismo que haría historia por sus trabajos en el jazz mexicano.
En 1979, junto con sus hermanos Enrique y Fernando, viajó a los Estados Unidos y forma una nueva versión de Sacbé en la ciudad de Minneapolis.
En 1980 recibió una beca del gobierno mexicano para estudiar en la Dick Grove Music Workshops en la ciudad de Los Angeles California, en donde conoce a Jon Crosse saxofonista norteamericano con quien forma una nueva versión de Sacbé.
Ese mismo año realizó estudios de orquestación con el maestro Albert Harris. Mientras que de 1982 a 1983 trabajó con el trompetista Herb Alpert y con el cantante Paul Anka, como director musical.
En 1986 regresó a México para desempeñar principalmente su papel de compositor de música de cámara.
En 1989 el Sindicato Unico de Trabajadores de la Música le otorga la Lira de Oro, máximo reconocimiento otorgado por el gremio.
De 1990 a 1991 estudia técnica pianística con el maestro Leopoldo González, y recibe la comisión para escribir 17 arreglos sinfónicos de música popular mexicana para la serie discográfica "México de mis Amores".
En 1990 estrena la pieza "Hijo de la Ciudad" para orquesta de jazz y piano comisionada por el festival Latino de Nueva York en México, y en 1991 estrena las piezas sinfónicas "Popol-Vuh" y "Concierto para Violoncello y Orquesta #1".
Más tarde en 1992 estrena "Danzas de la Ciudad", comisionada por el Octavo Festival del Centro Histórico, y "Gauguin", concierto para arpa y corno inglés.
En 1993 estrena la "Suite de las Ciencias", comisionada por la Universidad Nacional Autónoma de México, para la inauguración del Museo Universum. Este mismo año, el poema sinfónico Popol-Vuh es interpretado por la Orquesta Nacional de Bélgica, en el marco de Europalia 93.
De la misma forma se interpreta la pieza en México, con la Orquesta Sinfónica Nacional, La Orquesta Filarmónica de la UNAM, la Orquesta de Aguascalientes y la Sinfónica Carlos Chávez. El concierto para violoncello y orquesta es interpretado por la Orquesta Filarmónica de la UNAM.
Sus piezas han sido interpretadas, entre otros, por la Orquesta Sinfónica Nacional, la Orquesta Filarmónica de la UNAM y el Cuarteto Latinoamericano.
Además de Horacio Franco, la Orquesta Sinfónica "Carlos Chávez", la Camerata de las Américas, la Orquesta de Jazz del Berklee College of Music y el Curtis Ensemble, además de haber recibido en dos ocasiones una beca del Fondo Nacional para la Cultura y las Artes.
Concluye Taller de Jazz impartido por grandes maestros
Satisfactoria la convocatoria al Curso-Taller “El
Jazz y la improvisación” que se realiza en el Teatro Juárez del 11 al
14 de mayo, convocando alrededor de 100 jóvenes músicos que se suman
al reconocimiento que el encuentro cultural Mayo en Oaxaca. ¡Una
fiesta para todos!, rinde homenaje a la cultura afrodescendiente de la
Costa Chica de Oaxaca, retomando la temática de la proclama de la ONU
“2011, Año Internacional de la Cultura Afrodescendiente”.
Con la oportunidad de ofrecer proyectos musicales encaminados a la
formación y capacitación a jóvenes con talento interpretativo en este
género musical, la Secretaría de las Culturas y Artes del gobierno del
estado abre este espacio y convoca, a través de la fundación Jazzfest,
A.C., la participación de reconocidos maestros del Berklee College of
Music, con la finalidad de transmitir conocimientos a los jóvenes y
difundir el jazz traspasando fronteras.
En entrevista, el italiano Marco Pignataro, maestro egresado del
Berklee College of Music, con más de 20 años de trayectoria como
instructor de música, manifestó que el jazz surge como una cultura
afroamericana pero se ha convertido en una forma internacional de
improvisación y conocimiento de otras culturas, “más aun cuando los
músicos conocen de forma amplia y a fondo estos elementos”.
En su oportunidad, el maestro Bernardo Hernández (Venezuela), también
egresado del Berklee College of Music, comparte que hay una muy fuerte
conexión del Jazz de Africa y la parte latina en donde se hace la
interacción de estas dos culturas muy interesantes… manifestó su
alegría por el reconocimiento que nuestro estado otorga a la cultura
afrodescendiente, además de estar sorprendido por el interés de los
oaxaqueños en el taller de Jazz.
Por su parte el director ejecutivo de la Fundación Jazzfest y director
general del Seminario y Encuentro Internacional de Jazz, Javier Flores
destaca el gran talento oaxaqueño y, asegura, que la tradición de la
educación oral a través de la música es impactante en Oaxaca., “el
objetivo del taller es encontrar a nuevos talentos y becarlos para que
continúen sus estudios”
Javier Flores manifestó su interés por trasladar a esta ciudad capital
el Programa del Seminario y Encuentro Internacional de Jazz, proyecto
que es reconocido a nivel nacional, fundándolo en 1997. “A través de
este seminario se ofertan herramientas teórico-prácticas para acceder
al mercado laboral de la industria del entretenimiento”.
Finalmente, Alberto Moreno, director de la Big Band-Jazz Oaxaca,
manifestó sentirse satisfecho por la trascendencia de la convocatoria
dirigida a los jóvenes músicos oaxaqueños, ya que “nuestra música es
la fusión de la tercera raíz con nuestra diversidad cultural
fusionándose –en un principio- con el Blues y culminando con el Jazz”.
Agregó que gracias a la sensibilidad del actual titular de la
Secretaría de las Culturas y Artes, Andrés Webster, fue posible
realizar este encuentro cultural en donde se convocó la participación
de la juventud oaxaqueña; asmimismo destacó que la Organización de las
Naciones Unidas (ONU) “se tardó demasiado en decretar el año de la
afrodescendencia, ya que este movimiento se dio hace siglos y no es
necesariamente racial sino cultural” y recalcó “Oaxaca es el ombligo
cultural de México con el Mundo”.
LA RADIO - FINAL
Antonio Malacara
Ni espejismo carretero ni broma de los inocentes: Alternativa FM transmite
siete horas diarias de jazz por medio de tres programas. José Antonio
Richkarday, director de radiodifusoras del sistema de Radio y Televisión de
Aguascalientes, se encarga personalmente de la producción del primero de
ellos, Tan ligero como una pluma, con título que evidencia el contenido y
justifica el horario: lunes a viernes, de 10 de la mañana a una de la tarde.
David García es responsable de Algo nuevo, algo viejo (jazz clásico con
eventuales vistazos a las novedades) y El octavo día (cápsulas históricas
ilustradas con el sonido de cada época). Los dos se transmiten de lunes a
viernes; el primero es de 17 a 19 horas y el segundo parte el día de 11 de
la noche a una de la madrugada. David es un ingeniero industrial que hace 36
años prefirió dedicar su vida a poner música en el aire.
Rematando la semana, Juan Manuel Muñoz llega todos los sábados, de 18 a 20
horas, con El lado jazzeado de la calle (nos acordamos de Raúl Malacara
viajando con Ella Fitzgerald). Juan Manuel produce también programas de
blues y de rock progresivo en esta misma estación, que, evidentemente, es un
claro ejemplo de actitud y compromiso. Alternativa FM se sintoniza en el
También en Aguascalientes, pero en Radio Universidad, tenemos Jazz ayer y
hoy, producido y conducido por Víctor Manuel Meza, lunes a viernes, de dos y
media a tres de la tarde, recorrido por el jazz de todos los tiempos, en la
vena histórica que lo mismo lleva a Víctor Manuel a producir programas sobre
la historia de la radio en Aguascalientes o a hacer especiales sobre las
leyendas locales y la tradición oral.
Por otro lado, pero en la misma frecuencia, está Sergio Rodríguez Prieto,
catedrático en el Departamento de Derecho de la Universidad Autónoma de
Aguascalientes (UAA) y fundador de Radio Universidad (13 de enero de 1978).
Desde aquel entonces, hace ya 33 años, Rodríguez Prieto ha programado jazz
en sus diferentes aromas y presentaciones. Hoy se encarga de Club de jazz,
que sube al aire martes y jueves a las 10 de la noche, para transmitir
conciertos o discos completos, con las razones previas del maestro.
de televisión en octubre de 2010, Rodríguez Prieto subió su Club de jazz a
la pantalla y ahora, todos los días, se proyectan nuevos esquemas de su
pasión jazzística. La producción televisiva de la universidad es todavía muy
reducida, y por esta razón sus programas se repiten en diferentes horarios a
lo largo de la jornada aguascalentense (o hidrocálida, pues).
Uniradio 99.7, la estación de la Universidad Autónoma del estado de México,
cumplió cuatro años de vida en febrero pasado, y desde su nacimiento Gastón
Pedraza ha producido Fraseo bop, que se transmite de lunes a viernes, a las
12 horas, con guión y conducción de la melómana Miriam Martínez. Guille
Bernal, colaborada del programa, comenta que en repetidas ocasiones ha
invitado a los músicos mexicanos para que vayan a sus instalaciones en
Toluca o para que envíen sus grabaciones, pero como la respuesta ha sido
nula, no les queda más que programar jazz gringo y algunas cosas de Europa.
En el mismo valle de Toluca está Radio Mexiquense, con señal en los 1600
kilohercios de amplitud modulada y los 91.7 megahercios de frecuencia
modulada. Ahí, en ambas frecuencias, el músico René Thompson produce y
conduce Jazztamos, con selecciones explícitamente extranjeras y sin interés
alguno en la producción local (incluida su propia música). Esto va al aire a
las nueve de la noche; los martes por FM y los viernes por AM. En la red
Los mejores músicos punto Imer está por cumplir un año. La producción está a
cargo de Germán Palomares Oviedo, quien además comparte la conducción con
Armando Báez, Dagmar Ruiz y Jaime Almeida. Esto es los domingos a las cinco
de la tarde en Horizonte 107.9 (ciudad de México), pero además se
retransmite en Estéreo Istmo, 96.3 FM (Salina Cruz, Oaxaca, los sábados a
las 11 horas); Órbita, 106.7 FM (Ciudad Juárez, Chihuahua, los domingos a
las 12 horas); Radio Imer, 540 AM (Comitán, Chiapas, los domingos a las 13
horas); Yucatán FM, 92.9 FM (Mérida, Yucatán, los domingos a las 13 horas);
Fusión, 102.5 FM (Tijuana, Baja California, los lunes a las 23 horas).
Lo más reciente en estos quehaceres se llama Jazz de México, serie a cargo
de Jorge Canavati que comenzó en septiembre del año pasado como “especial de
bicentenario”. Originalmente estaba proyectada para transmitirse cinco días
y adiós, pero la buena respuesta del auditorio llevó a convertirla, desde el
6 de marzo, en una emisión semanal. Lo más sorprendente de todo es que Jazz
de México es una producción de la KRTU, emisora de San Antonio, Texas, que
con esto se convierte en la primera estación extranjera con un programa
especializado en jazz mexicano. Bien por Canavati. Puede sintonizarlo todos
los domingos, a las 8 PM (hora del centro), en el 91.7 de FM o en
Hay más, por supuesto. Pero por el momento tendremos que parar aquí, pues
los buenos discos se apilan en el escritorio y jazz tiempo de hablar de
ellos. Nos vemos.
Karlhos Misajel
El Sonido Moderno del Saxofón Contemporáneo
AGENCIA PRESS .-
Compositor nacional con una creciente proyección internacional, Karlhos
Misajel, empieza a ser reconocido a nivel internacional gracias al
sonido moderno que le imprime al saxofón contemporáneo en los escenarios
del Perú, gran parte de Latinoamérica y Estados Unidos. Ahora alista el
lanzamiento de su primer disco doble en solitario en el que recopila
sus mejores temas con “Misajel UDD-Smooth Jazz” y “Misajel /
Escamilla-Jazz (Live México) para el próximo jueves 5 de mayo a las 9
de la noche en el Cocodrilo Verde.
Acompañado de destacados músicos de
nuestro medio Karlhos Misajel, demuestra gran destreza al realizar
solventes ejecuciones de saxo alto, tenor y soprano que le permite
transitar por un mundo de llaves, boquillas y melodías. En este disco
interpreta smooth jazz con impresionantes ejecuciones de saxo.
Durante muchos años se ha nutrido de la
música contemporánea y hoy Karlhos Misajel transmite una serie de
emociones y sentimientos que confirman su gran pasión por el saxo desde
los 15 años de edad cuando decidió ingresar al Conservatorio nacional de
Música.
Desde ese momento a la fecha Misajel ha
paseado su talento por varios países y ha recibido numerosos
reconocimientos durante su fructífera carrera fuera del país.
Recientemente ha sido convocado por la
marca Barkley Mouthpieces de Sao Pablo teniendo su propio accesorio y a
su vez P. Muriat Saxofones lo ha requerido para que sea su artista
exclusivo convirtiéndose en el primer saxofonista peruano en representar
tan importante marca mundial de saxos.
Desde el 2,007 Karlhos empieza a ser
reconocido en el mundo musical como: España, México, Canadá, Brasil,
entre otros. Ha sido invitado en varias oportunidades a realizar giras
por México, donde grabó el CD LIVE SESSION MEXICO junto a Adrián
Escamilla (Saxo), Nicolás Santella (Piano), Juan Ale Sáenz (Batería) y
Agustín Bernal (Contrabajo). Paralelamente, realiza conciertos y Master
Class Series en la prestigiosa “Academia de Música FERMATTA” (México
D.F. 2009) y en los más importantes escenarios del Jazz mexicano actual.
Karlhos también ha sido invitado por el
consagrado Conservatorio Internacional de Música “Souza Lima &
Berklee” (Sao Paulo - Brasil 2009) para ser miembro de su facultad de
música y a su vez, del “CLAEM” (Centro Latinoamericano de Altos Estudios
Musicales).
Misajel ha formado parte de la bandas de
artistas como Diego Bertie, Jorge pardo, Guajaja, Fabiola de la Cuba y
actualmente forma parte del staff musical de Gianmarco. También ha
compartido escenario con Alex Acuña, Ramon Stagnaro, Fonseca, Alejandro
Sanz, Diego Torres, Juan Luis Guerra, entre otros.
REUNIRÁ CICLO EN ABRIL A DESTACADOS JAZZISTAS
Iraida Noriega, Trío Mexicano de Jazz, Alejandro Campos Jazz Quartet, Alberto Zuckermann Trío, Klezmerson, Zero Point y Jazz in Opposition, son algunos de los invitados al ciclo "Por lo tanto... jazz", que durante abril albergarán tres foros capitalinos.
A lo largo de 10 jornadas, el público podrá conocer una parte de lo más destacado del género en México, comenzando el 2 de abril en el Antiguo Palacio del Arzobispado, que recibirá a la mexicana Iraida Noriega, acompañada por Aarón Cruz (bajo), Tavo Nandayapa (batería y percusiones), Armando Montiel (percusiones) y Carlos Sustaita (piano y teclados).
El primer programa estará formado por "Canto en las ramas", de León Gieco; "Ofrenda", de Guadalupe Galván e Iraida Noriega; "Luz en tus ojos", "No quiero ser", "Adiós farolero" y "Caracolito", de Noriega; "Vida mía", de Tania Guzmán; "La muñeca fea", de Francisco Gabilondo Soler "Cri Cri", y "La bruja", canción popular mexicana.
El domingo 3, en el Museo José Luis Cuevas se desarrollará "Acuarela Do Brasil", con las actuaciones de Lourdes Ambriz en la voz, Ángel Chacón en la guitarra electroacústica y Juan Luis Gedovius en las percusiones.
Interpretarán obras de Antonio Carlos Jobin, Chico Buarque de Holanda, Vinicius de Moraes, Ary Barroso y otros importantes compositores, que han dado luz propia a la música de Brasil.
El sábado 9 tocará el turno, en el mismo recinto, al Trío Mexicano de Jazz, integrado por Roberto Arballo, Jaime González y Víctor Patrón. En ese mismo espacio, pero el domingo 10, actuará Alejandro Campos Jazz Quartet y le seguirá el Trío de Alberto Zuckermann el sábado 16 en el Antiguo Palacio del Arzobispado.
En el Museo Cuevas se presentarán Carlos Tercero (piano), Jorge Cristian (saxofón), Manuel Fernández (bajo eléctrico), Oscar Barbosa (batería) y Martín Arano (percusiones) el domingo 17; Zero Point (Improvisaciones) el sábado 23 y el ensamble Klezmerson el domingo 24.
El viernes 29 de abril, la Sala Manuel M. Ponce del Palacio de Bellas Artes abrirá sus puertas a Alberto Zukermann y su piano, mientras que el domingo 30 se cerrará el ciclo en el Museo José Luis Cuevas con el grupo Jazz in Opposition, con un programa de improvisaciones.
Morelia, Mich., a 24 de marzo del 2011.- Con la presencia de más de mil 500 personas, en su mayoría jóvenes, inició el 9º Jazztival Michoacán, en el que la presencia del Joachim Mencel Trio de Polonia, acercó a los asistentes a un lenguaje inspirado lo mismo en la raíz popular de la obra del compositor polaco más famoso, Frederic Chopin, que en los rasgos musicales contemporáneos de la música académica.
El concierto que se prolongó durante casi dos horas y la continua interacción del público con los tres intérpretes liderados por el compositor, pianista, arreglista y catedrático del Conservatorio de Cracovia, Joachim Mancel, fue antecedido por el acto protocolario, durante el cual el secretario de Cultura de Michoacán, Jaime Hernández Díaz, recordó que en la administración gubernamental encabezada por Leonel Godoy Rangel, quedó plasmado en el Plan Estatal de Cultura 2008-2012, el programa “Presencia viva de Michoacán a través de sus festivales culturales” con el cual se busca mantener un liderazgo en aspectos como la educación y formación de músicos profesionales en el plano nacional e internacional.
De tal modo que el Jazztival, dijo, es uno de los pocos encuentros que apoya la labor de músicos mexicanos y sobre todo, michoacanos, además de extender su impacto a otros municipios, por lo que agradeció a la Universidad Michoacana de San Nicolás de Hidalgo, el sumarse a este festival para llegar a un público estudiantil en los nuevos campus de la Máxima Casa de Estudios, razón por la cual en el 2011, las extensiones llegarán a 8 municipios (Tingambato, Ciudad Hidalgo, Lázaro Cárdenas, Huetamo, Uruapan, Puruándiro, Zamora y Pàtzcuaro), además de los 4 conciertos, las master class y la presentación del libro Coloraturas y silencios de Gaspar Aguilera, en la capital michoacana.
Ante la presencia de Agnieszka Magdalena Zyglado, agregada cultural de la Embajada de Polonia en México, Juan Alzate –director Artístico del Jazztival- agradeció el apoyo económico y de organización de la Secum y la Universidad Michoacana, y no dudó en reconocer la confianza y la asistencia de un público cada vez mayor.
A su vez, el rector de la UMSNH, Salvador Jara Guerrero, mencionó que entre los objetivos de la Casa de Estudios que dirige, destacan los de la difusión cultural, razón por la cual este año decidieron aceptar la invitación de la Secretaría de Cultura para impulsar al jazz, música que gusta a los universitarios.
Cabe señalar que el Jazztival, fundado hace ya 9 años, ha querido dar cabida a los grupos de jazz que trabajan en México y que han desarrollado una propuesta original, al considerar que los jazzistas mexicanos, en la última década, han tenido una gran presencia nacional e internacional, a pesar de que aún faltan foros para que muestren su trabajo, por lo cual este festival busca ser un escenario nacional de calidad, junto con las propuestas de los jazzistas de Latinoamérica, Europa y Estados Unidos.
Al extender la invitación a países extranjeros, se ha buscado enriquecer el jazz mexicano a través de la interacción de músicos provenientes de diferentes culturas y educados en otras escuelas.
El Jazztival ha dado cabida también a la enseñanza musical a través de las clases magistrales que diversos músicos extranjeros y nacionales han ofrecido, con la intención de generar opciones para la formación de jazzistas mexicanos, pero fundamentalmente para los exponentes del género en Michoacán.
Así, con los acordes de ensambles de Michoacán en homenaje a Eugenio Toussaint, del reconocimiento al músico de Uruapan, Rodolfo “Popo” Sánchez y su grupo Yasu y el cuarteto del saxofonista de prestigio internacional Bobby Watson, se complementará la programación del Jazztival 2011, al que se suman 13 conciertos en Morelia y el interior del estado.
Entre el funk y el rock, Aguamala apuesta por un sonido de calidad
NOTIMEX
2011-03-13 10:26:00
* Ofrece concierto al lado de la cantante Eugenia León
México, 13 Mar. (Notimex).- "El público debe conocer nuestro espectáculo porque lo hacemos de corazón y no hay ninguna mentira en nuestro trabajo, y porque es un sonido muy particular que poca gente trabaja, no porque seamos únicos, pues ya no hay nada único en el mundo de la música".
Así se expresó el músico y baterista mexicano Fernando Toussaint, durante una entrevista con Notimex, minutos antes de iniciar el concierto programado para la noche de este sábado en el Teatro de la Ciudad "Esperanza Iris", donde el grupo Aguamala compartió el escenario con la cantante Eugenia León.
Dijo que además de que él y la banda tienen un sonido fresco, el espectáculo que ha montado es una gran experiencia acústica. "Para la gente que no nos conoce resulta siempre muy atractivo, y quienes nos siguen, vienen a ver qué vamos a estrenar, dos números que nunca hemos tocado", añadió el artista.
El baterista de fama internacional adelantó que en el concierto tocarían el repertorio que conoce la gente que se ha declarado fan. "De los cuatro discos que tenemos en el mercado, vamos a hacer un extracto de lo que la gente quiere escuchar, lo que significa que va a haber un poquito de todo", comentó.
Más adelante, el entrevistado mencionó que el programa preparado para esta ocasión fue pensado para que el público se encontrara con "una fórmula un poco distinta a lo que la siempre esperan de mí, porque la gente cree que soy jazzista ortodoxo, pero realmente la banda no es de jazz ortodoxo para nada".
Explicó que es una combinación de muchas cosas. "Tocando con una banda de jóvenes de Playa del Carmen, y la combinación que se da entre lo que escuchamos y las influencias que tenemos cada uno de nosotros, nace un sonido particular, más cerca del rock y el funk de finales de los años 70".
Más adelante, Toussaint manifestó que un motivo de gusto y orgullo radica en que en sus conciertos, "tenemos desde niños hasta gente mayor, y eso nos llena de satisfacción. En esta ocasión se va a ver muy claro porque vendrá gente de la Ciudad de México que ya conoce a la banda y público nuevo".
Luego, abrió el concierto con música de fondo, una obra del recientemente fallecido hermano del entrevistado, el maestro Eugenio Toussaint. Hubo una pieza, "Si perdiera la vida", que le dedicó a su hermano a manera de homenaje no público, más bien íntimo, callado, "porque todos lo llevamos muy dentro".
Eugenia cantó "Luna", tema que la gente le pide mucho en cada presentación y que con el grupo suena muy distinto, además de dos piezas de su nuevo material. Una es "De tripas corazón", de Marcial Alejandro, y otra que se llama "La gente merece ser feliz", las cuales el público celebró con grandes elogios.
Fue en realidad una fina mezcla de influencias, con base en el jazz, sonidos eléctricos y toques de funk y rock, emergiendo desde las profundas y cálidas aguas azul turquesa del Caribe mexicano. ¿El resultado? El sonido de Aguamala, con sello propio y parecido a nada, una propuesta musical de calidad.
La banda integrada por Fernando Toussaint en la batería, Enrique Pat en los teclados, Bernardo Ron en las guitarras y Luis Ernesto López en el bajo, se ha consolidado como la anfitriona del Festival de Jazz de la Riviera Maya los últimos años y ha compartido el escenario con grandes músicos y grupos.
Entre ellos, Marcus Miller, Gino Vannelli, Screaming Headless Torsos, Tom Custer, Tower of Power, George Benson, David Samborn, Cool and the Gang, George Duke, Ivan Lins, Caribean Jazz Project y Mint Condition, entre otros, y ha participado en los discos acoplados del festival desde el 2004 a la fecha.
A Aguamala le gusta ser conocida como una banda de jazz funk rock, con material original y un toque mexicano, y ha desarrollado de manera orgánica y natural la búsqueda de un sonido propio. A través de los años se ha forjado un lenguaje común que resulta natural para la banda que explora en el sonido.
Tino Contreras: 52 años en el jazz
Es todo un show verlo y oírlo en la batería. Foto: Archivo
Repondrá su "misa", mientras terminan documental
El Sol de Cuernavaca
11 de marzo de 2011
Igor Valdez
México, 10 mar (OEM-Informex).- Avanza a todo tren la realización del documental sobre la vida y obra de Tino Contreras, ese gran maestro del jazz que, sencillamente, es historia de la música en nuestro país.
Mexicano, chihuahuense, "griego", "turco" o "argentino", ciudadano del mundo, el célebre baterista y compositor se siente "muy emocionado" ante el próximo estreno del documental, del cual, dice, llegará a diversos rincones del planeta donde ha tocado este icono musical de México.
La productora PyP tiene a su cargo la realización, Tino informó que entre otros planes tiene el de presentar próximamente su Misa en Jazz en Córdoba, Veracruz, donde precisamente ofreció un exitoso concierto el pasado mes de febrero en el teatro Pedro Díaz, patrocinado por Jorge y Tere Morante, apasionados del jazz que apoyan la obra de "Tinacus Contrerópulos".
Tino festejará su cumpleaños el venidero 3 de abril, justamente con una velada de jazz, una noche antes, en la Casa Azul de la colonia Roma.
Tino está celebrando, por cierto, 52 años de carrera artística.
Eurojazz 2011, sin rigor selectivo
Antonio Malacara/ La Jornada
Antes de proseguir con nuestro recuento del jazz en la radio nacional, volteemos un instante hacia el festival Eurojazz, que ayer viernes inició su décima cuarta edición. Nunca habíamos lanzado crítica alguna hacia esta fiesta porque, obviamente, siempre es y será un placer recibir en casa la música de cualquier parte del mundo… y el jazz europeo, pus nomás imagínense. Pero además todo era (es) un obsequio de la Unión Europea para los jazzófilos mexicanos; todos los conciertos son de entrada libre; lo único que hay que hacer es llegar temprano para alcanzar un buen lugar entre los miles y miles de asistentes que año con año se dan cita durante 10 o 12 días en el Centro Nacional de las Artes (Cenart).
¿Pero vale la pena? Pues a veces sí, y mucho. Ahí ha sonado el virtuosismo de pianistas como Franck Amsallen (Francia) y Milan Svoboda (República Checa), el crossover austriaco de Cris Cross, las impresionantes percusiones del belga Chris Joris, el romanticismo de Chopin revisitado por el Andrzej Jagodzinski Trío, lo mejor del jazz italiano con Giovanni Tommaso (contrabajo) y, años después, Enrico Intra (piano), la saxofonista holandesa Tineke Postma, el saxofonista sueco Jonas Kullhammar, o el excelente trompetista argentino –naturalizado sueco– Gustavo Bergalli. Por supuesto que suelen llegar músicos de primera línea.
Lamentablemente, abundan también los días grises, como de broma macabra, donde el Cenart es asaltado por una retahíla de mediocridades o grupos improvisados (esto último en la peor de sus acepciones) que en cualquier forma son bendecidos y ovacionados por nuestros emocionados paisanos. Al parecer, esto de aplaudirle a cualquier cosa es un mal endémico que este país ha padecido desde hace mucho tiempo, y que el humor involuntario de los publicistas percibe como “la enorme calidez del público mexicano”.
¿Existe algún filtro o comité de selección que programe o diseñe la oferta del Eurojazz? No. Cada una de las embajadas de la Unión Europea decide por su cuenta a quién invitar y a’i después le avisan a las autoridades del Cenart cómo van a estar las cosas. Se convoca entonces a una rueda de prensa y empieza así la difusión de este “viaje sin escalas por el mejor jazz europeo”. Aunque muchas veces sólo nos enfrentemos a estudiantes de medio pelo y con buenas palancas, que sólo alcanzan a deprimirnos para preguntarle al aire quién es el culpable de esta farsa.
A veces es la buena voluntad que se desborda y a veces son los acuerdos interinstitucionales, pero la promoción incondicional del Eurojazz ha llegado incluso a espacios tan importantes como Escenarios, el programa sabatino de Canal 22 donde a José Areán y a Gerardo Kleinburg les ha dado por armar una suerte de oasis televisivo.
El sábado 26 de febrero, la primera parte de Escenarios estuvo dedicada al Eurojazz 2011, teniendo como invitado especial a Roberto Vázquez, director del Cenart. Y vaya… Kleinburg y Areán se guardaron de comentar nada para presentar los videos que había llevado el ingeniero Vázquez con selecciones del año pasado (seguramente no sabían ni qué iban a poner). Así, pudimos ver primero a Ángela Tröndle, una desangelada cantante austriaca sin mucha imaginación para el scat y con un registro bastante limitado, aunque acompañada por buen pianista y un nervioso saxofonista que por momentos pulsaba el clarinete bajo. Después llegó el circo checo de Rhythm Desperados, tiesos, elementales y con un saxo de amplísima sonrisa que interactuaba con el público al momento de obsequiarles temas pop como Sonny o pedacería de Bésame mucho y Para Elisa; aunque eso sí, con un apoteósico encore de Michael Jackson.
¿Por qué elegir a estos dos grupúsculos para la promoción televisiva, habiendo tanto de donde escoger?
Y esto no es lo peor. Creámoslo o no, todavía hay más. Para la rueda de prensa de este año (a la que no asistimos), el grupo invitado era ni más ni menos que el trío “francés” de Andrea Balency. Y tuvimos que entrecomillar el gentilicio porque estos cuates (al menos el baterista y el contrabajista) son del norte del valle de México, por los rumbos de Satélite. A Andrea, cantante, tecladista y líder de la banda, la conocimos personalmente en el festival E-Jazz 2010, en la capital poblana, y lo que más nos sorprendió de ella fue esa profunda asimilación del español y su fonética mexicana; al platicar tras bambalinas, evidenció un acento más chilango que las tortas de tamal. Sonreímos.
Por último –y éste es el meollo del melodrama– apuntaremos que el trío de la Balency sencillamente no sabe tocar, y meno jazz (de hecho ni siquiera lo intenta). El contrabajista no termina nunca de afinar su instrumento; el baterista es exageradamente elemental, y Andrea, a pesar de su buen timbre de voz, causa pena ajena cuando le da al teclado eléctrico; cualquier niña de cualquier escuela de música haría mejor papel.
Claro que suena fuerte lo que decimos, pero esta es la verdad verdadera. En Puebla nos salimos después del segundo tema y nos fuimos a cenar con otros tres productores de la radio local. Cuando le preguntamos al director de E-Jazz por qué había invitado a un grupo tan malo, se disculpó y dijo que se lo había impuesto la Alianza Francesa, uno de los patrocinadores del festival.
Por fortuna, no todo es malo. Sabemos que el Eurojazz 2011 va a cerrar con jazzistas de verdad, con el cuarteto y la solvencia del trompetista sueco Anders Bergcrantz. Salud.
ETERNO CAMALEÓN DEL JAZZ
Herbie Hancock leyenda viva del jazz contemporáneo se presenta en
Bellas Artes el 19 e Marzo a las 20:00 hrs. con su ultima producción
titulada The Imagine Project.
Herbert Jeffrey Hanccock (Chicago, 12 de abril de 1940), es un
pianista compositor que a la temprana edad de once presenta su primer
concierto interpretando a Mozart con la orquesta sinfónica de Chicago.
A lo largo de su carrera se a dedicado a explorar estilos que van
desde el gospel, bebop, y el blues, mientras que a su larga lista de
colaboraciones se suman los musicos mas representattivos en diversos
generos. Su experimentacion con sintetizadores y el jazz-funk en los
setentas lo ubica como un incansable explorador y camaloneico
interprete de estilos.
A los 20 años empieza su colaboración con músicos como Phil Woods Y
Oliver Nelson, y frima con la disquera Blue Note. Debuta en 1963 con
su album titulado Takin´off del cual se desprende la cancion Water
Melon Man, la cual la le brinda reconociemiento comercial en la radio.
Ese mismo año es convocado por Mile Davis para formar parte del su ya
legendario quinteto al lado de musicos como; Wayne Shorter , Ron
Carter, and Tony Williams. este evento marcaría su carrera e
influenciaría su estilo para siempre.
Su trayectoria inclutye la incursion en el cine y la television; para
el cine compone la musica para la pelicula de Michelangelo antonioni
Blow Up.
Entre su larga lista de logros se encuentra el haber incursionado en
cine y television; para el cine compone la musica para la pelicula de
Michelangelo antonioni Blow Up.
Herbie Hancock Se presenta en el Palacio de Bellas Artes el 19 e Marzo
a las 20:00 hrs. dentro del marco del Festival de México.
Jazz
Las frecuencias en radio II
El pasado 13 de febrero, Live Jazz extendió por primera vez sus horarios de transmisión para rendir homenaje a Eugenio Toussaint. Este programa de Noticias MVS, a cargo de Carlos Mercado y Octavio Echávarri, corrió normalmente de ocho a 10 de la noche, dio paso después a La Hora Nacional, y a las 11 retomó la figura y las obras del maestro para girar ahí hasta las 12 y media. El invitado especial fue Germán Palomares Oviedo.
Live Jazz comenzó en junio de 2006 con un programa grabado de dos horas; seis meses después salió del aire, y Carlos y Octavio continuaron inmersos en sus conciertos internacionales con el mega ciclo
NY@MX, en el cual presentaban lo mejor del jazz contemporáneo. Pero en marzo de 2009 fueron requeridos nuevamente por los directivos de Multivisión (Pablo Islas, Gilberto Molina y Mariano Domínguez), y la mancuerna regresó en el mismo horario dominical, sólo que ahora con transmisiones en vivo y organizando conciertos en la amplia cabina que les asignaron. Se les localiza en el 102.5 de FM y en
www.noticiasmvsradio.com.
Después de leer la revista
Sólo Jazz, que para 1998 dirigía y editaba nuestro autoexiliado amigo Sergio Monsalvo, a Pepe Janeiro se le ocurrió musicalizar cada número de esta publicación y llevarlos a la radio de su natal Puebla. Así, renunció a su chamba en Sí FM (estación comercial poblana) para tocar las puertas de Radio BUAP (Benemérita Universidad Autónoma de Puebla) y poner en el aire la primera emisión de
Sólo Jazz, el 2 de junio de 1998.
Para el segundo programa, Pablo Argüelles, melómano irredento de aquella ciudad, se había integrado a la producción y la conducción. Si en la revista se hablaba de Thelonious Monk, en el programa se ponía la música de Monk; si después aparecía Parker, pues se hacía lo propio, y así sucesivamente, hasta que
Sólo Jazz desapareció como revista y el programa continuó transmisiones todos los lunes, de nueve a 10 de la noche, en el 96.9 de FM. Cuatro años después Jorge Fernández de Castro se integró al equipo de producción.
En la actualidad, a punto de cumplir 13 años de vida,
Sólo Jazz se transmite lunes y martes de nueve a 12 de la noche, y los domingos de 11 a 12. Su sitio en la red es
www.buap.mx. Pepe Janeiro emigró de Puebla y ya sólo colabora eventualmente con algún especial; no obstante, la mancuerna de Argüelles y Fernández ha permanecido al pie del micrófono y su trabajo es ya referencia obligada en el jazz poblano; de hecho, en los dos o tres festivales de jazz que se organizan anualmente por aquellas tierras, es imposible dejar de verlos, como periodistas, asesores o conferencistas (o como los tres papeles).
Pero resulta que hay otro Sólo Jazz; nada más que éste acaba de cumplir 20 años de vida –según nos informa Sara Valenzuela, productora y conductora del mismo–; se transmite en la frecuencia de la Universidad de Guadalajara (104.3 de FM); desde ahí Sara ha logrado armar un proyecto integral que trasciende con mucho los simples
ritos radiofónicos. Aunque si hablamos explícitamente de los rituales (y las responsabilidades) de la radio, Sólo Jazz ha cumplido íntegramente con uno de sus principales cometidos: la creación de nuevos públicos (y que valga el pleonasmo). Desde hace 10-15 años, los músicos, los conciertos y los jazzófilos se han multiplicado exponencialmente en todo Jalisco.
Además, alrededor de Sólo Jazz se han armado –vía Sara Valenzuela y Gil Cervantes– festivales, conciertos, seminarios, clases magistrales conferencias y otros tantos etcéteras que le dan al jazz en Guadalajara verdadero estatus de movimiento. Para agosto de este 2011 se llevará a cabo la quinta temporada de conciertos y el tercer seminario de Tónica. Antes, el 6 de junio, Valenzuela y Cervantes tienen ya preparado un concierto de Arturo O’Farrill. Nomás.
Sólo Jazz en Guadalajara se transmite lunes, martes y viernes, por Radio Universidad, de siete a ocho de la noche. Los jueves son noches control remoto desde algún concierto o algún bar y la señal se da de 10 a 11. En Internet puedes sintonizar todo esto desde
www.radio.udg.mx
Un poco más arriba, en la radio universitaria de Colima (Universo 94.9) Diana Peña produce y conduce el programa Vibración Azul, con todos los argumentos necesarios alrededor del blues y el jazz. Este ejercicio se inició en 2002, cuando los propios estudiantes de aquella universidad empezaron a meterse en la fonoteca local y programaban todo lo que les agradaba en una barra llamada Fusiones Blues y Jazz.
Poco después, Diana Peña y Angelberto Pibe Árcega tomaron la batuta para profesionalizar estrategias y contenidos, recibiendo aceptación total del estudiantado y de la comunidad colimense. El Pibe se fue luego a Guadalajara (acaba de regresar) y Vibración Azul quedó en manos de Diana. Se transmite todos los lunes de 11 a 12 del día con éxito creciente. Colima se ha jazzificado a tal grado, que ya preparan su primer festival, del 16 al 21 de mayo. Todo va bien.
Y todavía hay mucho de qué platicar alrededor del jazz en la radio nacional. Nos leemos. Salud.
El jazz, la música de la imaginación: Evan Parker
El saxofonista británico, uno de los padres del free jazz europeo, se presentará el 16 de marzo en el Teatro de la Ciudad Esperanza Iris con su cuarteto, como parte del fmx-Festival de México.
México.- En 1962, un joven saxofonista inglés había decidido seguir la carrera de biología en la Universidad de Birmingham. Sin embargo, en un viaje a Nueva York, al escuchar en vivo el grupo del pianista Cecil Taylor, su destino cambió: se decidió por la música.
Casi medio siglo después, Evan Parker, uno de los maestros europeos del free jazz, recuerda muy claro el impacto de ese concierto. “Fue algo muy especial, una combinación única. No era sólo Cecil Taylor —conocía su forma de tocar el piano por los discos—, sino un trío de larga vida con Sunny Murray y Jimmy Lyons. Eso fue antes de que vinieran a Europa y de que grabaran
Live at the Café Montmartre en Dinamarca. Tenían una química muy especial: nunca había escuchado una música así”.
Para Evans, en nuestros días el free jazz refleja la individualidad y el poder de la gente para vivir su propia vida. “Necesitamos más individuos que den su propio punto de vista. Las corporaciones globales le están diciendo a todos qué deben pensar. Creo que debemos alentar a la gente a pensar por sí misma, y tal vez el free jazz puede hacer esto, un poco”.
El saxofonista, que se presentará con su cuarteto en el fmx-Festival de México, afirma vía telefónica que “el free jazz es, ciertamente, la música de la imaginación. El conocimiento del futuro debe basarse en la imaginación y la intuición, que son facultades esenciales para el proceso de la improvisación”.
¿Cómo definiría la improvisación?
En improvisación lo que debes hacer es escuchar mucho, responder apropiadamente y aspirar a alcanzar el entendimiento musical en un grupo de música. Es un desafío.
Es curioso que Anthony Braxton y usted comparten como influencia temprana al saxofonista Paul Desmond, ¿qué le gusta de él?
El cuarteto de Dave Brubeck, donde tocaba Desmond, era muy popular cuando yo era adolescente. Me gusta su tono, la forma y la facilidad con la que alcanzaba las notas altas. Supongo que la relación con la música de Lee Konitz es algo de lo que me di cuenta más tarde: no puedes entender la música de Paul Desmond sin conocer la música de Lee Konitz, creo que el propio Desmond fue influido muy poderosamente por Konitz.
¿Qué otros músicos fueron importantes para usted?
John Coltrane, Eric Dolphy, Jimmy Giuffre. Tuve la buena suerte de escuchar en vivo a John Coltrane en 1961, una semana después de la gran grabación en el club Village Vanguard, en la banda en la que esta Eric Dolphy. Era la banda que vino a Europa la primera vez que Coltrane hizo gira con su primer grupo por Londres. Fue fantástico.
En nuestros días persiste una separación marcada entre el jazz del mainstream y el free jazz, ¿a qué cree que se deba?
Esencialmente hay dos formas de ver la tradición del jazz: una dice que en cierto sentido es un libro cerrado, si hablas de posibilidades de armonías o de secuencias de acordes. Eso no quiere decir que nadie puede aparecer con una secuencia de acordes interesante, pero ese es el sistema y su forma de acercarse a la música. Y, para mucha gente, eso es el jazz. Podrían incluir hasta la música de, digamos, Ornette Coleman, porque retiene elementos del ritmo, un poco de bajo caminante o algo que tiene afinidad con el lenguaje clásico del jazz. Por su parte, la improvisación libre está desarrollando gradualmente su propia historia; sus tradiciones se basan en filosofías un poco distintas.
Muchos músicos de free jazz han muerto empobrecidos o tienen dificultades para sobrevivir de esta música. ¿Cómo ha logrado mantenerse durante prácticamente medio siglo?
Si haces algo ambicioso siempre hay un riesgo. Algunas veces creo que se entra en esta música sin darse cuenta del elemento de riesgo que implica en términos de hacer una carrera o simplemente de sobrevivir, ganarse la vida, evitar la pobreza... No es algo tan fácil de hacer, pero alguien que se involucra debe darse cuenta que es difícil, que las puertas no se abren mágicamente.
¿Como se abrieron esas puertas para usted?
He tenido la fortuna de conocer a la gente adecuada en el tiempo adecuado. Hice la transición de depender de la escena londinense para tener la posibilidad de tocar en Europa, especialmente en Alemania y Holanda. Desde una etapa muy temprana de mi carrera hice conexiones muy sólidas con músicos como Han Bennink, Alexander von Schlippenbach, Peter Kowald, Peter Brötzman, Misha Mangelberg y una larga lista.
¿Qué le ha dado esta música espiritualmente?
El privilegio de permitirse dedicar una vida a esta música es algo que debo agradecer. Esa gratitud específica no está lejos de una sensación de algo que puedes llamar espiritual, en el sentido de que hay un aspecto benigno en el universo que responde bien si tú te comportas bien.
Xavier Quirarte
Jazz
José Sánchez El Tigre (1935-2011)
Antonio Malacara/ La Jornada
Diría Adán que esto no es más que una broma de mal gusto del buen Dios. El
jueves 22 de enero, los vecinos de la colonia Alborada, en el puerto de
Acapulco, llamaron a la policía para informar que el señor que vivía en la
casa de la esquina de Benito Juárez y Lázaro Cárdenas tenía dos días sin
salir, y que ya olía muy feo por ahí. Fue así como encontraron el cuerpo de
José Sánchez, uno de los más grandes bateristas de jazz que hayan existido
por estas tierras, y a quien todo mundo identificaba cariñosa y
respetuosamente como El Tigre.
Al momento de escribir estas líneas, el cuerpo del maestro continuaba en las
instalaciones del Servicio Médico Forense de Acapulco, pues éste sólo puede
ser entregado a un familiar, y su único hijo, residente en Cuernavaca, no ha
podido pasar a recogerlo. Y hay más: cuando preguntamos sobre este caso en
el SUTM (Sindicato Único de Trabajadores de la Música), nos dijeron que no
podían dar información alguna, pues había varios registros con el nombre de
José Antonio Sánchez, y no sabían (no sabíamos) el segundo apellido del
dichoso Tigre.
Después de un buen rato, y gracias a Gonzalo González, otro estupendo
pionero de la batería sincopada en México, pudimos localizar a Manuel Ríos,
el celebérrimo Solomillo (Puebla, 1940), quien desde su contrabajo logró
hacer mancuerna con El Tigre en innumerables ocasiones, y que de igual
manera vivía en Acapulco desde hace más de una década por recomendación
médica por un enfisema pulmonar. Fue él quien nos dio la información que
anotamos arriba.
José Antonio Sánchez López nació en abril de 1935 en la ciudad de Tijuana.
En la década de los 50 llegó al Distrito Federal y aquí, debido el pulso y
el filin que siempre trajo consigo, tocó la batería con los más grandes de
la época, como el trompetista Chilo Morán, el pianista Mario Patrón y el
saxofonista Ramón Negrete. En 1963, después de una exitosa temporada en el
bar La Concha, de avenida Insurgentes, Chilo Morán decidió dejar el grupo y
la dirección musical la heredó El Tigre, a pesar de que el resto de los
integrantes eran jazzistas de primera línea: Freddy Manzo (piano), Juan
Ravelo (sax tenor), Manuel Ríos (contrabajo) y José Sánchez en la batería.
Poco después formó el grupo Tijuana, con David Bohorques al piano, Adolfo
Sahagún en la trompeta, Esteban Fabela en el sax alto y Manuel Ríos en el
contrabajo. Fue así como intervinieron en el quinto Festival Nacional de
Jazz, en el teatro Insurgentes, organizado por el periodista José Luis
Durán, y del cual se desprendieron cinco elepés de colección. En 1964 volvió
a este festival, pero ahora como baterista del Cuarteto de Tomás Rodríguez.
La primera vez que nosotros pudimos verlo en vivo fue allá por 1975, en el
jardín que está atrás del cerro del Tepeyac, muy cerca de Zacatenco.
Solomillo en el contrabajo y Ramón Negrete en los saxos derramaban swing y
estilo, pero Javier Rodríguez (quien ahora tiene un grupo de blues en
Pachuca) y yo estábamos impresionados con el pulso, la expresividad y la
ecuanimidad del baterista. Nos acordamos de So what, de Miles Davis.
En México anduvo por todos lados. Con Larry Russell (saxo gringo-mexicano)
anduvo de gira por Holanda, y por su cuenta, con su propio proyecto, se fue
a tocar a Francia. Pero hay huecos de información que ni el tiempo ni los
presupuestos nos han permitido cubrir. Algo se deberá hacer.
Con el ir y venir y regresar de todos los días, se integró a la Orquesta de
Raúl Curiel (sobrino de Gonzalo Curiel) y de esta manera empezó a viajar
recurrentemente a Acapulco, donde era muy solicitada. Así, El Tigre conoció
a Macario Luviano, uno de los mejores jazzistas de la bahía, y en 1997, ya
con el diagnóstico de cáncer de próstata, decidió quedarse a vivir por allá.
En los últimos tiempos tocaba en el Siboney y en Las Brisas con el pianista
Ismael Alderete y con Manuel Ríos, su amigo de siempre, a quien se le
escucha la voz más triste que de costumbre.
Pero la nueva generación sigue empujando con fuerza, y este sábado 5 de
febrero se va a reunir para festejar los 15 años de El Convite (Ajuasco 79,
colonia Portales Sur) con un sinfín de palomazos. Alberto Aguilar dice que
la música va a extenderse hasta muy tarde, para que cualquiera pueda caerle
después de sus sabatinos compromisos.
A partir del miércoles 9 de febrero, Alberto Zuckermann impartirá el curso
Historia del jazz: sus estilos y sus grandes intérpretes. Esto se llevará a
cabo en la Fonoteca Nacional, todos los miércoles, de 17 a 19 horas, hasta
el 13 de abril, con un costo total de 400 pesos. Abarcará: Nueva Orleáns y
el jazz sureño; La expansión (Chicago y Nueva York); La era del swing; El
jazz moderno (bebop, cool y hardbop); La rebelión del free jazz; El jazz
rock y otras fusiones; El jazz actual en la Unión Americana; El jazz actual
en Europa, América Latina, y otras áreas. Vale.
SE PRESENTA NUNDUVA YAA EN EL FESTIVAL DE JAZZ DE LA ESCUELA SUPERIOR DE MÚSICA
El ensamble oaxaqueño “Nunduva Yaa” participará el sábado
12 de febrero participará dentro del XXXVI Festival de Jazz que se realizará
en la Escuela Superior de Música.
La presentación de Nunduva Yaa tendrá lugar el próximo sábado 12 de febrero
a las 19:00 horas en la Escuela Superior de Música que se localiza en
Fernández Leal 31 en Coyoacán en la ciudad de México.
En esta ocasión, en el 36 Festival de Jazz que se realizará del siete al 12
de febrero en la Escuela Superior de Música, se rendirá un homenaje a
Francisco Tellez, destacado compositor mexicano.
Dentro de la programación se contempla para el lunes 7 de febrero a las
12:00 horas la presentación de la Big Band de la Escuela Superior de Música,
dirigida por Hernando Castro; a las 13:00 horas, el Ensamble Retro. Dir.
Hanna Hiipakka.
Para las 14:00 horas suben al escenario “Incorregibles”, bajo la dirección
de Sósimo Hernández; a las 15:00 horas “Sibila de Villa”; a las16:00 horas,
Nicolás Santella Trío, una hora después,. Alberto Medina Trío con un tributo
a Wes Montgomery.
Continúa a las 18:00 horas “SHO Trío” de Hernan Hecht; a las 19:00 horas,
Alejandro Mercado y Dan Mazor, cerrando la jornada el Ensamble de Jacques
Landry.
Para el martes 8 de febrero al mediodía, tocará “Quinto Elemento” de Felipe
Gordillo; a las 13:00 horas “Papa Beto’s Big Band” dirigida por Roberto
Arballo, una hora después, “Heavy Brass Ensamble 7” dirigido por Antonio
Servín.
A las 16:00 horas, “Incorregibles II”, también dirigido por Sósimo
Hernández, una hora después el Jazz Workshop de la misma escuela; a las
19:00 horas el “Ensamble Jazz” de Pablo Wong y cierra el Trío
“Anguiano-Cruz-Lepe.
El mediodía del miércoles 9 de febrero participa el Taller de Jazz II
dirigido por Sósimo Hernández; a las 13:00 horas “Kayros Jazz Band”; a las
14:00 horas, “Gru-B Project” de Hernan Hecht y una hora después, Bossa Jazz”
bajo la dirección de Enrique Valadéz.
A las 16:00 horas, “Remi Álvarez Trío”; a las 17:00 horas, el Ensamble
Música Cubana de Pablo Wong, una hora más tarde toma el escenario el
Ensamble Vocal Hamadi; a las 19:00 horas el Ensamble de Josué Ybarra y
cerrará el día “Piano & Drums” con Jorge Fernández.
El jueves 10 de febrero al mediodía, inicia Israel Cupich, a las 13:00 horas
“Desensamblados” de Hernando Castro, a las 14:00 horas Boleroboseando de
Claudia Arellano y a las 15:00 horas “H70” de Héctor Ornelas.
Para las 16:00 horas se ha programado a Jazz Combo de Enrique Valadez; una
hora después el Taller de Jazz de la Escuela Nacional de Música; a las 18:00
horas el “Heavy Brass 14” dirigido por Antonio Servín, una hora después,
Christian Balderas Trío y concluye el día con la Orquesta de Salsa de la
Escuela Superior de Música.
Emmanuel Mora Trío abre la jornada del viernes 11 de febrero hacia el
mediodía, seguido del Ensamble de Jazz de Hugo Leyva “8 para las 2”; a las
14:00 horas, Hülsz-Kessler y Paz, más tarde, Transmisión Standard y a las
16:00 horas la Mini Banda de la misma escuela con cantantes y bajo la
dirección de Enrique Valadéz
A las 17:00 horas, Eduardo Plastro Trío, seguido de “Fábrica Blue”; para que
a las 19:00 horas tome el escenario el Ensamble Interval. Jazz de Jean
Israel y a las 20:00 horas “Proyecto Gecko” de Jorge Fernández
Finalmente, el sábado 12 de febrero, inicia “Proyecto Luana” de César Solís,
a las 13:00 horas “Hot Club México”; una hora después, Jazzito de Héctor
Ornelas; a las 15:00 horas actuará Sylvie Henry y más tarde, repite la mini
Banda de esa escuela.
Para las 17:00 horas el Drink Team de Héctor Ornelas; a las 18:00 horas
“Anacrusax” de Roberto Benítez; una hora más tarde, el Cuarteto de Jazz
“Nunduva Yaa” de Oaxaca y cerrará la Big Band de la Escuela Superior de
Música, bajo la dirección de Hernando Castro
Todos los eventos serán en la Sala Angélica Morales de la Escuela Superior
de Música y la entrada es libre, además que se realizará la transmisión en
vivo del festival en
www.jazzesm.or.
JAZZ
Antonio Malacara/La Jornada
De frente y de perfil, las preguntas sobre los programas de jazz en radio se multiplican y nos llevan al siguiente recuento. Antes, por supuesto, habría que insistir en que ha sido gracias a ellos –a los programas radiofónicos especializados– que el gusto y la pasión por el jazz se han extendido en nuestro país a través de los años y a pesar del mercado. Escuchemos.
El 31 de diciembre de 1959, Juan López Moctezuma (1929-1995) –cineasta, escritor, actor, productor, promotor y visionario– realiza la primera transmisión de Panorama del jazz en Radio UNAM. Se vivía entonces la así llamada "Época de Oro del Jazz en México" y el programa es todo un éxito de audiencia y contenido. Se empezó por la reconstrucción radiofónica del género, para pasar después a la revisión pormenorizada de las grandes escuelas y sus principales exponentes. La aceptación fue tal, que poco después se abrió un nuevo espacio bajo el nombre de El jazz en la cultura, también bajo la producción y conducción de López Moctezuma (por ahí anda un elepé conmemorativo de las dos emisiones).
La furia y el frenesí (instalados a perpetuidad) lo llevarían a radicar desde 1976 en Europa, pero como Radio Universidad no quiso abandonar ni el proyecto ni el gran auditorio de Panorama del jazz, convocaron a diferentes productores sustitutos con menor o mayor fortuna (el mismo Tino Contreras andaría un tiempo por ahí), hasta que en marzo de 1978 aparece Roberto Aymes (entonces líder del grupo Blue Note), con su impactante fonoteca personal y su enorme bagaje musical, para hacerse cargo del asunto.
Desde entonces, Roberto ha sido el responsable del programa más antiguo de la radio mexicana. La hora azul de XEW se inició tiempo atrás, pero no ha transmitido de manera ininterrumpida, como Panorama del jazz (es una lástima que en su 50 aniversario, a ninguna autoridad se le haya ocurrido un festejo del tamaño de la efeméride). En fin. Esta emisión la puedes escuchar de lunes a viernes, de 19 a 20 horas, en el 96.1 de Frecuencia Modulada (FM), o bien en www.radiounam.unam.mx.
Otro programa altamente disfrutable es La música que hace la diferencia, a cargo de Germán Palomares Oviedo, decano en los quehaceres radiofónicos desde 1970 y promotor incansable de la música clásica y la síncopa. Este proyecto, donde encuentras jazz en todas sus variantes y de todas las latitudes, se transmite domingo a domingo desde el 25 de agosto de 1993, de 16:30 a 18 horas, en la frecuencia que Radio UNAM mantiene en Amplitud Modulada (AM), en 860 kilohertz. Por supuesto, lo localizas igual en www.radiounam.unam.mx.
Alain Derbez llegó a Radio Educación en 1978, haciendo unos especiales de jazz-rock para El lado oscuro de la luna, clásico de la radio mexicana a cargo de Juan Villoro. En la actualidad, el maestro Derbez produce y conduce Datos para una historia aún no escrita, que iniciara poco después de la presentación del libro del mismo nombre (Editorial Ponciano Arriaga, 1994). Éste, especializado en jazz hecho en y desde México, se transmite en el 1060 de AM, los domingos de 21 a 21:30 horas, aunque muy probablemente este 2011 regrese a su horario original, los jueves de siete a siete y media de la noche. El resto del planeta lo puede sintonizar en www.radioeducacion.edu.mx.
En este minimérrimo recuento, resultaría imperdonable la omisión de Roberto Morales, la voz más identificable, inconfundible, de la radio en México. Durante toda la década de los años 80, y hasta marzo de 1992, don Roberto mantuvo al aire Jazz FM, una estación del grupo Radio Fórmula dedicada íntegra y exclusivamente al jazz, en el 104.1 de FM. Sus detractores (que nunca dejan de salir de las coladeras) lo tachaban de exageradamente tradicional y con una programación demasiado light. Lo innegable es que el maestro formó públicos de dos generaciones. Al salir de Radio Fórmula emigró a Azul 89 con el programa Horizonte Jazz. Falleció el 15 de abril de 2005, a los 80 años de edad.
De ahí, de Jazz FM, partió la idea de crear Horizonte 108, la estación del IMER que desde hace 11 años (15 de febrero de 2000) transmite jazz y algunos otros sonidos del mundo. Los responsables son Erik Montenegro y Martín Rizo. Erik inició como director de Relaciones Públicas y actualmente, desde julio de 2010, es el gerente de la estación y la voz oficial del proyecto.
Entre los diferentes programas que ha producido están Secuencia 108 (el jazz en el cine, de 2000 a 2002), Groovy cocktail (música ligera, de 2002 a 2005) y Mundo síncopa (de lo mejor, con impresionantes especiales que iban del blues al free jazz, de 2005 a 2007. Desde hace cuatro años se hace cargo de Libre albedrío (martes, de 20 a 22 horas) y Club caballeros (jueves, de 20 a 22 horas).
Dos emisiones con buena factura en Horizonte son: Migrante (lunes, de 20 a 22 horas), donde el mítico maestro Óscar Sarquiz hace una minuciosa revisión del jazz actual y la música del mundo, y Picadillo jam (domingos, de 14 a 16 horas), dedicada al jazz latino y bajo la tutela de Andrés Rosales. Todo esto lo localizas en el 107.9 de FM o en www.imer.com.mx.
En la próxima entrega revisaremos un poco de lo mucho que se hace en el interior de la República. Salud.
Un espacio para el cuerpo:
El saxofón evolutivo de Alejandro Campos
por Lorraine Krohnengold
“Cuando toco el saxofón entro en un estado de abstracción, de ensueño,
un estado lúdico…”, explica Alejandro Campos con su voz casi susurrada
que contrasta drásticamente con la impecable potencia expansiva del
sonido de su saxofón.
Cautivado desde los 11 años por el entrañable saxofonista John
Coltrane (1926-1967), a pesar de los prejuicios familiares y sociales
de que “uno se muere de hambre como músico”, Alejandro sabía que la
música era lo suyo. Inspirado por su hermano mayor, Edgar, quien
tocaba batería y ejerció una gran influencia sobre él, escuchaba
continuamente su excelente selección de discos de jazz y rock
empapándose del sonido de músicos como Thelonious Monk, Charlie
Parker, Miles Davis, Dave Brubeck, entre otros de los grandes, pero
fueron John Coltrane y Wayne Shorter –para él “los magos del saxofón”–
y el grupo Blood Sweat and Tears, los que lo volvieron loco, “y ese
fue el hilo con el que me seguí”.
Empezó tocando trompeta, con la cual no se acomodó, y finalmente optó
por el saxofón obteniendo su primer tenor a la edad de 17 años y, dado
que su padre había fallecido cuando él tenía 15 y necesitaba dinero,
empezó a hacer oficio tocándolo en eventos y bodas.
En una de esas fiestas conoció al compositor y pianista de jazz
Eugenio Toussaint, hoy en día reconocido como uno de los jazzistas más
completos e impulsores del jazz en México, con quien hubo una
identificación recíproca que produjo que Eugenio lo invitara a ser
parte de su grupo llamado en ese entonces Cuadrología. Posteriormente
fue invitado por el bajista y compositor Roberto Aymes a integrarse a
su grupo de jazz tradicional llamado Blue Note.
Mientras, Alejandro avanzaba en su carrera estudiando saxofón y
clarinete en la Escuela Nacional de Música de la UNAM, clarinete y
flauta en el Conservatorio Nacional de Música y flauta en la Escuela
Superior de Música, y periódicamente asistía a clínicas de jazz con el
famoso Arnie Lawrence.
Más adelante Eugenio Toussaint, cuyos hermanos también eran músicos,
le propone a Alejandro formar un grupo de jazz fusión dando a luz al
memorable grupo Sacbé, tan sonado en la escena del jazz mexicano e
internacional.
Más adelante Alejandro forma un cuarteto de hard bop y cool jazz
llamado Visiones de Jade con el contrabajista Agustín Bernal y el
pianista Fernando Hernández con quienes toca durante cuatro años.
También incursiona en el aprendizaje del mundo más comercial
acompañando a artistas de la talla de Natalie Cole, Nacha Guevara,
Eugenia León, Armando Manzanero, Luis Miguel, Miguel Ríos, Emmanuel,
Ricardo Montaner, Lupita D’Alessio y el grupo de Pérez Prado (con el
cual hizo una gira a Japón), entre otros.
“Sin duda trabajar con estas celebridades aumenta la riqueza musical y
se aprende mucho, pero cuando surge El Arcano –uno de los espacios
para jazz fusión y otras corrientes que suscitó un movimiento
jazzísitico importante en la ciudad de México– e intenté reintegrarme
al mundo más bohemio, al principio fui rechazado por los grupos de
vanguardia por haber estado en el llamado ‘hueso internacional’”,
detalla Alejandro, “aunque curiosamente después casi todos tuvieron
que entrarle a ese medio también –por lo menos intermitentemente– para
sobrevivir.”
Pronto el baterista Fernando Toussaint, hermano de Eugenio, lo invita
a formar parte de su grupo llamado Palmera en El Arcano, es invitado
también por Agustín Bernal a tocar en su grupo Viva Fidel y se
reintegra a su añorada escena del jazz en la cual vive momentos
realmente inolvidables.
“Varios músicos me preguntaron por qué no formaba mi propio proyecto
personal y se me dio la oportunidad de hacer un disco para el cual
formé un cuarteto con jóvenes que hoy en día ya son muy reconocidos en
la escena jazzística, tales como Aarón Cruz, Nicolás Santella y Hernán
Hecht, con quienes he tocado en diferentes festivales nacionales e
internacionales y en otros espacios de jazz del DF como Papa Beto’s.
“He disfrutado enormemente la creación de este CD llamado Caminata
Nocturna, fusionando el hard bop con el cool jazz y un poco de avant-
garde, en una corriente ‘neo-coltraneana’ que constituye mi pasión y
mi esencia.
“Se empezó a dispersar esta banda como tal porque, como suele suceder,
cada uno empezó a tener sus propios ofrecimientos, pero actualmente
sigo teniendo mi cuarteto cuyos miembros van cambiando. Ahora lo que
busco es agregar más composiciones mías.”
Actualmente Alejandro también es miembro del llamado Papa Beto’s Big
Band con más de 20 músicos, dirigida por el guitarrista Betuco.
Las raíces musicales de Alejandro nacen con la música clásica que
sigue amando hasta la fecha y ha ejecutado con la Filarmónica de la
Ciudad de México, de la UNAM, la Sociedad Filarmónica de Conciertos,
la Sinfónica de Jalapa, con Juan José Calatayud, entre otros, y su
discografía incluye 21 discos con diferentes grupos y acompañando a
cantantes de renombre. Su trayectoria como docente en las mejores
escuelas de música de la ciudad de México y clases privadas es
extensa. Además de haber tocado en conciertos con músicos como Orbis
Tertius, Héctor Infanzón, Enrique Neri, Eduardo Piastro, ha compartido
escenarios con otras celebridades internacionales de jazz, entre los
cuales destacan Freddie Hubbard, Archie Shep y el grupo Oregon.
Aunque goza al ejecutar varios géneros musicales, Alejandro siempre es
jalado por el jazz “porque es una música que está en constante
evolución”.
Con la auténtica modestia que distingue a este dedicado y perseverante
saxofonista “sin duda alguna, uno de los de mayor calidad y peso de
nuestro país”, como lo asegura el productor musical Carlos Matute,
Alejandro Campos anuncia con entusiasmo la próxima aparición de su más
reciente CD, grabado en dueto con el pianista Santiago Derbez como
proyecto becado por el Fonca, titulado Ni mentira ni verdad. Esta obra
consiste de boleros con arreglos de jazz cuyos “ritmos se entrecruzan
y juegan con demasiada cautela, pero las estructuras armónicas se
expanden a tal grado que dan pie para que las improvisaciones troten y
crezcan y luzcan en proporción directa al enorme talento de Alejandro
y Santiago”, en palabras del renombrado periodista cultural
especializado en jazz Antonio Malacara.
La presentación de esta obra dará pie a una serie de conciertos que
darán comienzo el 27 de enero en el DF en el Claustro de Sor Juana,
Izazaga 92, esquina Isabel La Católica, a las 8 de la noche, y en
varios estados de la República como Michoacán, San Miguel de Allende,
y en el ex convento de Tepoztlán.
Para mayores informes sobre los lugares en los que podemos escuchar a
Alejandro Campos y futuras presentaciones, nos brinda su correo
electrónico: acampos
...@hotmail.com y su teléfono celular 044 55 29 72
27 61.
La 27 edición del Festival de México
La 27 edición de el Festival de México, adelanta en preventa tres conciertos musicales y dos espectáculos escénicos. La preventa se llevará a cabo Vía telefónica del 2 de diciembre del 2010 al teléfono 5130 6988.
Una muestra del panorama del jazz actual estará acargo de Pat Metheny Trio (Estados Unidos/México), acompañado por el baterísta Mexicano Antonio Sanchez. Metheney es un virtuoso guitarrista, que cuenta con una sólida trayectoria de 35 años dedicados a la música, con mas de 40 discos grabados así como un gran numero de composiciones para, guitarra, instrumentos eléctricos, acústicos y grandes orquestas. Dicho concierto se llevara a cabo en el Lunario.
Junip ejecuta una mezcla de influencias poco convencionales dando como resultado una música orgánica, melódica, y de atmósfera hipnótica. Este conjunto Sueco esta conformado por José González en la voz y guitarra, Elías Araya en la batería, y Tobias Winterkorn en los teclados. El trio nace en 1999 en Gotenburgo y tras una pausa de die
z años se reúne y se presenta en nuestro pías con una nueva discografía titulada Fields.
Por la parte experimental se presentara el mítico grupo de culto The Residents, conocido también por sus proyectos multimedia. La primer grabación bajo el titulo The Residents, data al año 1972, con Santa Dog, y desde entonces su carrera solo se podría comparar a la suya ya que no hay un referente que se le parezca. Sus integrantes han mantenido siempre su identidad detrás de un ojo vestido con smoking y sombrero de copa. Esta será la primer presentación de esta agrupación estadounidense en México la cual ya esta generando grana expectativa.
En cuanto a las artes escénicas se adelantara en preventa los espectáculos de Israel Galvan (España) y de Heiner Geobbles(Alemania). El primero un espectáculo de baile flamenco, conformado por David Lagos al cante y Alfredo Lagos a la guitarra, con dos funciones en el Teatro de la Ciudad.
El director y compositor Alemán, Heiner Goebbles, presenta la puesta en escena titulada "Eraritjaritjak", expresión usada por los aborígenes australianos para describir un deseo obsesivo por alguna cosa que se ha perdido, un estado de melancolía. Basada de extractos de cuadernos personales de Elías Canetti, Goebbles combina texto, música, iluminación, vídeo, escenografía y efectos especiales.
Fundado en 1985 por un grupo de empresarios el entonces titulado Festival de Mexico en el Centro Histórico programaba en su mayoría conciertos de música clásica, a lo largo de los años en su programación se a dado una apertura a mas disciplinas y a su vez a mas publico. El ahora festiva
l de México se presenta ya como uno de los mas importantes a nivel internacional, gracias a la participacion del sector público y la inversion privada, con una duración de 16 días (del 10 al 27 de Marzo). El festival hace uso de diversos edificios y espacios públicos dentro del Centro histórico para desplegar su vasta oferta cultural.
La 27 edición de el Festival de México, adelanta en preventa tres conciertos musicales y dos espectáculos escénicos. La preventa se llevará a cabo Vía telefónica del 2 de diciembre del 2010 al teléfono 5130 6988. También se podrán adquirir boletos en la taquilla de la librería Rosario Castellanos ubicada en Tamaulipas 22, colonia Condesa a partir del 6 de Diciembre 2010. El descuento del 20% tendrá vigencia hasta el 26 de Enero.
José Alfredo a ritmo de jazz
Ricardo Hernández / El Sol de México
De visita en la capital de nuestro país, donde vino a
recibir el Año Nuevo, la vocalista noruega Hanne Tveter visitó la Redacción
de EL SOL DE MÉXICO para dar a conocer que a partir del mes de marzo
aparecerá su nuevo disco titulado Cruxando Fronteraz, nombre que también
lleva su actual agrupación con la que recrea la música latinoamericana,
inyectándole una dosis de jazz que fusiona con instrumentos tradicionales de
su nación y las letras de nuestros grandes autores como José Alfredo Jiménez
y Cuco Sánchez, además de temas del dominio público como La Bruja y La
Llorona.
"Este proyecto lleva dos años de preparación, aunque en lo personal llevo ya
bastantes años de solista. Este es mi proyecto latinoamericano que incluye
música de huapango, flamenco y música natural noruega (incluyendo violines y
acordeón) englobado dentro del llamado world music", explicó la rubia
intérprete, quien vino acompañada de su baterista y percusionista el
mexicano Antonio Torner, con quien ideó este concepto y al que se unieron de
forma entusiasta los también noruegos: Sverre Indris Joner (piano y
acordeón), Torbjoern Sandvik (guitarra, jarana y tres), Vidar Ytre-Arne
(violín) y Roger Morland (bajo).
Con temas conocidos de Latinoamérica, entre los que se encuentran Ella, de
José Alfredo Jiménez; La Bruja, huapango de Veracruz, La Llorona,
Arrastrando la Cobija, de Cuco Sánchez, hacen una fusión de estilos,
cambiando un poco lo tradicional con arreglos modernos y fusionados con
jazz, flamenco y música natural noruega world music.
"También tenemos elementos de música electrónica para darle un toque más
moderno a composiciones como Yo Vengo a Ofrecer mi Corazón (de Fito Páez),
Alfonsina y el mar (Ariel Ramírez-Félix Luna), Volver (Carlos Gardel,
Alfredo Le Pera) y Para Vivir (Pablo Milanés), entre otros que esperamos
puedan gustar junto con otras creaciones originarias de mi país como son
Huldra (La Bruja) y Om Kvelden (En la Noche)", explicó Hanne, quien ha sido
aclamada por la crítica por su constante ímpetu de búsqueda, como se aprecia
en su flamante grabación Cruxando Fronteraz, que será lanzado por Nordic
Records de Noruega en la primavera de este mismo año, siendo un disco doble
con letras en español (idioma que domina desde que tenía 15 años, al haber
vivido muchos años en España) y que contiene traducciones en noruego.
Jazz
Puentes y especial navideño
Antonio Malacara/La Jornada. 21 de diciembre 2009
En medio de la sobreoferta musical del siglo XXI, el jazz, lejos de ser la
excepción (aunque con las proporciones bien guardadas), incrementa día con
día sus perfiles, sus heraldos, sus conceptos, sus mestizajes, sus fusiones
y sus grabaciones. En México aparecen uno tras otro los discos (ahora
también virtuales, como El Fuego Interno, de Agustín Bernal, o Crepúsculo,
de Freddy Marichal) y a este teclista no le alcanza el espacio para hablar
de todos ellos.
No obstante, hay obras tan importantes que por sí solas se abren paso entre
la multitud para hacerse presentes, a’i mero delante, a la hora de la
selección. Simple, de Gabriel Puentes, es uno de estos casos.
Gabriel es un baterista chileno (Santiago, 1976) que llegó
circunstancialmente a México a los 23 años y que, para fortuna nuestra y de
nuestra música, decidió radicar desde entonces en estas tierras. En medio de
los excelentes veinteañeros locales que pulsaban las baquetas a fin de
siglo, el beat, la imaginación y la pasión de Puentes sobresalieron en
automático. Esto, amén de la inteligencia (¿amén?) y del precoz y profundo
background jazzístico que evidenciaba con sólo cruzar unas palabras.
Por fortuna, todo esto no lo desbarrancaba en afanes protagónicos y el
recién llegado se dedicaba a tocar y a construir sus discursos, siempre más
allá de las meras plataformas rítmicas. El jale fue primero con Sósimo
Hernández y poco después aparecieron Agustín Bernal, Cristóbal López,
Eugenio Toussaint, Francisco Lelo de Larrea, Aarón Cruz, Mark Aanderud y
otros muchos etcéteras que por igual avalaban y disfrutaban la musicalidad
del joven maestro.
Después de 11 años de ir y venir por el país fortaleciendo, sementando, las
propuestas de otras personas, Gabriel Puentes decidió grabar su primer disco
como líder, Simple, y para ello invitó a Chris Lightcap (contrabajo) y Leo
Genovese (piano), ambos con su propio proyecto, ambos protagonistas de la
escena neoyorquina, pero el primero oriundo de Pennsylvania y el segundo
(con una mano izquierda privilegiada) de Argentina. El resultado: un disco
fuera de serie.
En realidad, Simple es un título que poco o nada tiene que ver con el
contenido, pues se trata de una obra generosa en detalles, en texturas, en
información, llena de color, de clásicos revisitados y vueltos a armar (como
todo buen jazz). Es un disco largo, de más de una hora, que se va como vino
tinto. Empieza con el Blues connotation, de Ornette Coleman, y cierra con la
misma pieza, aunque con diferentes enfoques, por supuesto, obteniendo una
suerte de coherencia circular, espiral, de bondadoso ritual pagano.
En medio, aparecen temas de Thelonious Monk, Wayne Shorter, Sam Rivers y el
propio Puentes, enlazados por breves escarceos de improvisación colectiva,
por ocho pequeñas piezas firmadas por el trío, bajo la consigna de engarzar,
de conectar cada uno de los temas centrales; aunque en los hechos, estos
ocho conectores resultan tan importantes como las piezas estelares del
compacto, o más aún, si consideramos su poder de abstracción y el hecho de
que bajista y pianista se habían conocido apenas un día antes de la
grabación.
El último escarceo, Me retiro, indignado, es un pasaje efectista,
paisajista, que de un vuelo da pie al regreso del Blues connotation, y el
contraste es tal, que uno brinca y se divierte, y da las gracias de volver a
aterrizar en la realidad de la Tierra, con los pelos de punta y el corazón
agitado, como sucede cuando un disco es más redondo de lo que uno se podía
haber imaginado.
Alain Derbez, a quien mandamos un fuerte abrazo –por su nuevo libro, por su
añejo espíritu y por el dolor que se agazapa hoy en la ausencia–, repite
este año su programa especial de Navidad en Radio Educación, y bajo la
consigna de Feliz Navijazz, transmitirá 24 horas consecutivas de jazz
nacional, de jazz mexicano, de esa música que todavía algunos despistados no
pueden ver (y menos escuchar).
A partir de las cero horas del 24 de diciembre, y hasta las 23:59 del sábado
25 habrá un día completo de jazz desde México y de México, según palabras
del productor y conductor, quien transmitirá en vivo de las 16 a las 20
horas. La cita es en el 1060 de AM, o bien en
www.radioeducacion.edu.mx,
para quienes anden en alguna otra parte del planeta y tengan señal de
Internet. Salud.
